Finlande - Helene Schjerfbeck -

 

Helene Schjerfbeck

Self-portrait, Autoportrait

1912

Peintre finlandaise.

Helene Schjerfbeck a peint son Self-Portrait en 1912, une œuvre majeure acquise par le Ateneum Art Museum en Finlande, qui détient la plus grande collection de ses œuvres.

Helene Schjerfbeck (1862-1946) est une artiste peintre finlandaise, figure majeure du modernisme finlandais. Son œuvre comprend de nombreux autoportraits, dont celui de 1912, une année marquante pour l'artiste qui fêtait alors ses 50 ans.

En 2025, une exposition intitulée Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck est présentée au Metropolitan Museum of Art de New York. Cette exposition, qui réunit près de soixante tableaux, offre une occasion rare de découvrir la trajectoire artistique de Schjerfbeck, une artiste qui a bâti une œuvre intérieure loin des centres artistiques de son époque. (Qwant).

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Atelier d'artistes - Josefa Sanromán Castillo - Alice Pike Barney - Gwen John -

 

Josefa Sanromán Castillo

1829-1889

Intérieur d'atelier d'une artiste, Autoportrait

Vers 1849

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889​) was a Mexican painter who made a name for herself at a time when women were not allowed in the Art Academy. This is her occupational self-portrait, Interior de Estudio de una artista, ca. 1849.

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889) était une peintre mexicaine qui s'est illustrée à une époque où les femmes n'étaient pas admises à l'Académie des Beaux-Arts. Voici son autoportrait au travail, Intérieur d'atelier d'une artiste, vers 1849.

Cette œuvre, peinte à l'huile sur toile, est un témoignage rare de la pratique artistique féminine à cette époque. Le titre même de l'œuvre souligne la volonté de Sanromán de se présenter comme une artiste professionnelle, et non comme une simple "amateur". À une époque où les femmes artistes étaient souvent reléguées au rang de "señoritas pintoras", Sanromán a cherché à redéfinir la féminité à travers son art, défiant les normes sociales et idéologiques. (Qwant).

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Alice Pike Barney

Self-portrait with palette – Autoportrait avec une palette

1906

Peintre

USA

Alice Pike Barney était une peintre américaine connue pour son autoportrait avec une palette réalisé vers 1906. Ce tableau, en huile sur toile, mesure 84,5 x 61,3 cm et est conservé au Smithsonian American Art Museum. (Photo 12).

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Gwen John

A Corner of the Artist’s Room in Paris

Un coin de l'atelier de l'artiste à Paris

1907

Welsh painter

Pays de Galles

Gwen John, une peintre galloise, a créé entre 1907 et 1909 l'œuvre "A Corner of the Artist’s Room in Paris", un tableau représentant un coin de son atelier à Paris, situé au 87 rue du Cherche-Midi.

La peinture représente un coin tranquille et intime d'une pièce, avec une composition simple mais évocatrice.

• Un fauteuil en osier drapé de tissu sombre à gauche.
• Une table en bois étroite à droite, sous une fenêtre ouverte.
• Une lumière douce entrant par la fenêtre, créant un jeu subtil entre lumière et ombre.
• Un livre ouvert sur la table et un manteau jeté sur le fauteuil.

L'œuvre est conservée au National Museum Wales (Musée national du Pays de Galles). (Qwant).

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Marguerite Gérard - Peintre. Albert Edelfelt - Lectrices

 

Marguerite Gérard

'The Reader'

« La Lectrice »

1817

Painting recently identified as the work of  Marguerite Gérard, French painter.

Tableau récemment identifié comme une œuvre de Marguerite Gérard, peintre française.

Marguerite Gérard est une artiste peintre française, née le 28 janvier 1761 à Grasse et morte le 18 mai 1837 à Paris. Marguerite Gérard est la fille du parfumeur grassois Claude Gérard. (Wikipedia).

On retrouve dans la peinture intimiste de Marguerite Gérard la quiétude poétique des hollandais, obtenue par un traitement nuancé de la lumière et une recherche de vérité.

En 1775, elle vient à Paris rejoindre sa soeur Marie-Anne, mariée au peintre Jean-Honoré Fragonard et elle-même miniaturiste. (Siefar).

Celle-ci avait épousé en 1769 Jean-Honoré Fragonard, lui-même originaire de Grasse. Marie-Anne Gérard est également une artiste et réalise des miniatures, qui ont souvent été attribuées à son mari.

(Rivage de Bohême).

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Albert Edelfelt

Les bons amis

1882

Finlande

En 1882, Albert Edelfelt réalise l'aquarelle "Les Bons Amis", actuellement conservée au musée d'Art de l’Ateneum à Helsinki. (Spectacle sélection).

Cette œuvre illustre bien le style d'Edelfelt, marqué par une volonté de spontanéité et d'intimité. Elle représente Berta, la fille d'Edelfelt, et Capi, leur chien, dans un cadre chaleureux et familier, loin des conventions officielles.

Parallèlement à cette création, Edelfelt travaille également sur des commandes prestigieuses, comme le double portrait des enfants du tsar Alexandre III, Michael et Xenia, réalisé la même année. Ces œuvres témoignent de la diversité de son talent et de son succès international. (Qwant).

"Good Friends II (Berta and Capi)” (1882) Albert Edelfelt. Gothenburg Museum of Art. One of Finland’s most important artists, Edelfelt worked, like many of his Nordic artist colleagues, in Paris for a long time. At the start of his career, he focused on history paintings.

« Les Bons Amis II (Berta et Capi) » (1882) Albert Edelfelt. Musée d’art de Göteborg. Edelfelt, l’un des artistes finlandais les plus importants, travailla longtemps à Paris, comme nombre de ses confrères nordiques. Au début de sa carrière, il se consacra à la peinture d’histoire.

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Albert Edelfelt

1854 - 1905

Finlande

Femme

Livre

Ombrelle

Forêt

"Koivujen alla"

"Sous les bouleaux"

Albert Edelfelt (1854-1905) est un peintre finlandais connu pour ses œuvres représentant des scènes de la vie finlandaise. Parmi ses tableaux célèbres, on trouve "Sous les bouleaux" (en finnois "Koivujen alla").

L'œuvre est conservée au musée d'Art de l’Ateneum, galerie nationale de Finlande, à Helsinki.

La forêt de bouleaux est un motif récurrent dans l'art finlandais, symbolisant la beauté naturelle du pays.

Edelfelt a également peint d'autres scènes de la vie finlandaise, comme "Jeunes filles nouant des guirlandes" et "Petite fille tricotant une chaussette". (Qwant).

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Snoopy lit.

Snoopy est un chien de race beagle, personnage principal du comic strip Peanuts, créé par Charles M. Schulz. Il est connu pour son intelligence, son imagination, ses rêves. (Wikipedia).

Depuis plus de 70 ans, Snoopy, le beagle imaginatif et de bonne humeur de la bande dessinée des arachides bien-aimés de Charles M. Schulz, a capturé le cœur de millions de personnes. (Du chien).

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Milton Avery

Lecture d'été

Summer Reader

1956

Milton Avery est un peintre américain connu pour son utilisation distinctive de la couleur et son style qui oscille entre représentation et abstraction. Bien que le contexte fourni ne mentionne pas explicitement une œuvre intitulée "Summer Reader" datée de 1956, il existe plusieurs œuvres de Milton Avery représentant des lecteurs, comme "Summer reader Poetry reading" (1957) et "Poetry after breakfast" (1951).

Son travail a été influencé par le fauvisme français et l'expressionnisme allemand, notamment par des artistes comme Ernst Ludwig Kirchner. (Qwant).

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Ada Thilen

Lire dans la nature

Finlande

1896

Ada Thilén a peint Girl Reading in a Landscape en 1896, une œuvre représentant une jeune fille lisant dans un paysage, actuellement introuvable. (Commons wikimedia).

Ada Thilén, peintre finlandaise née en 1852, est connue pour ses paysages et ses portraits. En 1896, elle peint son autoportrait, mais elle se consacre également à la peinture de paysages et de portraits lors de ses voyages.

• Thilén a étudié avec des artistes renommés et a participé à plusieurs expositions en Finlande.
• Ses voyages, notamment en Bretagne en 1886, ont influencé son travail.

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Joseph Lorusso

American

« A favorite poem

Un poème favori ».

1966

Joseph Lorusso, artiste américain né en 1966, a peint "A Favorite Poem", une œuvre de contemporary realism représentant une scène de lecture. Cette peinture fait partie de ses œuvres célèbres du XXe siècle. (Wikiart).

L'artiste encourage à le suivre sur Facebook pour des mises à jour sur ses événements et nouvelles œuvres. (Qwant).

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Lectrice

« La vie est une suite d'obstacles vous empêchant de lire. »

Les obstacles de la vie nous empêchent souvent d’avancer. Mais avec du courage et de la détermination, il est possible de les surmonter. (Penser et agir).

Les 5 plus grands obstacles qui ont été donnés sont les suivants.

1. La peur, la peur d’échouer et le doute.
2. Le problème de l’argent.
3. La confiance en soi.
4. La procrastination.
5. L’état d’esprit à adopter. (Tu réussiras).

La procrastination est le fait de reporter systématiquement des tâches importantes, ce qui peut entraîner stress, anxiété, et une baisse de performance. Elle est souvent liée à un manque de confiance en soi ou à la peur de l'échec. (Passeport santé).

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Francine Van Hove 

1942

France

B May

Francine Van Hove est une peintre contemporaine française, née le 5 mai 1942 à Saint-Mandé (Seine, France).

Francine Van Hove a étudié à Paris où elle a obtenu un diplôme de professeur de dessin et d'arts plastiques. Elle a enseigné pendant un an au lycée de jeunes filles de Strasbourg avant de démissionner en 1964 pour se consacrer entièrement à la peinture.

Son œuvre se caractérise par des sujets exclusivement féminins, souvent représentés dans des attitudes rêveuses. Ses peintures reflètent un sentiment d'incommunicabilité et de solitude, inspiré par des influences classiques comme la statuaire grecque, la Renaissance italienne et la peinture flamande. (Qwant).

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Okada Saburosuke

Lettre

1928.

Okada Saburōsuke (岡田 三郎助?) est un peintre japonais des XIXe et XXe siècles, né en 1869 dans la Préfecture de Saga et mort en 1939 à Tokyo. (Wikipedia).

La lettre écrite par Okada Saburosuke en 1928 est une œuvre qui reflète ses pensées et son style de communication artistique. Cette lettre, considérée comme une peinture, offre un aperçu de sa perspective personnelle et de sa philosophie artistique.

Okada Saburosuke (1869-1939) était un artiste japonais influent, élève de Soyama Sachihiko et de Kuroda Seiki. Il a également étudié à Paris sous la direction de Raphaël Collin. De retour au Japon, il a occupé des postes prestigieux, notamment professeur à l'École des beaux-arts de Tokyo et membre du Comité impérial des Beaux-Arts. (Qwant).

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Tsuguharu Léonard Foujita - Suite

 

Foujita

Autoportrait

1929.

Foujita a peint un autoportrait en 1929, mais le contexte indique qu'il s'agit plutôt d'une œuvre de 1927, représentant Foufou avec ses caractéristiques frange, moustache et lunettes rondes, symbolisant son style et sa personnalité.

Foujita a peint de nombreux autoportraits au chat, cet animal étant comme son double. Il se représente assis à une table basse alors qu’il s’apprête à dessiner.

(mba Lyon).

Pour marquer sa différence de Japonais, il se forge un personnage excentrique, avec frange et grosses lunettes rondes, qui entrera dans la légende. (Centre Pompidou).

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Léonard Tsuguharu Foujita

Chat couturier

Head of a grey tabby cat peeking up over a tabletop with sewing items scattered about (pincushion, thimble, spools of thread, measuring tape).

Tête d'un chat tigré gris qui se dresse au-dessus d'une table avec des articles de couture éparpillés (coussin à épingles, dé à coudre, bobines de fil, ruban à mesurer).

Léonard Tsuguharu Foujita était un artiste polyvalent, connu principalement pour ses peintures, mais il a également exploré d'autres domaines artistiques, dont la mode en tant que styliste. (Fondation Foujita).

Léonard-Tsuguharu Foujita a peint "Chat couturier" en 1927, une œuvre signée et authentifiée par Sylvie Buisson, représentant un chat de gouttière avec la grâce et le mystère caractéristiques de ses félins.

Léonard Tsuguharu Foujita (1886-1968), artiste français d’origine japonaise né à Tokyo, a été très inspiré par les chats.

(Artetglam).

Animal plutôt maléfique au Japon, le chat symbolise la rébellion de l’artiste. (Centre Pompidou).

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Gabriele Münter - Artiste

 

Gabriele Münter

Artiste

Vue uniquement comme l'amoureuse de Kandinsky.

Gabriele Münter est souvent perçue comme l'amoureuse de Kandinsky, avec qui elle a partagé une relation de quatorze ans, mais elle était également une artiste indépendante majeure, cofondatrice du mouvement Der Blaue Reiter. (Audeladestoiles).

Et aujourd’hui, c’est grâce à toute cette sauvegarde qu’on peut voir de très belles expositions de Gabriele Münter, mais aussi de Kandinsky, de Franz Marc, et même de Paul Klee. (Beaux-Arts).

Éclipsée par l’aura de Vassily Kandinsky, qui fut son mentor et son amant, Gabriele Münter (1877-1962) fait partie des pionnières de l’art moderne. (Arte).

Gabriele Münter s’imposa comme une des figures majeures de l’expressionnisme allemand, aux côtés de Kandinsky qui fut son compagnon. (Connaissance des arts).

Cet été, le musée d’Art moderne de Paris lui consacre sa première rétrospective française, une occasion de (re)découvrir celle qui n’a longtemps été connue que comme la compagne de Kandinsky. (Paris musées).

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Petit déjeuner des oiseaux.

1934.

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1935

1921

Autoportraits.

Musée d'art moderne de Paris.

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Gabriele Münter

« Nature morte dans le tramway »

Dans le tram

Après les achats

1909

Artiste expressionniste.

Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande (1877-1962), est connue pour son œuvre "Nature morte dans le tramway", réalisée vers 1909-1912. Cette peinture, inspirée par une femme assise avec ses achats dans un tramway, se distingue par sa composition moderne et fragmentée.

Inspiration : une femme et ses emplettes dans un tramway.

Cette approche fragmentée et créative illustre son goût pour le fragment et sa liberté artistique.

Münter est co-fondatrice du groupe expressionniste "Le Cavalier Bleu" (Der Blaue Reiter) à Munich.

Elle a expérimenté divers supports, dont le verre, et a influencé d'autres artistes comme Kandinsky et Franz Marc.

Une rétrospective de son œuvre a été présentée au Musée d'Art Moderne de Paris, incluant cette "Nature morte dans le tramway". (Qwant).

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Gabriele Münter

Méditation

1917

"Méditation" est une œuvre de Gabriele Münter réalisée en 1917, représentative de l'expressionnisme, un mouvement artistique qui privilégie l'expression des émotions et des sentiments plutôt que la représentation fidèle de la réalité.

La peinture représente une figure contemplative assise à l'intérieur, perdue dans ses pensées, avec un regard dirigé vers l'horizon, évoquant une atmosphère d'introspection et de méditation.

Gabriele Münter utilise des couleurs pures appliquées en aplat, une caractéristique de son style expressionniste. Elle est connue pour peindre rapidement, souvent achevant plusieurs toiles en un après-midi.

Gabriele Münter (1877-1962) est une artiste allemande qui a étudié dans plusieurs écoles avant de devenir l'élève puis la compagne de Wassily Kandinsky. Ensemble, ils ont fondé le groupe expressionniste "Le Cavalier bleu". La Première Guerre mondiale a marqué une séparation entre les deux artistes, période durant laquelle Münter a voyagé et exploré d'autres styles artistiques comme le post-impressionnisme et le fauvisme. (Qwant).

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Gabriele Münter.

Painting featuring the top half of a figure with short dark hair and blue top in an interior in front of a large window through which houses are visible.

Tableau représentant le haut du corps d'une personne aux cheveux courts et foncés et vêtue d'un haut bleu, dans un intérieur devant une grande fenêtre à travers laquelle on aperçoit des maisons.

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Gabriele Münter

German Expressionist

Gabriele Münter in a photo taken by her sister on their visit to Texas in 1900.

Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande, sur une photo prise par sa sœur lors de leur visite au Texas en 1900.

-         Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande, a effectué un voyage de deux ans aux États-Unis en 1898, accompagné de sa sœur Emmy. Lors de ce voyage, elles ont rendu visite à des membres de leur famille, notamment au Texas.

-         Cette image offre un aperçu de sa vie personnelle et de ses voyages avant qu'elle ne devienne une figure majeure de l'expressionnisme allemand et ne cofonde le cercle du Cavalier Bleu (Der Blaue Reiter) avec Vassily Kandinsky. (Qwant).

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Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française

 

Marie Bracquemond

1840-1916

French Impressionist painter who struggled against attempts to suppress her work, most notably from her own husband, the painter Félix Bracquemond.

Peintre impressionniste française qui a lutté contre les tentatives de suppression de son œuvre, 

notamment de la part de son propre mari, le peintre Félix Bracquemond.

Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française qui a dû lutter contre les tentatives de suppression de son œuvre, notamment en raison des défis liés à sa reconnaissance en tant que femme dans un milieu dominé par les hommes.

Marie Bracquemond, née Marie Anne Caroline Quivoron le 1er décembre 1840 à Argenton-en-Landunvez et morte le 17 janvier 1916 à Sèvres, est une peintre, graveuse et céramiste française.

(Wikipedia).

En 1879, 1880 et 1886, Marie Bracquemond participe aux expositions impressionnistes, mais son époux goûte peu les évolutions de sa peinture. (Beaux-Arts).

Elle est considérée par le critique d'art Gustave Geffroy, comme une des trois « grandes dames » de l'impressionnisme avec Berthe Morisot et Mary Cassatt. (Wikiart).

Elle a commencé des cours de peinture à l'adolescence. (Artwizard).

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Marie Bracquemond

She was also a printmaker and created this self-portrait etching in 1880, titled “Young woman in front of her easel”.

Elle était également graveuse et a créé cet autoportrait à l'eau-forte en 1880, intitulé « Jeune femme devant son chevalet ».

Marie Bracquemond était effectivement une graveuse talentueuse, et elle a créé un autoportrait à l'eau-forte en 1880, intitulé "Jeune femme devant son chevalet". (Musée d’Orsay).

Ce dessin représente une femme artiste juchée sur un grand tabouret, devant un chevalet. (Paris Musée Collections).

Marie Bracquemond, née Marie Anne Caroline Quivoron le 1er décembre 1840 à Argenton-en-Landunvez et morte le 17 janvier 1916 à Sèvres, est une peintre, graveuse et céramiste française. (Wikipedia).

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Gwen John - Artiste galloise

 

Gwen John

Artiste galloise

1902

Autoportrait

Vue comme ayant partagé sa vie avec son frère et l'amour de Rodin.

L'autoportrait de 1902 de Gwen John reflète probablement son introspection et son équilibre entre sa relation avec son frère Augustus John et son amour pour Rodin, témoignant de la complexité de sa vie affective et artistique. (Get daily art).

Active en France de 1904 à 1939, sa peinture est essentiellement celle de portraits de femmes anonymes peints dans des camaïeux de tons sourds. (Wikipedia).

In the autumn of 1903, Gwen went to France again, living in Bordeaux and in Toulouse. In 1904, in Paris, he began to pose as a model for Auguste Rodin, as a result of which love relationships. (Arthive).

À l'automne 1903, Gwen retourne en France, vivant à Bordeaux et à Toulouse. En 1904, à Paris, elle 

commence à poser comme modèle pour Auguste Rodin, ce qui entraîne des relations amoureuses.

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