Artemisia Gentileschi - Suite.

 

Artemisia Gentileschi

Autoportrait en tant que martyre femme.

1615.

Egalement connu sous le nom de « Martyr féminin ». (Wahoo art).

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Artemisia Gentileschi

Born on this day in 1593, in Rome.

One of the great painters of Baroque Italy

“Endured shit and painted about it.”

Here, herself as a martyr, Saint Catherine, 1616.

Née ce jour en 1593, à Rome.

L'une des grands peintres de l'Italie baroque. 

« J'ai enduré de la merde et j'ai peint à ce sujet. » 

Ici, elle-même en martyre, Sainte Catherine, 1616.

Artemisia Gentileschi, née le 8 juillet 1593 à Rome et morte à Naples vers 1656, est une artiste peintre italienne de l'école caravagesque.

Sainte Catherine d'Alexandrie est un tableau réalisé par la peintre italienne Artemisia Gentileschi en 1618-1619. (Wikipedia).

Artemisia Gentileschi, l'artiste féminine la plus célèbre du XVIIe siècle, apparaît sous les traits de sainte Catherine d'Alexandrie, sainte chrétienne décédée pour sa foi au début du IVe siècle.  (Ciné-club de Caen).

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Simon Vouet

Portrait of Artemisia Gentileschi in 1625

She was born on this day in 1593.

Portrait d'Artemisia Gentileschi en 1625. 

Elle est née ce jour-là en 1593.

Portrait d'Artemisia Gentileschi est un tableau réalisé vers 1622-1626 par le peintre français Simon Vouet. (Wikipedia).

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Artemisia Gentileschi

Lucretia

1621 

One of the most agonizing versions of subject, I think destruction of her own violated flesh.It’s Artemisia’s day.

L’une des versions les plus angoissantes du sujet, je pense à la destruction de sa propre chair violée. C’est 

le jour d’Artemisia.

Lucrèce d'Artemisia Gentileschi a été peinte en 1621 à l'huile sur toile. Il représente l'héroïne romaine, Lucretia, alors qu'elle prend un poignard sur sa poitrine, prête à se suicider. Le suicide de Lucrèce était un événement historiquement célèbre qui a eu des conséquences considérables. (The history of art).

After Lucretia was raped by a son of the king, she stabbed herself to death. Her suicide led to a rebellion that drove the ruling family.

Après que Lucrèce ait été violée par un fils du roi, elle s'est poignardée à mort. Son suicide a conduit à 

une  rébellion qui a chassé la famille régnante. (The modern art notes).

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Artemisia Gentileschi.

Portrait d'une dame assise (peut-être Caterina Savelli)

Magnificent portrait of a woman

1620

She was born on this day in 1593.
Magnifique portrait de femme

1620

Elle est née ce jour-là en 1593.

L'œuvre représente une femme assise, ses cheveux roux blond coiffés d'une ornementation florale apparente. Elle porte une robe élaborée, brodée d'or avec des accents sombres, la broderie présentant un motif répétitif qui semble être des feuilles ou des fleurs stylisées. La robe possède un col haut et froncé ainsi que de longues manches aux poignets décoratifs. Elle est assise sur une chaise dont on voit le dossier rouge capitonné derrière elle. L'arrière-plan est sombre, concentrant l'attention sur la femme et sa tenue. L'expression de la femme est sereine, et ses mains sont posées doucement sur ses genoux. (FTA art).

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Artemisia Gentileschi

1593–1656

Jael et Sisera

1620

Ancien Testament.

Yaël et Siséra est un tableau réalisé en 1620 par la peintre italienne Artemisia Gentileschi. De format horizontal, cette huile sur toile est une peinture religieuse qui illustre un épisode du Livre des Juges, dans l'Ancien Testament. (Wikipedia).

The story comes from the Old Testament Book of Judges and tells how Sisera, a commander in the Canaanite army, flees a disastrous battle with the Israelites. (Google arts and culture).

L'histoire vient du Livre des Juges de l'Ancien Testament et raconte comment Sisera, commandant de

 l'armée cananéenne, fuit une bataille désastreuse avec les Israélites. Jaël, une femme mariée de la tribu

 kénienne, lui offre du lait et un abri. Alors que Sisera s'endort, Jaël lui enfonce un piquet de tente dans

 le crâne.

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Artemisia Gentileschi

Autoportrait.

L'autoportrait d'Artemisia Gentileschi, réalisé vers 1638-1639 lors de son séjour en Angleterre, la représente en allégorie de la peinture, tenant un pinceau et une palette, symbolisant sa position unique en tant que femme artiste dans un contexte traditionnellement masculin. Il est conservé au château de Windsor et illustre son habileté à mêler portrait personnel et symbolisme artistique.

Un tableau d'Artemisia Gentileschi qui représente son image comme symbole de l'art de la peinture. Il est conservé au château de Windsor et date de son séjour en Angleterre vers 1638-1639.

(Wikipedia).

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Artemisia Gentileschi

Judith coupant la tête d'Holopherne

1620.

En 1620, Artemisia Gentileschi a peint un tableau représentant la même scène intitulé également Judith décapitant Holopherne, œuvre conservée au musée des Offices à Florence. (Wikipedia).

Judith décapitant Holopherne est le titre de deux tableaux de la peintre italienne baroque Artemisia Gentileschi, réalisés vers 1614-1620. (Wikiart).

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Artemisia Gentileschi

Sainte Lucy

Entre 1636-1638

Italian, Italienne

1593-1652 ou 1653

Private collection

Artemisia Gentileschi a peint Sainte Lucy entre 1636 et 1638, une œuvre qui fait partie d'une collection privée. Cette période correspond à sa phase napolitaine, marquée par des sujets religieux et une adaptation aux goûts artistiques de l'époque.

Figures féminines expressives, détails réalistes des tissus et des accessoires.

Cette œuvre témoigne de la capacité d'Artemisia Gentileschi à transcender les conventions de son époque et à imposer son style unique dans un monde artistique dominé par les hommes. (Qwant).

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Artemisia Gentileschi – 5 femmes

- Jael et Sisera

Ancien Testament

1620

Artemisia Gentileschi a réalisé cette toile en 1620 lorsqu’elle n’avait que 27 ans  (pastorjasonelder.com)

L’œuvre est une huile sur toile de 93 × 128 cm et se trouve au Musée des Beaux‑Arts de Budapest (numéro d’inventaire 75.11)  (en.wikipedia.org)

Sujet et narration

Le tableau illustre un épisode du Livre des Juges (4 : 11‑22, 5 : 24‑31) : Jaël, femme kenite, accueille le général cainate Siséra dans sa tente après sa défaite. Alors qu’il dort, elle l’assomme en lui enfonçant un piquet de tente dans le temple 

(en.wikipedia.org)

Cette scène, rarement représentée, symbolise la justice divine et la force féminine (pastorjasonelder.com)

Analyse de la composition

• Chiaroscuro et tenebrisme dominent la scène, créant un contraste fort entre la lumière qui met en valeur les mains de Jaël et l’ombre qui enveloppe Siséra  (pastorjasonelder.com)
• Jaël porte une robe jaune et ses bras sont visibles grâce à des manches retroussées, soulignant sa capacité physique  (artsandculture.google.com)

.

• Siséra est représenté en vêtements militaires colorés, mais son visage est inconscient, accentuant sa vulnérabilité  (artsandculture.google.com)
• Le piquet et le marteau )sont les objets clés, symbolisant l’outil de la délivrance  (pastorjasonelder.com

Signification artistique

• L’œuvre reflète la résilience de l’artiste, qui a surmonté un traumatisme personnel et un procès public  (pastorjasonelder.com)
• Elle s’inscrit dans la tradition de figures bibliques fortes (ex. Judith), mais se distingue par son format horizontal et son ambiance sombre  (artsandculture.google.com)
• La signature ARTEMITIA. LOMI FACIBAT M.D. CXX. rappelle le nom de famille Lomi qu’elle utilisait à Florence  (artsandculture.google.com)

Réception et influence

• Le tableau est reconnu pour son impact dramatique et son représentation réaliste de la violence, typique du style caravaggesque  (grokipedia.com)
• Il a inspiré des discussions sur la représentation des femmes dans l’art baroque et sur la symbolique de la justice  (en.wikipedia.org)

- Judith coupant la tête d'Holopherne

• La scène provient du Livre de Judith, un texte apocryphe qui raconte comment la femme juive Judith décapite le général assyrien Holopherne pour sauver sa ville.
• Le tableau illustre le topos « pouvoir des femmes », montrant une femme dominante sur un homme puissant  (fr.wikipedia.org)

2. Les deux versions

Version	Année	Lieu de conservation
Première	1612‑1613	Musée national de Capodimonte, Naples fr.wikipedia.org
Seconde	1620	Galerie des Offices, Florence fr.wikipedia.org

• La première version a été peinte entre 1612 et 1613, tandis que la seconde, réalisée en 1620, est conservée à Florence  (pauloeuvreart.org)
• Le tableau est considéré comme une œuvre phare du baroque et un exemple de la façon dont Artemisia a donné une perspective féminine à un sujet traditionnellement masculin  (pauloeuvreart.org)
• Il a été exposé dans l’exposition « Caravaggio et Artemisia » au Palazzo Barberini à Rome, soulignant la capacité de l’artiste à donner vie à ses personnages (pauloeuvreart.org)

 

- Autoportrait en tant que martyre femme – 1615

Artemisia Gentileschi a réalisé ce tableau vers 1615‑1617 alors qu’elle vivait à Florence (1613‑1620). Il s’agit d’un autoportrait où la jeune artiste se représente en sainte Catherine d’Alexandrie, martyre chrétien du IVᵉ siècle.

Attributs de la sainte :

• Palme de martyr tenue dans la main droite.
• Roue de fer (instrument de son supplice) visible dans l’angle inférieur gauche.
• Couronne royale sur la tête.

Signification : l’œuvre fait écho à la torture que Artemisia a subie lors du procès contre son violeur, Agostino Tassi, et symbolise son propre martyre et son émancipation artistique.

• Depuis 2018, l’œuvre est conservée à la National Gallery de Londres (Royaume‑Uni ).
• Une autre version de l’autoportrait, réalisée vers 1614‑1615, est également conservée à la National Gallery de Londres.À l’âge de 20 ans, Artemisia peint cette toile pendant son séjour florentin, période durant laquelle elle affirme pleinement son identité artistique et s’émancipe de l’ombre de son père, Orazio Gentileschi (1563‑1639).

 Elle a été admise en 1616 à l’Accademia delle Arti del Disegno. (Qwant).

- Sainte Lucie, entre 1636-1638

Artemisia Gentileschi a réalisé cette peinture à l’huile sur toile représentant Saint Lucie de Syracuse entre 1636 et 1638 (commons.wikimedia.org)

• Titre : Santa Lucía (en italien) / Sainte Lucie (en français)  (commons.wikimedia.org)
• Dimensions : 63 cm de hauteur sur 53 cm de largeur, soit 24,8 in × 20,8 in  (commons.wikimedia.org)
• Collection : œuvre conservée dans une collection privée  (commons.wikimedia.org)
• Genre : portrait historié, mettant en scène la sainte comme figure centrale  (commons.wikimedia.org)
• Médium : huile sur toile, technique typique de la période baroque italienne  (commons.wikimedia.org)

Cette peinture illustre la maîtrise de Gentileschi dans la représentation de figures religieuses, alliant réalisme et expressivité caractéristique de son style.

 

- Lucrèce – 1621

Lieu de conservation : Musée de Gênes, Gênes

- Portrait d’Artemisia Gentileschi en 1625 par Simon Vouet

Artemisia Gentileschi représentée à mi‑corps, vêtue d’une robe jaune, tenant une palette devant un fond brun. Elle porte un médaillon orné du Mausolée d’Halicarnasse, symbole de son prénom et de la gloire immortelle qu’elle a acquise grâce à ses œuvres  (fr.wikipedia.org)

• Commanditaire : Probablement Cassiano dal Pozzo, érudit et mécène proche des artistes français à Rome  (fr.wikipedia.org)
• Lieu de conservation : Palais Bleu, Pise, Toscane (Fondazione Pisa)  (fr.wikipedia.org)

Résumé
Le portrait, réalisé vers 1625, illustre la renommée de Artemisia Gentileschi et son lien avec la culture antique, tout en reflétant le réalisme caractéristique de Simon Vouet. L’œuvre est conservée dans la collection de la Fondazione Pisa, au Palais Bleu.

 

- Portrait d'une dame assise (peut-être Caterina Savelli) - 1620

Identité de la modèle
La sitée est probablement Caterina Savelli, Princesse d’Albano  (en.wikipedia.org)

Description artistique
La femme est assise à trois quarts, vêtue d’un costume orné de broderies dorées. Son expression calme et introspective, ainsi que le contraste entre le fond sombre et la peau illuminée, illustrent le style baroque caractéristique de Gentileschi  (artchive.com)

Événement d’enchères
L’œuvre a été vendue le 27 janvier 2022 à Sotheby’s pour un prix estimé entre 2 000 000 et3 000 000 et3 000 000   (sothebys.com)

Résumé
Le portrait d’une dame assise d’Artemisia Gentileschi, réalisé vers 1620, est une huile sur toile de près de 130 × 98 cm, représentant une femme en costume orné, probablement la princesse Caterina Savelli. L’œuvre appartient à une collection privée et a été mise aux enchères chez Sotheby’s en 2022. (Qwant).

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Michel Serrault …vous avez dit Serrault ? Jean Yanne - Artemisia Gentileschi

 

Michel Serrault

…vous avez dit Serrault ?

Edition Florent Massot – 2001

 

Né le 24 janvier 1928 à Brunoy et mort le 29 juillet 2007 à Honfleur. 

A la demande de la famille, le corps de Michel Serrault, enterré au cimetière Sainte-Catherine de Honfleur depuis le 2 août 2007, a été exhumé et déplacé à Neuilly. Il repose désormais auprès de l'une de ses filles et son épouse Juanita, décédée le 16 novembre 2008.

C’est un joyeux luron et il transpose sa gaieté dans son livre. Il voulait devenir clown. Il apprend à jouer de la trompette.  Le destin en décidera autrement. Il sera comédien, cherchant à s’approcher de la vérité dans son jeu d’acteur.  On rit avec lui, avec ses sketchs créés avec Jean Poiret, son ami, son frère de toute une vie. On rit et il rit particulièrement dans la première partie de sa vie, jusqu’au décès tragique dans un accident de voiture de sa fille, en 1977. Après, la tristesse et la peine envahissent son âme. Le décès de Jean Poiret sera vécu comme une trahison. Le travail le sauvera. Il sera fidèle toute sa vie à sa femme Nita Saint-Peyron* (= Juanita), "une beauté divine aux yeux pleins de lumière". Elle dansait, elle jouait dans les cabarets. Michel Serrault l’avait rencontrée  au conservatoire Maubel à Paris, alors qu'il prenait des cours de comédie.  Ses films seront plus sérieux, ponctués d’expériences plus ou moins égales. Son approche du théâtre entre en conflit avec celle de Planchon. Il adorera travailler avec Jean-Pierre Mocky et Claude Chabrol. Fanfaron, il se targue d’être imprévisible et se le reproche car cela lui causera quelques ennuis dans sa carrière. C’est pourtant cet aspect de sa personnalité qui lui a permis de se distinguer des autres.

*

Michel Serrault fait la connaissance de Juanita Saint-Peyron, surnommée Nita. C'est le coup de foudre et les deux tourtereaux s'épousent le 27 janvier 1958. L'acteur a alors 30 ans lors de la cérémonie, durant laquelle ils choisissent les cinéastes Jean Poiret et Françoise Dorin comme témoins de leur mariage.

Page 71 : Raimu :

Il a joué avec Raimu au théâtre, dans le Malade Imaginaire. « Il portait en lui une naïveté enfantine et un puissant orgueil qui l’ont souvent rendu sublime, mais qui, à mon sens, l’ont souvent empêché d’atteindre le génie de Harry Baur ». Il  a adoré Harry Baur car il  a « tout inventé tout en gardant sa personnalité ».

 

Page 76 : Calder.

Dans la loge des Fratellini est suspendu au plafond « le trombone à piston et le tuba voisinant avec le fameux chien en tube métallique !  Cet objet avait spécialement été réalisé par Calder, le sculpteur américain, pour les entrées en piste d’Albert ».

 

Alexander Calder.

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Page 103 – Ode à la Malibran :

En 1950, Nita et lui sont engagés par Robert Dhéry dans le spectacle Dugudu qui présente une série de sketches. Il se souvient que le spectacle « comportait L’Ode à la Malibran que disait Robert Destain. Un gag toutes les quinze secondes. ».

 

Page 158 : on ne tripatouille pas Maupassant :

Fin des années 1950. Avec l’acteur et chansonnier Noël-Noël, ils créent un spectacle de sketchs dans lequel ils jouent La Terreur des Dames. « C’était une adaptation d’une nouvelle de Maupassant Ce cochon de Morin. Ce ne fut pas un succès, le public n’ayant pas apprécié qu’on tripatouille chez Maupassant ».

 

Page 172 : le métier où on ne dit jamais non :

En 1957, Raoul Arnaud, ombrageux et jaloux, est le directeur du cabaret parisien Aux Dix Heures. Pour éviter un conflit avec lui au moment de la signature du contrat, Jean Poiret qui avait pris un autre engagement pour une tournée de trois semaines, ment et se tait. « En vérité, dans un métier où on ne dit jamais non, Jean était plus à l’aise que quiconque, car il détestait dire non ».

 

Page 276 – Jean Yanne :

Tout est question de vibrations et vous savez tout de suite si ça va coller avec lui ou pas. Pas besoin de discours. « Jean est un homme de résonance. Et quand il dirige un film, c’est la même chose qui se produit. Attentionné, exigent, peu bavard. » Ils ont été « sur la même longueur d’onde ». Ils ont partagé la clownerie, l’amitié et le destin d’êtres exceptionnels.

 

 

Jean Yanne 

L'autofinancement de l'état

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« La connerie, c'est comme le judo, il faut utiliser la force de l'adversaire. »

Jean Yanne

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Pages 340-341  - Audiard et la langue française :

Jalousé, il est calomnié par ses détracteurs. Michel Serrault s’insurge contre un journaliste qui veut le descendre en flèche.

« Audiard a fait comme tous les grands créateurs : il s’est servi de la réalité et l’a transfigurée pour en faire une vérité. »

« Audiard possédait le langage d’un poète populaire. »

« Il possédait le balancement des phrases ».

« Il confrontait ces mots de tous les jours à des termes inattendus, pour créer ses explosions verbales qui font le bonheur des oreilles ».

« La cadence, la concision, le « ramassé » d’une phrase d’Audiard (…) évoquent bien plus que le non-style du tout-venant ».

 

Page 391 – Première réalisatrice femme :

Il conserve un bon souvenir du tournage du film réalisé par une femme. Il s’agit d’ Artemisia réalisé par Agnès Merlet**. Il jouait le père d’Artemisia Gentileschi* que l’on considère comme la première peintre de l’histoire. (Il oublie que ce sont les femmes et les adolescent-e-s qui ont peint les fresques préhistoriques, NDLR)

 

*

Artemisia Lomi Gentileschi, née le 8 juillet 1593 à Rome et morte à Naples vers 1656, est une artiste peintre italienne de l'école caravagesque.

Le père d'Artemisia, Orazio Gentileschi, lui-même peintre célèbre, avait été très influencé par Caravage et avait peint sa propre version de la scène de Judith et Holopherne.

Les peintures d'Artemisia Gentileschi étaient audacieuses, vibrantes et parfois violentes. 

Procès pour viol d'Artemisia Gentileschi, fille du peintre Horatio Gentileschi. L'accusé est disciple du père.

Les Lettres d'Artemisia Gentileschi ont été éditées à Paris (1984, éd. Des Femmes). Une exposition lui a été consacrée (Florence, Casa Buonarroti) en 1991.

Record battu pour un tableau majeur d'Artemisia Gentileschi, adjugé 4,8 millions d'euros.

 

Artemisia Gentileschi s'attaque aux scènes historiques

L'Humanité

03 22

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Artemisia Gentileschi

Yaël et Siséro

1620

Budapest

Ce tableau a été réalisé par l'artiste baroque italienne Artemisia Gentileschi vers 1620 et fait partie de la collection du Musée des Beaux-Arts de Budapest. (The history of art).

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L'HUMANITÉ.

Artemisia Gentileschi est devenue une icône féministe.

Elle a été occultée pendant deux siècles.

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Un des deux tableaux d'Artemisia Gentileschi retrouvés à Beyrouth.

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Agnès Merlet est une réalisatrice française née le 4 janvier 1959.

En 1997, Agnès Merlet adapte au format long son tout premier court-métrage : Artemisia, avec Michel Serrault en vedette, s'intéresse au destin d'Artemisia.

Agnès Merlet avoue sa passion pour Pasolini. 

LE FILS DU REQUIN

1993

UN FILM DE Agnès Merlet

AVEC Ludovic Vandendaele, Erick Da Silva, Sandrine Blancke

Dans une petite ville du Nord, deux gamins abandonnés par leur mère et rejetés par leur père, cèdent à la violence, semant la terreur sur leur passage. Cherchant une place dans ce monde hostile, ils trouveront refuge dans le rêve. Prix de la Critique Internationale, Venise, 1993.

 com/video/x26m5kv

 

Dorothy - Interview Agnès Merlet

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Page 96 – Michel Serrault et Jean Poiret :

Elle surprend Michel Serrault qui descend d’une voiture. Elle ose lui glisser sous l’essuie-glace un petit mot dans lequel elle lui avoue toute l’admiration qu’elle lui porte. Elle pense qu’il n’a jamais lu ce mot. Qui sait ?

Jean Poiret viendra la voir dans sa loge à l’Olympia et lui dira « Vous avez du génie, on va faire des choses ensemble ». Malheureusement, il est mort trois ans plus tard, sans concrétiser son projet.

Page 219 – Jean Poiret :

Quand elle était adolescente à Saint-Etienne, « coincée entre le magasin de chaussures et le cours Sévigné, il a illuminé sa vie ».

Pages 357 :358 – Michel Serrault :

Elle écrit Au Secours ! qui raconte l’histoire de « Blanche-Neige », revue et corrigée par Pierre Palmade. Elle enchaîne non-stop ce spectacle, sans pause ni sortie de scène. Sa maman est morte un an auparavant. Elle pense à Michel Serrault qui a « continué à jouer tous les soirs dans la Cage aux folles alors qu’il vient de perdre sa fille ». Elle est bouleversée par « cette gaieté qui recouvre la vie privée parce qu’il faut y aller ».

 

Muriel Robin

Fragile

Souvenirs

Editions XO, 2018

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128 personnes ont lu cet article.

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Marie-Madeleine - 2 - Simon Vouet - Tulipe

Voir aussi:

marie-madeleine

Henry Clews

La Napoule

Seuls le Saint-Esprit, la Vierge et Marie-Madeleine ainsi que deux chérubins sont épargnés et n’ont pas de visage grimaçant. Leurs visages lisses ne sont que pureté et innocence.

Musée du Petit Palais

Entrée gratuite

Sainte Madeleine

Famille Memmi

Lippo Memmi, connu à San Gimignano et à Sienne de 1317 à 1347.

Federico Memmi, connu en 1344 et 1347.

Musée du Petit Palais à Avignon

Entrée gratuite

Saint Jean Baptiste et sainte Madeleine

Angelo Puccinelli

Lucques

2^e moitié du XIVe siècle

Musée du Petit Palais à Avignon

Entrée gratuite

Une bienheureuse et sainte Madeleine

Benozzo Gozzoli

Florence vers 1420

Mort en 1497

Musée du Petit Palais à Avignon

Entrée gratuite

Le Christ en croix entre Sainte Madeleine, la Vierge, saint Jean et saint Bernard

Andrea di Giusto

Florence

Connu depuis 1427

Mort en 1540

Musée du Petit Palais à Avignon

Entrée gratuite

Botticelli et son atelier

L’apparition du Christ à Marie Madeleine

Musée Calvet

Avignon

Entrée gratuite

Sainte Madeleine pénitente

Italie ( ?) milieu du XVIIe siècle.

Huile sur toile

Cette peinture de grande qualité n’a pas encore dévoilé tous ses mystères : son auteur reste inconnu. La Madeleine est ici une ancienne courtisane, celle qui a beaucoup péché et qui se repent en tournant ses regards vers Dieu. Le crâne renvoie à la méditation sur la mort et rappelle la vanité de tous les biens terrestres.

Musée Calvet

Avignon

Entrée gratuite

Pierre II, dit le Chevalier Mignard

Avignon, 1640 – Avignon, 1725

Noli me tanguere (1711)

Tableau d’une série de quatre, tous destinés à décorer la chapelle des Pénitents blancs d’Avignon. L’épisode évoque la rencontre entre Marie Madeleine et le Christ ressuscité, qui s’adresse à la jeune femme en ces termes : « Ne me touche pas », Noli me tanguere dans la traduction de la Bible latin.

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La représentation de la Vierge de pitié ou « Pietà » apparaît en Italie au milieu du XIVe siècle est un thème récurrent de la peinture et de la sculpture religieuse.

Abbeville

Musée Boucher de Perthes 

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Musée Calvet

Avignon

Entrée gratuite

Etienne Parrocel

Avignon, 1696 – Rome, 1775

La Trinité accueillant saint Camille de Lellis au Paradis

Vers 1742

Huile sur toile

Cette esquisse est une étude préparatoire complète pour le décor ornant la coupole de l’église Santa Maria Maddalena à Rome (1739 – 1746). Marie Madeleine présente à la Trinité le nouveau saint, Camille de Lellis, qui porte ici l’habit de l’ordre qu’il a fondé, les Camilliens.

Jan II Brueghel, dit le Jeune

Anvers, 1601 – Anvers, 1678

Noli me tangere

Ne me touche pas, après 1625

Huile sur toile

Jan II Brueghel se plaît ici à présenter une manière de nature morte en plein air. Se côtoient artichauts, melons, choux et potirons, œillets, tulipes* et roses. Il s’agit d’un jardin allégorique, dans lequel les quatre saisons ne feraient qu’une et le temps n’aurait pas d’emprise.

A la découverte du tombeau vide, Marie-Madeleine fond en larmes. Jésus apparaît derrière elle sous la forme d’un jardinier et lui dit « Noli me tangere » (« Ne me touche pas »). La jeune fille comprend qu’il s’agit du Christ dont le corps est devenu immatériel.

Par cette apparition, Jésus la choisit comme messagère de la nouvelle de sa résurrection.

Le paysage a été réalisé par Lucas van Uden et les personnages par Jacob Jordaens.

Musée des Beaux-Arts

Nancy

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Lisbonne 

Cimetière Dos Prazeres 

Fleurs en pierre 

Tulipe

Tulipa gesneriana L.

Native d'Europe.

Le bulbe, caché dans la terre, repousse au printemps suivant. Floraison, graines, puis disparition de la plante.

En Perse, un jeune homme aimait une jeune fille qui ne l'aimait pas en retour. Désespéré, il trouva refuge dans le désert. Il pleura abondamment sur son amour perdu. Chaque larme qui tomba dans le désert créa un bulbe de tulipe qui symbolise l'amour parfait.

Les Turcs la considèrent come un turban et la cultivèrent abondamment. Elle devint le symbole de l'empire ottoman.

Au 16e siècle, les premiers bulbes arrivèrent à Anvers. Les Hollandais.e.s en tombèrent amoureux. Au 17e siècle, l'obsession pour la tulipe est très forte. Elle causa une surévaluation des prix qui provoqua une crise économique entre les différents états de la Hollande. La tulipe est un des symboles des Pays-Bas. Sur les tombes, elle identifie la nationalité des Néerlandais.e.s.

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Des tulipes à "East Ruston gardens".

Old Vicarage.

England.

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Susan Entwistle.

Champ de tulipes.

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Susan Entwistle

Nottingham, United Kingdom.

Royaume-Uni.

 

I am one of the few painters practising the art of pointillism, creating my paintings in layers of colourful dots to capture the vibrancy and essence of beautiful gardens, woodlands and landscapes.

 

Je suis l'une des rares peintres à pratiquer l'art du pointillisme, créant mes peintures en couches de points colorés pour capturer le dynamisme et l'essence des beaux jardins, des bois et des paysages.

 

Her unique style of painting is created with layers of colourful dots to capture the vibrancy and essence of beautiful gardens, woodlands and landscapes.

 

Son style de peinture unique est créé avec des couches de points colorés pour capturer le dynamisme et l'essence des beaux jardins, des bois et des paysages.

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Femme et tulipes 

Grah 

Caen

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Wilhelm Stetter

Strasbourg, 1487 – Strasbourg, 1552

L’Apparition du Christ à Marie-Madeleine

1523

Le Christ qui brandit l’étendard de la Résurrection à Marie-Madeleine lui signifie « Ne me touche pas ».

Musée des Beaux-Arts

Nancy

Domenico Fetti

(copie ancienne)

Rome, 1589 – Venise, 1624

Mélancolie, après 1614

Huile sur toile

C’est une copie ancienne du tableau conservé au Louvre. La figure centrale, évoquant Marie-Madeleine, incarne l’idée de pénitence et du repentir tandis que les objets qui l’entourent suggèrent une réflexion sur la précarité de la vie et la vanité de tout avoir face au temps inexorable.

Musée des Beaux-Arts

Nancy

Nicolas Chaperon

(attribué à)

Châteaudun, 1612 – Lyon, 1654 – 1655

Madeleine pénitente, vers 1635

Huile sur toile

L’attribution de cette toile demeure discutée entre Simon Vouet* et un élève de Chaperon. Ce tableau était sans doute destiné à un amateur dans le cadre de la dévotion privée.

Musée des Beaux-Arts

Nancy         

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Simon Vouet

(Entourage)

La Chasse de Diane

1650

Le Mans

Musée de Tessé

Dans les "Métamorphoses d'Ovide", Diane, furieuse d'avoir été surprise nue par Actéon, le transforme en cerf. 

Toutes les lignes de la composition convergent vers Actéon*. 

La déesse laisse entrevoir un corps musclé.

Impression de calme et de maîtrise.

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*

Enseignement

Giuseppe Cesari Diane et Actéon*

Propos haineux

Il s'agit d'une peinture du XVIIe siècle, "Diane et Actéon" de Giuseppe Cesari. ... propos racistes" lors d'une heure de "vie de classe". (France Bleu).

L'enseignante a fait découvrir à ses élèves le tableau "Diane et Actéon" de l'Italien Giuseppe Cesari. (Paris-Match).

Comment pourrions-nous accepter que des élèves, des parents d'élève, menacent des profs parce qu'ils montrent /Diane et Acteon ?  (Eric Segurra sur FB).

Un collège des Yvelines sous tension à cause d'un tableau de la Renaissance avec des femmes dénudées. (Radio France).

Une enseignante a été accusée de racisme et d'islamophobie par des élèves après avoir montré « Diane et Actéon » de Giuseppe Cesari. (Le Huff Post).

Les enseignants du collège Jacques Cartier à Issou s'alarment en raison ... Giuseppe Cesari, Diane et Actéon, représentant cinq femmes dénudées. (Libération).

12 23

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Tag

"God is you."

Dieu, c'est toi.

Avignon

Francesco Cairo

Milan, 1607 – 1605

Exhortation de sainte Marthe à sainte Madeleine

Vers 1650 – 1655

Huile sur toile

Nîmes

Musée des Beaux-Arts

Gortzius Geldorp

Madeleine

1606

Huile sur bois

Musée du Colombier

Alès

Philippe de Champaigne

Bruxelles, 1602 – Paris, 1674

Le Ravissement de sainte Madeleine

1656

Huile sur toile

Musée des Beaux-Arts

Marseille

Autun (Saône-et-Loire)

Cathédrale Saint-Lazare

L’apparition à Marie Madeleine

Monument historique par liste de 1840

Moulage réalisé par Jules Fontaine

Cité de l’architecture et du patrimoine

Paris

Châteaudun (Eure et Loir)

Château

Statues de la chapelle basse de la Sainte-Chapelle

Sainte Madeleine

Pour décorer son nouveau sanctuaire, en 1464, la Sainte Chapelle, Jean de Dunois, fils illégitime du Duc d’Orléans, commanda une quinzaine de statues issues du même atelier. Elles ont des proportions allongées et portent des traces de la polychromie primitive.

Monument historique par arrêté de 1918

Moulage réalisé par Marcel Maimponté

Cité de l’architecture et du patrimoine

Paris

Louis Galloche

Paris, 1670 – 1761

La Madeleine pénitente

Vers 1727

Huile sur toile

Musée Réattu

Arles

 Le tableau « La Madeleine pénitente » :

Elle est placée au centre d’une cellule ouverte et dénuée. Elle a des longs cheveux, est à moitié habillée, se couvre la poitrine avec sa main. Les anges lui parlent et elle a un regard mystique.

Elle est l’alter ego d’Eve. Elle fait partie des prostituées qui ont rencontré Jésus et qui se convertissent à la suite de cette rencontre.

Ce tableau a pu être placé dans une église ou dans une sacristie. La figure sacrée a été érotisée. Elle symbolise la mortification de la chair et de la beauté.

Sa chevelure est un symbole important.

Règlements de la confrérie de Sainte Marie Madeleine des maîtres jardiniers de cette ville d’Arles

Bibliothèque d’Arles 

Reynaud Lévieux

1613 - 1699

"La crucifixion avec la Vierge et sainte Marie-Madeleine,  saint Jean et saint Pons"

Vers 1650

Villeneuve les Avignon

Collégiale Notre-Dame

Pietro Faccini

Bologne, 1562 – 1602

La Madeleine au tombeau du Christ

Huile sur toile

Pietro Faccini a été élève puis rival d’Annibal Carrache. Une trentaine de ses œuvres sont visibles. Marie Madeleine et deux anges manifestent leur stupeur par des gestes très expressifs devant le tombeau vide du Christ dont la pierre a été déposée au premier plan. La résurrection du Christ n’est pas montrée mais suggérée, notamment par l’ange désignant le ciel.

Musée des Beaux-Arts

Caen

Sainte Madeleine pénitente

Italie ( ?) milieu du 17^e siècle

La Madeleine est ici une courtisane, celle qui a beaucoup péché et qui se repend en tournant ses regards vers Dieu. Le crâne renvoie à la méditation sur la mort et rappelle la vanité de tous les biens terrestres.

Musée Calvet

Avignon

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P 45 :

Marie Madeleine.

Marie de Gournay rappelle que saint Paul défend le ministère aux femmes, et ne parle pas de Marie Madeleine* comme « égale aux apôtres, par Apostolis, entre autres au calendrier des Grecs, publié par Génebrard, voire que l’Eglise et eux-mêmes apôtres ont permis une exception de cette règle de silence pour elle, qui prêcha trente ans en la Baume de Marseille au rapport de toute la Provence. »

*

Il s’agit de Marie de Magadala. Elle est l’une des figures majeures dans la sainteté féminine au Moyen-Age. Selon la tradition occidentale, elle serait allée à Ephèse, puis devant la haine des Juifs, elle se serait embarquée pour Marseille.

P 48 :

« Ajoutons que la Madeleine est la seule âme à qui le Rédempteur ait jamais prononcé ce mot et promis cette auguste grâce : « En tous lieux où se prêchera l’Evangile il sera parlé de toi. » (Matthieu, XXVI, 16-18)

Marie de Gournay

Egalités des hommes et des femmes

Et autres textes.

Editions Gallimard, 2018

Première parution : 1622

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Marie Madeleine

Vers 1260 – 1290

Calcaire de Courville

Elle est un personnage du Nouveau Testament. Elle est très controversée. Au VIe siècle, on réunit les trois Marie de l’Evangile en une seule. Pécheresse, elle lave les pieds du Christ qui en éloigne les démons. Il en admet la familiarité et elle est présente au pied de la croix lors de sa mort.

Après la résurrection du Christ, elle est la première à le voir. Il lui demande d’aller annoncer sa résurrection à ses disciples.

Palais de Tau

Reims

Jean Hélart

Le Christ ressuscité apparaissant à Marie Madeleine

1679

Ecole rémoise

Musée Saint Rémi

Reims

Vik Muniz 
Imaginaria (d'après Giovanni Girolamo Savoldo)
Avignon
Collection Lambert 
Marie-Madeleine
2018
Impression Numérique Couleur

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Aegidius II Sadeler 
Le Christ apparaissant à Marie Madeleine 
Caen 

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Michel Ciry 

Marie Madeleine

Eglise de Varengeville

Michel Ciry est un peintre résident de Varengeville.

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Madeleine
Eglise saint Martin à Saint-Valéry-sur-Somme

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Marie Madeleine
Eglise saint Jacques
Le Tréport

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Maître de la légende de Sainte-Godelieve

Bruges, fin du XVe siècle.

Huile sur bois

Tableau restitué par l’Allemagne à la France

A gauche de la Vierge Marie tenant Jésus sur ses genoux, sainte Madeleine tient son pot à onguent.

Abbeville

Musée Boucher de Perthes 

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Anonyme

Marie Madeleine

Bois peint

Picardie

Vers 1500

Elle se reconnaît à sa beauté et à ses cheveux longs dénoués. Avant son repentir, elle est figurée en courtisane, parée et fardée. Après a pénitence, elle se présente dans la pauvreté, simplement vêtue.

Abbeville

Musée Boucher de Perthes 

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Déploration du Christ

Noyer polychromé et doré

Picardie

Marie Madeleine se tient aux pieds du Christ.

Le style de Beauvais aime les membres étirés, les drapés aux plissés simples et se caractérise par un visage rond au nez retroussé et à la bouche pincée.

Abbeville

Musée Boucher de Perthes 

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Greco (Domenikos Theotokopoulos)
1541 - 1614
Sainte Marie Madeleine pénitente
1576 - 1577
Huile sur toile
Grand Palais
Paris

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Greco (Domenikos Theotokopoulos)
1541 - 1614
Sainte Marie Madeleine pénitente
Vers 1584
Grand Palais
Paris

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Vitrail

Marie Madeleine

Elle est représentée avec ses longs cheveux et un vase de parfum.

Elle est entourée de sainte Catherine, de saint Michel et de saint Jean.

Eglise Notre-Dame

Caudebec-en-Caux

 

Statue de Marie Madeleine

XVIe siècle

Au-dessous : le repas chez Simon.

Eglise Notre-Dame

Caudebec-en-Caux

 

Statue de Marie Madeleine

XVIe et XVIIe siècle

De gauche à droite :

La Vierge – Marie Madeleine – Marie Jacobe

Eglise Notre-Dame

Caudebec-en-Caux

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Charles Le Brun

Paris, 1619 - 1690 

Sainte Marie-Madeleine renonçant aux vanités du monde

Lens Louvre 

Huile sur toile

Disposé au milieu d'un autel, le tableau faisait face au cénotaphe du coeur du cardinal Pierre de Bérulle qui vouait une grande dévotion pour sainte Marie-Madeleine.

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Ils détruisent une statue de Sainte Marie-Madeleine qu'ils jugent indécente car nue.

Une statue a été détruite le week-end dernier dans une chapelle à Riboux (Var). Selon le mot qu'ils ont pris le soin de laisser, les casseurs n'acceptaient pas "qu'une grande sainte comme Sainte Marie-Madeleine soit représentée de telle manière". Elle était nue.

sainte-baume-ils-detruisent-une-statue-de-sainte-marie-madeleine-qu-ils-jugent-indecente-car-nue

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Peter Paul Rubens

Siegen, 1577 – Anvers, 1640

Marie-Madeleine en extase

Vers 1620 (?)

Huile sur toile

Lille

Musée des Beaux Arts

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Marie Madeleine

Musée des Beaux-Arts

Lille

Vers 1520

Elle se reconnaît facilement grâce au pot de parfums qu'elle tient dans sa main droite. En signe de repentance, la prostituée lave les pieds du Christ avec ses cheveux enduits d'aromates.

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Sainte Madeleine

Rouen

Cathédrale

Vitraux

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Madeleine (?)

Pierre

15e siècle

Troyes

Aube

Musée des Beaux Arts

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Marie Madeleine et le Christ 

Volet de retable

16 e s 

Troyes 

Musée d'art de la Champagne méridionale

Elle porte son vase d'aromates.

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Le Christ apparaissant à Marie Madeleine

Polyptyque

1569

16 e s

Troyes

Musée d'art de la Champagne méridionale

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Marie Madeleine et le Christ en croix 

Avec Saint Jean

15 e s 

Troyes

Musée d'art de la Champagne méridionale

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Une image de la soumission devant l'homme:

Marie Madeleine

Le repas chez Simon le Pharisien

Volet de retable

16 e s 

Troyes 

Musée d'art de la Champagne méridionale

Elle est vêtue d'une robe à damas doré.

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Marie Madeleine

Mise au tombeau

Attribué à Claude Barnot dit Maître Claude, 1534.

16 e s

Pierre

Troyes

Musée d'art de la Champagne méridionale

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Pierre I Besnard

Malicorne, vers 1620 - 1689

Ravissement de sainte Marie-Madeleine

Le Mans

Abbaye de L'Epau

1679

Huile sur toile.

Charme sensuel de la jeune pénitente à la longue chevelure, étalée pudiquement sur sa poitrine. 

Passivité, extase. Opposées à l'activité des anges aux ailes déployées.

Visage inspiré des tableaux de Philippe de Champaigne.

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Simon Vouet (attribué à)

Paris, 1590 - 1649.

Sainte Marie-Madeleine repentante

Le Mans

Abbaye de L'Epau.

Huile sur toile.

Simon Vouet fut un célèbre peintre sous Louis XIII. Palette blonde, fort éclairage à la manière du Caravage. 

Sensuelle et finesse. Silhouette gracieuse et charnue. Longs doigts effilés. Drapés finement plissés.

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Marie-Madeleine

Fontevraud

Abbaye royale

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Marie-Madeleine

Rouen

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Exposition. La modernité et l’influence du Caravage mises en lumière à Caen.

Au travers d’œuvres de la collection de l’historien d’art Roberto Longhi, le musée des Beaux-Arts de la ville du Calvados montre la rupture opérée par le peintre italien à la fin de la Renaissance.

(…) Sa Madeleine morte, commandée par l’Eglise, lui avait été in fine refusée. Trop réaliste, trop morte quand elle aurait dû déjà être en assomption. 

exposition-la-modernite-et-linfluence-du-caravage-mises-en-lumiere-caen

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Marie Madeleine 

17e siècle.

Eglise Saint Martin de la Risle 

Le Bec Hellouin

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Abraham Bloemaert - Attribué à -

Gorinchem, 1564 - Utrecht, 1651.

Sainte Madeleine

Rennes

Musée Beaux-Arts

Il séjourna à Amsterdam entre 1591 et 1600. Puis il se fixe à Utrecht. Expression hollandaise du courant maniériste européen.

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Marie Madeleine

Vitrail

Dinan

Basilique Saint-Sauveur.

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Sainte Marie-Madeleine 

Statuettes en ivoire 

16e s, 17e s, 18e s, 19e s.

Dieppe 

Château Musée

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Marie Madeleine

Vitrail. 

Quimper 

Musée départemental  breton 

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Marie Madeleine 

La déploration sur le corps du Christ 

Anonyme.

1540 -1600 

Montivilliers église

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Marie Madeleine 

Beauvais 

Eglise Saint-Etienne 

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Pietro Faccini

La Madeleine au tombeau du Christ

Caen

Musée d'art

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Marie Madeleine 

Abbatiale Saint-Ouen 

Rouen

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Johannes Moreelse 

Utrecht, vers 1703 - 1634.

Marie Madeleine, pénitente.

Caen 

Musée Beaux-Arts 

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Marie Madeleine 

Maniériste anversois 

La Vierge et l'enfant 

1505 - 1515 

Caen 

Musée Beaux-Arts 

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Antoine Leperlier 

Vanité au repos XIX Kairos-chaos 

2009 

Conches en Ouche 

Musée du verre François Decorchemont

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Gillis Coignet 

Anvers, 1538 - Hambourg, 1599

Vanité 

1595  

Huile sur panneau

Bayeux 

Musée d'art

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Marie Madeleine

L'extase donne chaud

Elle a besoin d'un ventilateur pour se rafraîchir.

Marie Madeleine en extase (en italien Maria Maddalena in estasi) est un tableau du Caravage peint en 1606, et conservé dans une collection privée à Rome. (Wikipédia).

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Anonyme 

Sainte Marie-Madeleine 

17e s 

Huile sur cuivre.

Cherbourg 

Musée Thomas Henry 

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Artemisia Gentileschi

1625

Mary Magdalene, tired out at the end of her feast day, which was today.

Marie-Madeleine, épuisée à la fin de sa fête, qui était aujourd'hui.

Artemisia Gentileschi a peint plusieurs versions de Marie Madeleine, dont une datée vers 1625 pour Fernando Enríquez Afán de Ribera, troisième duc d'Alcalá et vice-roi de Naples. Cette version, aujourd'hui redécouverte dans une collection privée, représente une Marie Madeleine pénitente à mi-corps, assise, les yeux gonflés de larmes, la tête penchée sur sa main droite, dans une posture évoquant la mélancolie. À ses côtés, une table avec un flacon d'onguent et un miroir, symboles de sa vie passée de luxe et de vanité, sont posés. Un rideau rouge est visible en arrière-plan. Cette composition s'inspire du clair-obscur caravagesque, avec un éclairage dramatique venant de la droite, et reflète l'introspection et la spiritualité de la sainte.

Autres versions notables

• Penitent Magdalene (1616–1618) : Cette version, conservée au palais Pitti à Florence, montre une Marie Madeleine aux traits plus idéalisés, avec une inscription latine (Optimam partem elegit, « Tu as choisi la meilleure part ») et une robe jaune en soie, symbolisant le choix de la vertu. L'œuvre est marquée par l'influence de Caravage, notamment dans le traitement de la lumière et l'expression dramatique.
• Mary Magdalene in Ecstasy (vers 1625) : Cette version, plus sensuelle et introspective, représente une femme en extase spirituelle, les mains jointes autour de ses genoux, sans attributs traditionnels (crâne, livre ou crucifix). Elle incarne une interprétation originale de la sainteté, où la paix intérieure prime sur la pénitence.

Symbolisme et interprétation Les œuvres d'Artemisia sur ce thème sont souvent analysées comme une projection de sa propre résilience, notamment après son viol en 1611 et le procès public qui a suivi. La figure de Marie Madeleine, stigmatisée pour sa vie passée, devient une allégorie de la rédemption et de la force féminine. Certains chercheurs soulignent aussi que ces peintures reflètent son succès professionnel et sa liberté, au-delà du trauma.

Localisation et copies La version de 1625 a été acquise par le duc d'Alcalá en 1625–1626 et emportée à Séville, où elle a inspiré de nombreuses copies (dont une au musée Soumaya de Mexico et une autre à la cathédrale de Séville). Elle a disparu avant d'être redécouverte récemment. (Qwant)

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