Artemisia Gentileschi - Suite.

 

Artemisia Gentileschi

Autoportrait en tant que martyre femme.

1615.

Egalement connu sous le nom de « Martyr féminin ». (Wahoo art).

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Artemisia Gentileschi

Born on this day in 1593, in Rome.

One of the great painters of Baroque Italy

“Endured shit and painted about it.”

Here, herself as a martyr, Saint Catherine, 1616.

Née ce jour en 1593, à Rome.

L'une des grands peintres de l'Italie baroque. 

« J'ai enduré de la merde et j'ai peint à ce sujet. » 

Ici, elle-même en martyre, Sainte Catherine, 1616.

Artemisia Gentileschi, née le 8 juillet 1593 à Rome et morte à Naples vers 1656, est une artiste peintre italienne de l'école caravagesque.

Sainte Catherine d'Alexandrie est un tableau réalisé par la peintre italienne Artemisia Gentileschi en 1618-1619. (Wikipedia).

Artemisia Gentileschi, l'artiste féminine la plus célèbre du XVIIe siècle, apparaît sous les traits de sainte Catherine d'Alexandrie, sainte chrétienne décédée pour sa foi au début du IVe siècle.  (Ciné-club de Caen).

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Simon Vouet

Portrait of Artemisia Gentileschi in 1625

She was born on this day in 1593.

Portrait d'Artemisia Gentileschi en 1625. 

Elle est née ce jour-là en 1593.

Portrait d'Artemisia Gentileschi est un tableau réalisé vers 1622-1626 par le peintre français Simon Vouet. (Wikipedia).

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Artemisia Gentileschi

Lucretia

1621 

One of the most agonizing versions of subject, I think destruction of her own violated flesh.It’s Artemisia’s day.

L’une des versions les plus angoissantes du sujet, je pense à la destruction de sa propre chair violée. C’est 

le jour d’Artemisia.

Lucrèce d'Artemisia Gentileschi a été peinte en 1621 à l'huile sur toile. Il représente l'héroïne romaine, Lucretia, alors qu'elle prend un poignard sur sa poitrine, prête à se suicider. Le suicide de Lucrèce était un événement historiquement célèbre qui a eu des conséquences considérables. (The history of art).

After Lucretia was raped by a son of the king, she stabbed herself to death. Her suicide led to a rebellion that drove the ruling family.

Après que Lucrèce ait été violée par un fils du roi, elle s'est poignardée à mort. Son suicide a conduit à 

une  rébellion qui a chassé la famille régnante. (The modern art notes).

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Artemisia Gentileschi.

Portrait d'une dame assise (peut-être Caterina Savelli)

Magnificent portrait of a woman

1620

She was born on this day in 1593.
Magnifique portrait de femme

1620

Elle est née ce jour-là en 1593.

L'œuvre représente une femme assise, ses cheveux roux blond coiffés d'une ornementation florale apparente. Elle porte une robe élaborée, brodée d'or avec des accents sombres, la broderie présentant un motif répétitif qui semble être des feuilles ou des fleurs stylisées. La robe possède un col haut et froncé ainsi que de longues manches aux poignets décoratifs. Elle est assise sur une chaise dont on voit le dossier rouge capitonné derrière elle. L'arrière-plan est sombre, concentrant l'attention sur la femme et sa tenue. L'expression de la femme est sereine, et ses mains sont posées doucement sur ses genoux. (FTA art).

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Artemisia Gentileschi

1593–1656

Jael et Sisera

1620

Ancien Testament.

Yaël et Siséra est un tableau réalisé en 1620 par la peintre italienne Artemisia Gentileschi. De format horizontal, cette huile sur toile est une peinture religieuse qui illustre un épisode du Livre des Juges, dans l'Ancien Testament. (Wikipedia).

The story comes from the Old Testament Book of Judges and tells how Sisera, a commander in the Canaanite army, flees a disastrous battle with the Israelites. (Google arts and culture).

L'histoire vient du Livre des Juges de l'Ancien Testament et raconte comment Sisera, commandant de

 l'armée cananéenne, fuit une bataille désastreuse avec les Israélites. Jaël, une femme mariée de la tribu

 kénienne, lui offre du lait et un abri. Alors que Sisera s'endort, Jaël lui enfonce un piquet de tente dans

 le crâne.

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Artemisia Gentileschi

Autoportrait.

L'autoportrait d'Artemisia Gentileschi, réalisé vers 1638-1639 lors de son séjour en Angleterre, la représente en allégorie de la peinture, tenant un pinceau et une palette, symbolisant sa position unique en tant que femme artiste dans un contexte traditionnellement masculin. Il est conservé au château de Windsor et illustre son habileté à mêler portrait personnel et symbolisme artistique.

Un tableau d'Artemisia Gentileschi qui représente son image comme symbole de l'art de la peinture. Il est conservé au château de Windsor et date de son séjour en Angleterre vers 1638-1639.

(Wikipedia).

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Artemisia Gentileschi

Judith coupant la tête d'Holopherne

1620.

En 1620, Artemisia Gentileschi a peint un tableau représentant la même scène intitulé également Judith décapitant Holopherne, œuvre conservée au musée des Offices à Florence. (Wikipedia).

Judith décapitant Holopherne est le titre de deux tableaux de la peintre italienne baroque Artemisia Gentileschi, réalisés vers 1614-1620. (Wikiart).

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Artemisia Gentileschi

Sainte Lucy

Entre 1636-1638

Italian, Italienne

1593-1652 ou 1653

Private collection

Artemisia Gentileschi a peint Sainte Lucy entre 1636 et 1638, une œuvre qui fait partie d'une collection privée. Cette période correspond à sa phase napolitaine, marquée par des sujets religieux et une adaptation aux goûts artistiques de l'époque.

Figures féminines expressives, détails réalistes des tissus et des accessoires.

Cette œuvre témoigne de la capacité d'Artemisia Gentileschi à transcender les conventions de son époque et à imposer son style unique dans un monde artistique dominé par les hommes. (Qwant).

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Artemisia Gentileschi – 5 femmes

- Jael et Sisera

Ancien Testament

1620

Artemisia Gentileschi a réalisé cette toile en 1620 lorsqu’elle n’avait que 27 ans  (pastorjasonelder.com)

L’œuvre est une huile sur toile de 93 × 128 cm et se trouve au Musée des Beaux‑Arts de Budapest (numéro d’inventaire 75.11)  (en.wikipedia.org)

Sujet et narration

Le tableau illustre un épisode du Livre des Juges (4 : 11‑22, 5 : 24‑31) : Jaël, femme kenite, accueille le général cainate Siséra dans sa tente après sa défaite. Alors qu’il dort, elle l’assomme en lui enfonçant un piquet de tente dans le temple 

(en.wikipedia.org)

Cette scène, rarement représentée, symbolise la justice divine et la force féminine (pastorjasonelder.com)

Analyse de la composition

• Chiaroscuro et tenebrisme dominent la scène, créant un contraste fort entre la lumière qui met en valeur les mains de Jaël et l’ombre qui enveloppe Siséra  (pastorjasonelder.com)
• Jaël porte une robe jaune et ses bras sont visibles grâce à des manches retroussées, soulignant sa capacité physique  (artsandculture.google.com)

.

• Siséra est représenté en vêtements militaires colorés, mais son visage est inconscient, accentuant sa vulnérabilité  (artsandculture.google.com)
• Le piquet et le marteau )sont les objets clés, symbolisant l’outil de la délivrance  (pastorjasonelder.com

Signification artistique

• L’œuvre reflète la résilience de l’artiste, qui a surmonté un traumatisme personnel et un procès public  (pastorjasonelder.com)
• Elle s’inscrit dans la tradition de figures bibliques fortes (ex. Judith), mais se distingue par son format horizontal et son ambiance sombre  (artsandculture.google.com)
• La signature ARTEMITIA. LOMI FACIBAT M.D. CXX. rappelle le nom de famille Lomi qu’elle utilisait à Florence  (artsandculture.google.com)

Réception et influence

• Le tableau est reconnu pour son impact dramatique et son représentation réaliste de la violence, typique du style caravaggesque  (grokipedia.com)
• Il a inspiré des discussions sur la représentation des femmes dans l’art baroque et sur la symbolique de la justice  (en.wikipedia.org)

- Judith coupant la tête d'Holopherne

• La scène provient du Livre de Judith, un texte apocryphe qui raconte comment la femme juive Judith décapite le général assyrien Holopherne pour sauver sa ville.
• Le tableau illustre le topos « pouvoir des femmes », montrant une femme dominante sur un homme puissant  (fr.wikipedia.org)

2. Les deux versions

Version	Année	Lieu de conservation
Première	1612‑1613	Musée national de Capodimonte, Naples fr.wikipedia.org
Seconde	1620	Galerie des Offices, Florence fr.wikipedia.org

• La première version a été peinte entre 1612 et 1613, tandis que la seconde, réalisée en 1620, est conservée à Florence  (pauloeuvreart.org)
• Le tableau est considéré comme une œuvre phare du baroque et un exemple de la façon dont Artemisia a donné une perspective féminine à un sujet traditionnellement masculin  (pauloeuvreart.org)
• Il a été exposé dans l’exposition « Caravaggio et Artemisia » au Palazzo Barberini à Rome, soulignant la capacité de l’artiste à donner vie à ses personnages (pauloeuvreart.org)

 

- Autoportrait en tant que martyre femme – 1615

Artemisia Gentileschi a réalisé ce tableau vers 1615‑1617 alors qu’elle vivait à Florence (1613‑1620). Il s’agit d’un autoportrait où la jeune artiste se représente en sainte Catherine d’Alexandrie, martyre chrétien du IVᵉ siècle.

Attributs de la sainte :

• Palme de martyr tenue dans la main droite.
• Roue de fer (instrument de son supplice) visible dans l’angle inférieur gauche.
• Couronne royale sur la tête.

Signification : l’œuvre fait écho à la torture que Artemisia a subie lors du procès contre son violeur, Agostino Tassi, et symbolise son propre martyre et son émancipation artistique.

• Depuis 2018, l’œuvre est conservée à la National Gallery de Londres (Royaume‑Uni ).
• Une autre version de l’autoportrait, réalisée vers 1614‑1615, est également conservée à la National Gallery de Londres.À l’âge de 20 ans, Artemisia peint cette toile pendant son séjour florentin, période durant laquelle elle affirme pleinement son identité artistique et s’émancipe de l’ombre de son père, Orazio Gentileschi (1563‑1639).

 Elle a été admise en 1616 à l’Accademia delle Arti del Disegno. (Qwant).

- Sainte Lucie, entre 1636-1638

Artemisia Gentileschi a réalisé cette peinture à l’huile sur toile représentant Saint Lucie de Syracuse entre 1636 et 1638 (commons.wikimedia.org)

• Titre : Santa Lucía (en italien) / Sainte Lucie (en français)  (commons.wikimedia.org)
• Dimensions : 63 cm de hauteur sur 53 cm de largeur, soit 24,8 in × 20,8 in  (commons.wikimedia.org)
• Collection : œuvre conservée dans une collection privée  (commons.wikimedia.org)
• Genre : portrait historié, mettant en scène la sainte comme figure centrale  (commons.wikimedia.org)
• Médium : huile sur toile, technique typique de la période baroque italienne  (commons.wikimedia.org)

Cette peinture illustre la maîtrise de Gentileschi dans la représentation de figures religieuses, alliant réalisme et expressivité caractéristique de son style.

 

- Lucrèce – 1621

Lieu de conservation : Musée de Gênes, Gênes

- Portrait d’Artemisia Gentileschi en 1625 par Simon Vouet

Artemisia Gentileschi représentée à mi‑corps, vêtue d’une robe jaune, tenant une palette devant un fond brun. Elle porte un médaillon orné du Mausolée d’Halicarnasse, symbole de son prénom et de la gloire immortelle qu’elle a acquise grâce à ses œuvres  (fr.wikipedia.org)

• Commanditaire : Probablement Cassiano dal Pozzo, érudit et mécène proche des artistes français à Rome  (fr.wikipedia.org)
• Lieu de conservation : Palais Bleu, Pise, Toscane (Fondazione Pisa)  (fr.wikipedia.org)

Résumé
Le portrait, réalisé vers 1625, illustre la renommée de Artemisia Gentileschi et son lien avec la culture antique, tout en reflétant le réalisme caractéristique de Simon Vouet. L’œuvre est conservée dans la collection de la Fondazione Pisa, au Palais Bleu.

 

- Portrait d'une dame assise (peut-être Caterina Savelli) - 1620

Identité de la modèle
La sitée est probablement Caterina Savelli, Princesse d’Albano  (en.wikipedia.org)

Description artistique
La femme est assise à trois quarts, vêtue d’un costume orné de broderies dorées. Son expression calme et introspective, ainsi que le contraste entre le fond sombre et la peau illuminée, illustrent le style baroque caractéristique de Gentileschi  (artchive.com)

Événement d’enchères
L’œuvre a été vendue le 27 janvier 2022 à Sotheby’s pour un prix estimé entre 2 000 000 et3 000 000 et3 000 000   (sothebys.com)

Résumé
Le portrait d’une dame assise d’Artemisia Gentileschi, réalisé vers 1620, est une huile sur toile de près de 130 × 98 cm, représentant une femme en costume orné, probablement la princesse Caterina Savelli. L’œuvre appartient à une collection privée et a été mise aux enchères chez Sotheby’s en 2022. (Qwant).

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Michel Serrault …vous avez dit Serrault ? Jean Yanne - Artemisia Gentileschi

 

Michel Serrault

…vous avez dit Serrault ?

Edition Florent Massot – 2001

 

Né le 24 janvier 1928 à Brunoy et mort le 29 juillet 2007 à Honfleur. 

A la demande de la famille, le corps de Michel Serrault, enterré au cimetière Sainte-Catherine de Honfleur depuis le 2 août 2007, a été exhumé et déplacé à Neuilly. Il repose désormais auprès de l'une de ses filles et son épouse Juanita, décédée le 16 novembre 2008.

C’est un joyeux luron et il transpose sa gaieté dans son livre. Il voulait devenir clown. Il apprend à jouer de la trompette.  Le destin en décidera autrement. Il sera comédien, cherchant à s’approcher de la vérité dans son jeu d’acteur.  On rit avec lui, avec ses sketchs créés avec Jean Poiret, son ami, son frère de toute une vie. On rit et il rit particulièrement dans la première partie de sa vie, jusqu’au décès tragique dans un accident de voiture de sa fille, en 1977. Après, la tristesse et la peine envahissent son âme. Le décès de Jean Poiret sera vécu comme une trahison. Le travail le sauvera. Il sera fidèle toute sa vie à sa femme Nita Saint-Peyron* (= Juanita), "une beauté divine aux yeux pleins de lumière". Elle dansait, elle jouait dans les cabarets. Michel Serrault l’avait rencontrée  au conservatoire Maubel à Paris, alors qu'il prenait des cours de comédie.  Ses films seront plus sérieux, ponctués d’expériences plus ou moins égales. Son approche du théâtre entre en conflit avec celle de Planchon. Il adorera travailler avec Jean-Pierre Mocky et Claude Chabrol. Fanfaron, il se targue d’être imprévisible et se le reproche car cela lui causera quelques ennuis dans sa carrière. C’est pourtant cet aspect de sa personnalité qui lui a permis de se distinguer des autres.

*

Michel Serrault fait la connaissance de Juanita Saint-Peyron, surnommée Nita. C'est le coup de foudre et les deux tourtereaux s'épousent le 27 janvier 1958. L'acteur a alors 30 ans lors de la cérémonie, durant laquelle ils choisissent les cinéastes Jean Poiret et Françoise Dorin comme témoins de leur mariage.

Page 71 : Raimu :

Il a joué avec Raimu au théâtre, dans le Malade Imaginaire. « Il portait en lui une naïveté enfantine et un puissant orgueil qui l’ont souvent rendu sublime, mais qui, à mon sens, l’ont souvent empêché d’atteindre le génie de Harry Baur ». Il  a adoré Harry Baur car il  a « tout inventé tout en gardant sa personnalité ».

 

Page 76 : Calder.

Dans la loge des Fratellini est suspendu au plafond « le trombone à piston et le tuba voisinant avec le fameux chien en tube métallique !  Cet objet avait spécialement été réalisé par Calder, le sculpteur américain, pour les entrées en piste d’Albert ».

 

Alexander Calder.

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Page 103 – Ode à la Malibran :

En 1950, Nita et lui sont engagés par Robert Dhéry dans le spectacle Dugudu qui présente une série de sketches. Il se souvient que le spectacle « comportait L’Ode à la Malibran que disait Robert Destain. Un gag toutes les quinze secondes. ».

 

Page 158 : on ne tripatouille pas Maupassant :

Fin des années 1950. Avec l’acteur et chansonnier Noël-Noël, ils créent un spectacle de sketchs dans lequel ils jouent La Terreur des Dames. « C’était une adaptation d’une nouvelle de Maupassant Ce cochon de Morin. Ce ne fut pas un succès, le public n’ayant pas apprécié qu’on tripatouille chez Maupassant ».

 

Page 172 : le métier où on ne dit jamais non :

En 1957, Raoul Arnaud, ombrageux et jaloux, est le directeur du cabaret parisien Aux Dix Heures. Pour éviter un conflit avec lui au moment de la signature du contrat, Jean Poiret qui avait pris un autre engagement pour une tournée de trois semaines, ment et se tait. « En vérité, dans un métier où on ne dit jamais non, Jean était plus à l’aise que quiconque, car il détestait dire non ».

 

Page 276 – Jean Yanne :

Tout est question de vibrations et vous savez tout de suite si ça va coller avec lui ou pas. Pas besoin de discours. « Jean est un homme de résonance. Et quand il dirige un film, c’est la même chose qui se produit. Attentionné, exigent, peu bavard. » Ils ont été « sur la même longueur d’onde ». Ils ont partagé la clownerie, l’amitié et le destin d’êtres exceptionnels.

 

 

Jean Yanne 

L'autofinancement de l'état

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« La connerie, c'est comme le judo, il faut utiliser la force de l'adversaire. »

Jean Yanne

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Pages 340-341  - Audiard et la langue française :

Jalousé, il est calomnié par ses détracteurs. Michel Serrault s’insurge contre un journaliste qui veut le descendre en flèche.

« Audiard a fait comme tous les grands créateurs : il s’est servi de la réalité et l’a transfigurée pour en faire une vérité. »

« Audiard possédait le langage d’un poète populaire. »

« Il possédait le balancement des phrases ».

« Il confrontait ces mots de tous les jours à des termes inattendus, pour créer ses explosions verbales qui font le bonheur des oreilles ».

« La cadence, la concision, le « ramassé » d’une phrase d’Audiard (…) évoquent bien plus que le non-style du tout-venant ».

 

Page 391 – Première réalisatrice femme :

Il conserve un bon souvenir du tournage du film réalisé par une femme. Il s’agit d’ Artemisia réalisé par Agnès Merlet**. Il jouait le père d’Artemisia Gentileschi* que l’on considère comme la première peintre de l’histoire. (Il oublie que ce sont les femmes et les adolescent-e-s qui ont peint les fresques préhistoriques, NDLR)

 

*

Artemisia Lomi Gentileschi, née le 8 juillet 1593 à Rome et morte à Naples vers 1656, est une artiste peintre italienne de l'école caravagesque.

Le père d'Artemisia, Orazio Gentileschi, lui-même peintre célèbre, avait été très influencé par Caravage et avait peint sa propre version de la scène de Judith et Holopherne.

Les peintures d'Artemisia Gentileschi étaient audacieuses, vibrantes et parfois violentes. 

Procès pour viol d'Artemisia Gentileschi, fille du peintre Horatio Gentileschi. L'accusé est disciple du père.

Les Lettres d'Artemisia Gentileschi ont été éditées à Paris (1984, éd. Des Femmes). Une exposition lui a été consacrée (Florence, Casa Buonarroti) en 1991.

Record battu pour un tableau majeur d'Artemisia Gentileschi, adjugé 4,8 millions d'euros.

 

Artemisia Gentileschi s'attaque aux scènes historiques

L'Humanité

03 22

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Artemisia Gentileschi

Yaël et Siséro

1620

Budapest

Ce tableau a été réalisé par l'artiste baroque italienne Artemisia Gentileschi vers 1620 et fait partie de la collection du Musée des Beaux-Arts de Budapest. (The history of art).

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L'HUMANITÉ.

Artemisia Gentileschi est devenue une icône féministe.

Elle a été occultée pendant deux siècles.

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Un des deux tableaux d'Artemisia Gentileschi retrouvés à Beyrouth.

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Agnès Merlet est une réalisatrice française née le 4 janvier 1959.

En 1997, Agnès Merlet adapte au format long son tout premier court-métrage : Artemisia, avec Michel Serrault en vedette, s'intéresse au destin d'Artemisia.

Agnès Merlet avoue sa passion pour Pasolini. 

LE FILS DU REQUIN

1993

UN FILM DE Agnès Merlet

AVEC Ludovic Vandendaele, Erick Da Silva, Sandrine Blancke

Dans une petite ville du Nord, deux gamins abandonnés par leur mère et rejetés par leur père, cèdent à la violence, semant la terreur sur leur passage. Cherchant une place dans ce monde hostile, ils trouveront refuge dans le rêve. Prix de la Critique Internationale, Venise, 1993.

 com/video/x26m5kv

 

Dorothy - Interview Agnès Merlet

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Page 96 – Michel Serrault et Jean Poiret :

Elle surprend Michel Serrault qui descend d’une voiture. Elle ose lui glisser sous l’essuie-glace un petit mot dans lequel elle lui avoue toute l’admiration qu’elle lui porte. Elle pense qu’il n’a jamais lu ce mot. Qui sait ?

Jean Poiret viendra la voir dans sa loge à l’Olympia et lui dira « Vous avez du génie, on va faire des choses ensemble ». Malheureusement, il est mort trois ans plus tard, sans concrétiser son projet.

Page 219 – Jean Poiret :

Quand elle était adolescente à Saint-Etienne, « coincée entre le magasin de chaussures et le cours Sévigné, il a illuminé sa vie ».

Pages 357 :358 – Michel Serrault :

Elle écrit Au Secours ! qui raconte l’histoire de « Blanche-Neige », revue et corrigée par Pierre Palmade. Elle enchaîne non-stop ce spectacle, sans pause ni sortie de scène. Sa maman est morte un an auparavant. Elle pense à Michel Serrault qui a « continué à jouer tous les soirs dans la Cage aux folles alors qu’il vient de perdre sa fille ». Elle est bouleversée par « cette gaieté qui recouvre la vie privée parce qu’il faut y aller ».

 

Muriel Robin

Fragile

Souvenirs

Editions XO, 2018

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93 personnes ont lu cet article.

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Peinture - Paolo Véronèse - Judith - Holopherne

Paolo Véronèse

Vérone, 1528 – Venise, 1588

Sacre du roi David

Narbonne

Paolo Caliari, dit Véronèse

Venise, 1528 – Venise, 1588

Les noces de Cana

Peint en 1562 – 1563 pour le réfectoire des Bénédictins de San Giorgio Maggiore à Venise.

Restauré en 1989 – 1992 avec un mécénat.

 

Paolo Véronèse

Le repas chez Simon (1570)

Versailles

Véronèse Paolo Caliari, dit

Vérone, 1528 – Venise, 1588

Le Fauconnier

Venise, 1560

Huile sur toile

Musée d’Assezat

Fondation Bemberg

Toulouse

Paolo Caliari dit Véronèse (avec collaboration)

Vérone, 1528 – Venise, 1588

Judith et Holopherne

Huile sur toile

Habitante de Béthulie, Judith pénètre dans le camp des Assyriens qui assiègent la ville. D’une grande beauté, elle séduit le général Holopherne. Elle l’enivre puis lui coupe la tête. Sa servante noire lui présente un sac pour y mettre la tête coupée avant de s’enfuir du camp. Le maître vénitien use de ses artifices : coiffure de la blonde chevelure, tonalités acidulées des somptueux drapés.

Musée des Beaux-Arts

Caen

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Judith tue Holopherne – Page 40 :

Judith sera choisie par Dieu pour résister à Nabuchodonosor qui « donne ordre au général Holopherne de faire de la Judée une terre de désolation, et de « brûler les vignes ». (…) Judith égorgera Holopherne après l’avoir saoulé, Jérusalem sera sauvée ».

La vigne et le vin, sacrés symboles.

Jean-François Blondel.

Editions OXUS – 2020

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Victor Mottez 

Judith 

1858 

Huile sur toile.

Rennes 

Musée Beaux-Arts
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Louis Finson

Bruges, 1578 - Amsterdam, 1617

Judith décapite Holopherne

1607

Naples

Musée d'art.

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Véronèse

Judith et Holopherne
Caen
Musée d'art

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Gillis Coignet 

Anvers, 1538 - Hambourg, 1599.

Judith montrant le tête d'Holopherne aux habitants de Béthulie 

Caen 

Musée Beaux-Arts

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Simone Pignoni

Florence, 1611-1614 ? - 1698

Judith s'emparant de l'épée d'Holopherne

Cherbourg

Musée Thomas Henry

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Le Caravage

Judith et Holopherne

1602

Judith et Holopherne ou Judith décapitant Holopherne (en italien, Giuditta e Oloferne) est un tableau du Caravage peint vers 1598 et conservé à la galerie nationale d'Art ancien de Rome.

(Wikipedia).

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Page 391 – Première réalisatrice femme :

Il conserve un bon souvenir du tournage du film réalisé par une femme. Il s’agit d’ Artemisia réalisé par Agnès Merlet**. Il jouait le père d’Artemisia Gentileschi* que l’on considère comme la première peintre de l’histoire. (Il oublie que ce sont les femmes et les adolescent-e-s qui ont peint les fresques préhistoriques, NDLR)

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Artemisia Lomi Gentileschi, née le 8 juillet 1593 à Rome et morte à Naples vers 1656, est une artiste peintre italienne de l'école caravagesque.

Le père d'Artemisia, Orazio Gentileschi, lui-même peintre célèbre, avait été très influencé par Caravage et avait peint sa propre version de la scène de Judith et Holopherne.

Les peintures d'Artemisia Gentileschi étaient audacieuses, vibrantes et parfois violentes. 

Procès pour viol d'Artemisia Gentileschi, fille du peintre Horatio Gentileschi. L'accusé est disciple du père.

Les Lettres d'Artemisia Gentileschi ont été éditées à Paris (1984, éd. Des Femmes). Une exposition lui a été consacrée (Florence, Casa Buonarroti) en 1991.

Record battu pour un tableau majeur d'Artemisia Gentileschi, adjugé 4,8 millions d'euros.

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Artemisia Gentileschi, #MeToo chez les Médicis.

​Aussi douée qu'opportuniste, la peintre a créé l'exception. Au XVIIe siècle, interdits, tabou du viol, scandale et illettrisme ne l'ont pas empêchée de devenir une star internationale.

(…) Viol, procès et scandale: de l'obscurité à la lumière.

Orpheline de mère, la jeune fille est l'aînée de la fratrie. Tous les enfants aident leur père dans son atelier, préparant toiles et mélanges, brossant les fonds...

(…) Elle jette ses mains en l'air, interpelle en pleine cour Agostino Tassi: «Voici la bague que tu me donnes, et voilà tes promesses!» Tassi avoue être déjà marié. Condamné à l'exil, il y échappera grâce à ses influents protecteurs. Orazio se précipite pour marier sa fille de 18 ans au frère de son notaire. La relation durera dix ans. Peintre mineur, Stiattesi jouera les agents pour sa femme.

artemisia-gentileschi-artiste-peintre-italie-metoo-medicis-viol-scandale

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Cristofano Allori,

 Judith avec la tête d’Holopherne

 (1610-1612)

 huile sur toile, 139 x 116 cm ;

Florence,

Palazzo Pitti,

Galerie Palatine.

La scène montre la jeune fille qui vient de décapiter le général et qui montre fièrement son trophée au spectateur. La tête coupée d’Holopherne pend en effet de la main gauche de l’héroïne, qui ne la tient que par une touffe de cheveux dans la partie centrale de la tête. Les yeux d’Holopherne sont fermés, sa bouche est entrouverte et tout son visage est entouré d’une épaisse chevelure et d’une barbe.  (Finestresullarte).

Le tableau le plus célèbre de l'artiste florentin Cristofano Allori, réalisé entre 1610 et 1612, a connu un succès immédiat et a été largement copié. (MSK Gent).

Le tableau de Cristofano Allori, Judith tenant la tête d'Holopherne, de 1619, est reconnu comme le chef d'œuvre du peintre, et comme le tableau le plus admiré. ‘Eman archives).

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Artemisia Gentileschi

1593–1652

Judith coupant la tête d'Holopherne.

Judith décapitant Holopherne est un tableau de l'artiste peintre baroque italienne Artemisia Gentileschi réalisé entre 1612 et 1613 et conservé au musée de Capodimonte à Naples (Wikipédia).

Les bras de Judith sont eux aussi tendus : d'une main, elle écrase fermement la tête d'Holopherne contre le matelas. (Beaux-Arts).

Au premier plan, la décapitation avec la tête hurlante est montrée de manière très crue. Le détail des filets de sang contraste avec le linge de lit. (Panorama de l’art).

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François Ladatte

Judith tenant la tête d'Holopherne

Musée du Louvre.

François Ladatte (né Francesco Ladetto à Turin, 1706‑1787) était un sculpteur italien qui a exercé à Paris et à Turin. En 1741, il fut nommé académicien de l’Académie royale de peinture et de sculpture pour une statuette en marbre de Judith qui représente la héroïne biblique tenant la tête de Holopherne  (fr.wikipedia.org)

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Judith et Holopherne

Margaret Agnes Rope

1882-1953

British stained glass artist in the Arts and Crafts movement tradition

Artiste verrier britannique s'inscrivant dans la tradition du mouvement Arts and Crafts.

Margaret Agnes Rope a réalisé, vers 1908, son premier vitrail à grande échelle, intitulé « Judith & Holofernes ». Il s’agit d’une pièce life‑size née d’un travail d’étudiante, influencée par son maître Henry Payne  (margaret-agnes-rope.co.uk)

Contexte de création

• Date : vers 1908, alors qu’elle avait environ 25 ans.
• Nature : premier vitrail complet de Rope, réalisé dans le cadre de ses études à la Birmingham School of Art (1900‑1909)  (margaret-agnes-rope.co.uk)
• Sujet : la scène biblique de Judith décapitant l’assyrien Holofernes, symbole de la force féminine et de la prise de pouvoir historique.

Découverte et exposition

• Découverte : la pièce a été retrouvée dans les années 1990 dans une fenêtre de salle de bain d’une maison en South Shropshire, où elle servait de simple vitrage décoratif  (margaret-agnes-rope.co.uk)
• Identification : un chercheur en histoire de l’art l’a reconnue grâce à un dessin comparé conservé à l’Birmingham University Archives  (margaret-agnes-rope.co.uk)
• Première exposition publique : présentée lors de l’Exhibition Margaret Rope en 2016, marquant la première fois qu’elle était exposée au public  (margaret-agnes-rope.co.uk)

Signification artistique

• Référence historique : la représentation de Judith a longtemps été un thème majeur en art, illustrant la capacité d’une femme à changer le cours de l’histoire.
• Influence : Rope, consciente de cette tradition, a choisi ce sujet pour souligner la puissance féminine, comme l’ont fait Caravaggio et Artemisia Gentileschi  (margaret-agnes-rope.co.uk)

« Judith & Holofernes » est probablement le premier vitrail à grande échelle réalisé par Margaret, et son histoire de découverte en fait un cas d’étude fascinant sur la valeur et la réévaluation des œuvres d’art. (margaret-agnes-rope.co.uk)

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Agnès Merlet est une réalisatrice française née le 4 janvier 1959.

En 1997, Agnès Merlet adapte au format long son tout premier court-métrage : Artemisia, avec Michel Serrault en vedette, s'intéresse au destin d'Artemisia.

Agnès Merlet avoue sa passion pour Pasolini. 

LE FILS DU REQUIN

1993

UN FILM DE Agnès Merlet

AVEC Ludovic Vandendaele, Erick Da Silva, Sandrine Blancke

Dans une petite ville du Nord, deux gamins abandonnés par leur mère et rejetés par leur père, cèdent à la violence, semant la terreur sur leur passage. Cherchant une place dans ce monde hostile, ils trouveront refuge dans le rêve. Prix de la Critique Internationale, Venise, 1993.

Dorothy - Interview Agnès Merlet

https://www.dailymotion.com/video/x26m5kv

Michel Serrault

…vous avez dit Serrault ?

Edition Florent Massot – 2001

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C'est à Venise que serait apparu le mot « ghetto » au 16e siècle pour situer le quartier où les juifs ont été confinés.

La République de Venise obligeait les juifs à vivre dans ce quartier.

Actuellement, il y a toujours des synagogues et des inscriptions en hébreu. La population juive est mélangée avec une population non juive.

En décembre 1943, une centaine d'hommes, de femmes et d'enfants ont été raflés et déportés.

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Vue de Venise:

Henry de Waroquier

Paris, 1881 – Paris, 1970

Eglise de la Salute à Venise, vers 1930

Huile sur toile

Musée des Beaux-Arts

Nancy

Paolo Caliari dit Véronèse (avec collaboration)

Vérone, 1528 – Venise, 1588

Apparition du Christ à saint Pierre et saint Paul ou

Jésus Christ donnant les clés à saint Pierre

Huile sur toile

Saint Pierre est reconnaissable au trousseau de clés et saint Paul est muni de son épée.

Musée des Beaux-Arts

Caen

Paolo Caliari dit Véronèse

Vérone, 1528 – Venise, 1588

La tentation de saint Antoine

Huile sur toile

1552

Ce tableau est considéré comme le premier chef-d’œuvre de Véronèse.

Il est réalisé pour le décor de l’autel de la chapelle de la cathédrale de Mantoue.

Vêtu d’une robe de bure, l’ermite est éprouvé par le Diable qui lui envoie en vain une jeune femme pour le séduire puis un démon qui tente de l’assommer avec le sabot d’un cheval.

Musée des Beaux-Arts

Caen

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