Atelier d'artistes - Josefa Sanromán Castillo - Alice Pike Barney - Gwen John - Marie-Denise Villers -

 

Josefa Sanromán Castillo

1829-1889

Intérieur d'atelier d'une artiste, Autoportrait

Vers 1849

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889​) was a Mexican painter who made a name for herself at a time when women were not allowed in the Art Academy. This is her occupational self-portrait, Interior de Estudio de una artista, ca. 1849.

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889) était une peintre mexicaine qui s'est illustrée à une époque où les femmes n'étaient pas admises à l'Académie des Beaux-Arts. Voici son autoportrait au travail, Intérieur d'atelier d'une artiste, vers 1849.

Cette œuvre, peinte à l'huile sur toile, est un témoignage rare de la pratique artistique féminine à cette époque. Le titre même de l'œuvre souligne la volonté de Sanromán de se présenter comme une artiste professionnelle, et non comme une simple "amateur". À une époque où les femmes artistes étaient souvent reléguées au rang de "señoritas pintoras", Sanromán a cherché à redéfinir la féminité à travers son art, défiant les normes sociales et idéologiques. (Qwant).

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Alice Pike Barney

Self-portrait with palette – Autoportrait avec une palette

1906

Peintre

USA

Alice Pike Barney était une peintre américaine connue pour son autoportrait avec une palette réalisé vers 1906. Ce tableau, en huile sur toile, mesure 84,5 x 61,3 cm et est conservé au Smithsonian American Art Museum. (Photo 12).

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Gwen John

A Corner of the Artist’s Room in Paris

Un coin de l'atelier de l'artiste à Paris

1907

Welsh painter

Pays de Galles

Gwen John, une peintre galloise, a créé entre 1907 et 1909 l'œuvre "A Corner of the Artist’s Room in Paris", un tableau représentant un coin de son atelier à Paris, situé au 87 rue du Cherche-Midi.

La peinture représente un coin tranquille et intime d'une pièce, avec une composition simple mais évocatrice.

• Un fauteuil en osier drapé de tissu sombre à gauche.
• Une table en bois étroite à droite, sous une fenêtre ouverte.
• Une lumière douce entrant par la fenêtre, créant un jeu subtil entre lumière et ombre.
• Un livre ouvert sur la table et un manteau jeté sur le fauteuil.

L'œuvre est conservée au National Museum Wales (Musée national du Pays de Galles). (Qwant).

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Elisabetta Sirani.

Italie.

1638 - 1665

Artiste prolifique.

Professeure respectée.

1ère académie pour femmes en dehors d'un couvent.

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Elisabetta Sirani.

Sur qwant.

Père peintre et marchand d'art 

A 17 ans, déjà 190 tableaux à son actif.

A 20 ans, 1 ère commande publique.

Ouvre l'Académie de San Luce à Rome.

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Marie-Denise Villers

Young Woman Drawing

Jeune femme dessinant

1801

Jeune femme dessinant (Portrait de Charlotte du Val d’Ognes) – 1801

• Artiste : Marie‑Denise Villers (née Lemoine)  (wikiart.org)
• Attribution :
• Acquis par le Metropolitan Museum of Art (New York) en 1922, initialement attribué à Jacques‑Louis David  (neocc.marionmura.fr)
• Réattribué à Constance‑Marie Charpentier en 1977  (fr.wikipedia.org)
• Réattribué à Marie‑Denise Villers en 1996 par Margaret Oppenheimer, basé sur la ressemblance avec Une jeune femme assise devant une fenêtre  (fr.wikipedia.org)
• Femme dessinant devant une fenêtre brisée, vue d’une galerie du Louvre  (neocc.marionmura.fr)
• Derrière elle, un couple se tient sur un parapet  (neocc.marionmura.fr)
• Effet trompe‑l’œil de la vitre brisée décrit comme « tour de force »  (neocc.marionmura.fr)

Le tableau n’est pas signé, ce qui a conduit aux erreurs d’attribution  (fr.wikipedia.org)

Exposée au Salon de Paris 1801, année où David boycottait l’exposition  (fr.wikipedia.org)

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4 Femmes dans un atelier de peinture

- Adrienne Grandpierre-Deverzy - L'atelier d'Abel de Pujol – 1822

Adrienne Grandpierre‑Deverzy (1798 – 1869) était une artiste peintre française reconnue pour ses tableaux historiques et ses portraits. En 1822, elle réalisa le tableau « L’atelier d’Abel de Pujol » qui représente son maître, le peintre néoclassique Abel de Pujol, conseillant ses élèves dans son atelier. Cette œuvre a été exposée au Salon des artistes français de la même année, un événement où les femmes étaient encore minoritaires (67 sur 475 exposants, soit environ 14 %) (histoireparlesfemmes.com)

Détails de l’œuvre

• Support : huile sur toile
• Dimensions : 0,98 m de hauteur × 1,35 m de largeur
• Lieu actuel : Musée Marmottan‑Monet à Paris (inventaire P. 46.1.167)  (musee.valenciennes.fr)
• Contexte : La toile montre Abel de Pujol debout sur un escabeau, entouré de moulages en plâtre, de casques et d’armes, illustrant son intérêt pour l’antique et les grands sujets historiques ou mythologiques. Le modèle central est placé au centre de la composition, éclairé par un grand rideau rouge qui dirige la lumière sur lui.

Signification

Cette peinture témoigne de la relation étroite entre Adrienne Grandpierre‑Deverzy et Abel de Pujol, qui fut d’abord son élève, puis son ami et, plus tard, son second mari en 1856. Elle illustre également la présence des femmes dans les ateliers d’art à une époque où l’Académie des beaux‑arts et l’École nationale supérieure des beaux‑arts de Paris les excluaient systématiquement. La sélection de l’œuvre pour le Salon de 1822 souligne la reconnaissance de son talent dans un milieu dominé par les hommes  (histoireparlesfemmes.com)

- Catharina van Hemessen assise à son chevalet –Antwerp, Anvers – 1548

• L’artiste se représente en train de peindre, avec palette, pinceaux et chevalet à sa droite, et un visage esquissé dans le cadre posé. L’inscription « Ego Caterina de Hemessen me pinxi 1548 Etatis suae 20 » est visible en haut à gauche  (biennaleofwomeninart.com)

Contexte historique

• Catharina van Hemessen (1528 – après 1565) est la première peintre flamande féminine dont des œuvres vérifiables subsistent.
• Elle est née à Anvers et a été membre de la Guilde de Saint‑Luc.
• En 1554, elle épouse Kerstiaen de Moryn, organiste à la cathédrale d’Anvers.
• L’autoportrait a été réalisé à l’âge de 20 ans, avant son mariage  (estimonobjet.fr)

Lieu de conservation

• Le tableau est actuellement exposé au Kunstmuseum Basel en Suisse.
• Cette collection possède d’autres œuvres de Catharina van Hemessen, notamment dans le Rijksmuseum (Amsterdam) et la National Gallery (Londres)  (biennaleofwomeninart.com)

- Josefa Sanromán Castillo - Autoportrait - 1849 - Dans son atelier au Mexique

Josefa Sanromán (1829‑1889) était une peintre mexicaine pionnière. En 1849, elle réalise « Interior del Estudio de una artista » (ou Interior of an artist’s studio), une toile qui se présente comme un autoportrait dans son atelier à Mexico  (taldiacomohoy.es)

La peintre elle‑même debout devant un chevalet, en plein acte de peinture, entourée de deux femmes (probablement ses sœurs Juliana et María de Jesús). Le tableau montre également des œuvres religieuses accrochées aux murs, notamment un portrait de Santa Teresa de Ávila que la peintre est en train de réaliser  (tumblr.com)

• Première représentation d’une femme artiste en action dans l’art mexicain du XIXᵉ siècle  (tumblr.com)
• Met en lumière la conception de la féminité bourgeoise de l’époque, où l’activité artistique est encadrée par la sphère domestique et la foi catholique  (tumblr.com)
• Renforce la position de la peintre et de ses sœurs comme femmes dévotement engagées dans la création artistique  (tumblr.com)

- Marie Victoire Lemoine - L'intérieur d'un atelier d'une femme peintre - 1789

• Marie‑Victoire Lemoine (1754‑1820) était une peintre française de la période révolutionnaire.
• Elle a étudié auprès de François‑Guillaume Ménageot et a travaillé dans la maison de Jean‑Baptiste‑Pierre Lebrun (acquise par le marchand d’art) à côté de l’atelier d’Élisabeth‑Louise Vigée‑Le Brun dans le 1ᵉʳ arrondissement de Paris  (fr.wikipedia.org)
• À partir de 1779, elle vivait dans la maison de ses parents jusqu’à ce qu’elle emménage avec sa sœur Marie‑Élisabeth  (fr.wikipedia.org)

Elle travaillait dans la maison de Lebrun (près de l’atelier de Vigée‑Le Brun) au début des années 1770, puis a vécu chez ses parents à partir de 1779, avant de déménager chez sa sœur. (Qwant).

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Atelier

Tove Jansson in her home studio

Finnish artist, author and illustrator – Finlande – Artiste, autrice, illustratrice

1956

Atelier de Tove Jansson – studio à Helsinki (1956)

Contexte général du studio

• Emplacement : 6ᵉ étage d’un immeuble de la district Kaartinkaupunki à Helsinki, dans un bâtiment de style Art‑nouveau construit dans les années 1910.
• Acquisition : Tove Jansson a acheté l’appartement en 1952 grâce à un prêt bancaire important, après avoir loué le local depuis 1944  (kotona.com)
• Aménagement : Le studio mesure environ 8 m de long et de large, avec un plafond de 5,5 m. Il possède une grande fenêtre haute et de petites fenêtres supérieures qui inondent l’espace de lumière naturelle.
• Équipements :
• Un petit four à bois (anciennement utilisé pour chauffer le foyer)
• Un bain‑tub, priorité de Tove sur la cuisine
• Un petit coin cuisine avec plaque à deux brûleurs
• Un espace de travail dédié où elle dessinait, peignait et écrivait ses histoires.
• Rénovations : Dans les années 1960, les architectes Raili et Reima Pietilä ont isolé les murs, ajouté un grenier et créé un espace de couchage sur le couloir, accessible par une rampe en spirale  (kotona.com)
• Usage : En 1956, le studio était déjà la résidence principale et le lieu de création de Tove Jansson. Elle y travaillait sur les bandes dessinées Les Moomins, peignait et écrivait ses premiers romans.
• État du bâtiment : Le local était encore exposé aux vents forts de la côte et la température intérieure pouvait descendre à 4 °C lorsqu’il faisait –17 °C dehors, comme décrit pour les hivers de l’époque  (kotona.com)
• Vie quotidienne : Tove disposait d’un bain‑tub et d’une petite cuisine fonctionnelle, mais il n’y avait pas de cuisine complète. Elle utilisait le studio comme un « maison » où elle se sentait libre de créer.
• Relations : Sa partenaire Tuulikki Pietilä vivait dans le même immeuble, et un passage d’attique permettait aux deux de se voir et de partager des repas, créant un espace d’échange artistique  (moomin.com)

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Atelier

Lois Mailou Jones in Her Paris Studio

Lois Mailou Jones dans son atelier parisien

1938

Influential artist and educator who emerged from the Harlem Renaissance.

Artiste et pédagogue influente issue de la Renaissance de Harlem.

Lois Mailou Jones dans son atelier parisien (1938)

Loïs Mailou Jones était en plein séjour à Paris en 1937‑1938, où elle étudiait à l’Académie Julian. Une photographie prise à cette époque montre la peintre en pleine création dans son atelier, entourée de ses œuvres et d’un petit chat qui se prélasse sur son épaule  (instagram.com)

• Contexte artistique : Ce moment illustre la liberté d’expression que Paris offrait aux artistes afro‑américains, loin des préjugés raciaux qui l’avaient empêchée d’enseigner aux États‑Unis  (unjourdeplusaparis.com)
• Éléments visuels : La photo capture la concentration de la peintre, les pinceaux à portée de main, et l’atmosphère intime de son studio à Montparnasse  (sisyphe.org)
• Signification : Cet instant est représentatif de son séjour marquant à Paris, où elle a produit des œuvres majeures comme Les Fétiches (1938)  (fr.wikipedia.org)

« Loïs Mailou Jones, dans son studio parisien, 1938 » – photo de 1937‑38, cat on shoulder, painting in progress  (instagram.com)

Lois Mailou Jones

Lois Mailou Jones (1905 – 1998) était une peintre et enseignante afro‑américaine dont la carrière a duré plus de sept décennies.

 

Influence artistique

• Après une année sabbatique à Paris (1937‑1938), elle a introduit dans ses toiles des motifs d’art tribal africain, très prisés dans les galeries parisiennes.
• Son mariage en 1953 avec le designer haïtien Louis Vergniaud Pierre‑Noël l’a poussée à explorer les couleurs vives et les motifs haïtiens lors de voyages annuels à son domicile  (nmwa.org)
• En 1970, elle a été nommée ambassadrice culturelle par l’United States Information Agency, voyageant dans 11 pays africains pour donner des conférences et visiter des musées, ce qui a renforcé son intérêt pour les sujets africains dans ses œuvres de 1971‑1989  (nmwa.org)

Lois Mailou Jones a été une figure centrale de l’art afro‑américain, alliant création artistique, enseignement et diplomatie culturelle. Son parcours, marqué par des expériences à Paris et en Afrique, a laissé une empreinte durable sur la scène artistique mondiale. (Qwant).

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18 personnes ont lu cet article.

 

Yayoi Kusama - Suite

 

Yayoi Kusama

Fish - Poisson

Depth of the sea, silkscreen; 2 works

Profondeur de la mer, sérigraphie ; 2 œuvres

1988

L'œuvre "Depth Of The Sea" de Yayoi Kusama capture l'essence vibrante et hypnotique des fonds marins, avec des motifs naturels et des couleurs éclatantes, inspirés par les profondeurs aquatiques. (Kalunea).

Elle incarne parfaitement l'univers artistique unique de Yayoi Kusama, où art et nature s’entrelacent. Les détails riches et les motifs captivants font de cette pièce un véritable point focal pour la décoration intérieure. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Brillance des âmes

2014

Série des Miroirs infinis.

L'œuvre "Brillance des âmes" de Yayoi Kusama, exposée à AlUla, fait partie de sa célèbre série des miroirs infinis, où elle explore des environnements immersifs et hallucinés à travers des jeux de miroirs et de lumières.

Cette œuvre illustre parfaitement l'obsession de Yayoi Kusama pour les effets de profondeur et l'infini, créant des espaces qui évoquent à la fois le magique et le galactique. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Snow - Neige

1990

L'œuvre "Snow" de Yayoi Kusama, créée en 1990, est une peinture sur toile de dimensions 15.9 × 22.9 cm, signée, titrée et datée au dos en kanji, accompagnée d'un certificat d'authenticité émis par l'atelier de l'artiste.

Kusama est une figure majeure de l'art contemporain, mêlant les esthétiques et théories de plusieurs mouvements du XXe siècle, notamment le Pop Art et le Minimalisme. Son style "cosmique" punchy a été affiné lors de son séjour à New York dans les années 1960.

Kusama vit et travaille à Tokyo, où elle peint quotidiennement dans son atelier.

Elle a participé à des expositions internationales prestigieuses, comme celles du Museum of Modern Art dans les années 1980 et la Biennale de Venise en 1993. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Sitting, with red bob hairstyle, and wearing a yellow and black garment with curved lines and dots which matches the background design.

Assise, avec une coupe au carré rouge, et vêtue d'un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois assorti au motif de fond.

En octobre, une grande rétrospective Yayoi Kusama, à moins de 2h de Paris.

Il faudra vous rendre à Bâle, en Suisse, pour découvrir cette exposition exceptionnelle. Accueillie par la Fondation Beyeler et consacrée à l'artiste japonaise la plus culte de sa génération, cette première rétrospective suisse aura lieu du 12 octobre au 25 janvier 2026. (Ad magazine).

Yayoi Kusama est connue pour ses motifs de pois et ses explorations de l'infini, souvent représentés dans ses œuvres et ses vêtements, comme un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois

Kusama a marqué l'univers artistique avec ses expositions prestigieuses, comme celles au Musée Guggenheim Bilbao ou à la Tate Modern. Elle a également collaboré avec des marques de luxe comme Louis Vuitton, apposant ses célèbres pois sur des sacs et des collections capsule.

Dès son enfance, Yayoi Kusama dessinait pour échapper aux hallucinations dont elle souffrait. Ce thème de l'infini et des motifs répétitifs est devenu central dans son œuvre, explorant les frontières entre l'homme et son environnement.

Son impact sur le monde de l'art contemporain est indéniable, et son style distinctif continue d'inspirer de nombreuses œuvres et produits dérivés, comme les affiches minimalistes qui capturent son essence artistique (Qwant).

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Yayoi Kusama,

Hitomi

1989

Acrylique sur toile

Embracing the rise of the hippie counterculture of the late 1960s, Kusama came to public attention when she organized a series of happenings in which naked participants were painted with brightly colored. (Chritie’s).

S'inscrivant dans le mouvement hippie naissant de la fin des années 1960, Kusama s'est fait connaître du grand public en organisant une série de happenings où des participants nus étaient peints avec des couleurs vives.

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Yayoi Kusama in 1965

Photo

Contexte artistique de 1965

En 1965, Yayoi Kusama était déjà une figure émergente de la scène artistique internationale. Elle a présenté l'installation Infinity Mirrored Room – Phalli’s Field à la Castellane Gallery de New York, une œuvre qui a marqué le début de sa série d’installations immersives (davidzwirner.com)

Cette période se situe entre son arrivée à New York à la fin des années 1950 et son retour au Japon à la fin des années 1970, où elle a continué à explorer des thèmes de répétition, de motifs et de perception  (phi.ca)

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17 personnes ont lu cet article.

 

Henri de Toulouse-Lautrec - Suite

 

Henri de Toulouse-Lautrec

The Marble Polisher.

Le polisseur de marbre.

Le Polisseur de Marbre est une œuvre de Henri de Toulouse-Lautrec réalisée entre 1882 et 1887 pendant sa formation à l'atelier de Fernand Cormon à Paris, où il a étudié l'anatomie humaine et les techniques impressionnistes. (Chequadro).

"Le polisseur de marbre" par Henri de Toulouse-Lautrec est une peinture qui illustre la vie quotidienne des travailleurs avec une approche presque documentaire. (Art majeur).

L'œuvre intitulée « The Marble Polisher » (Le polisseur de marbre) est une peinture réalisée par entre 1880 et 1890. Elle est actuellement conservée au Princeton University Art Museum. (App fta art).

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Henri de Toulouse-Lautrec

Au lit.

1892 

La peinture représente deux jeunes femmes blotties l’une contre l’autre dans un lit. Leur étreinte, visible sous les draps, suggère un baiser intime et une affection sincère. L’éclairage doux et la palette de couleurs pastel créent une atmosphère de tendresse et de discrétion. L’œuvre se distingue par son approche non voyeuriste, privilégiant la compassion plutôt que la provocation  (fr.muzeo.com)

Toulouse‑Lautrec a choisi de représenter l’intimité entre deux femmes, un thème audacieux pour l’époque. L’œuvre reflète son intérêt pour les marges de la société parisienne (danseuses, prostituées) et son approche empathique de la vie nocturne de Montmartre. La peinture s’inscrit dans le post‑impressionnisme, avec des traits audacieux et une utilisation expressive des couleurs, influencée par les estampes japonaises  (singulart.com), (fr.muzeo.com)

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25 personnes ont lu cet article.

 

Albert Marquet. Suite. Fécamp - Quai des Augustins -

 

Albert Marquet.

1875 - 1947

Berges de la Seine à la Frette.

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Albert Marquet

1875-1947

“The Port of Fécamp”

1906

Oil on canvas.

Albert Marquet, né en 1875 et décédé en 1947, est un peintre français associé au mouvement fauve. Son œuvre "The Port of Fécamp" (1906) est une huile sur toile représentant le port de Fécamp, une ville normande. (Qwant).

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Albert Marquet

1875-1947

“The Pont Saint-Michel in Paris, The Quai des Augustins”

1908

Oil on canvas.

Albert Marquet a peint "The Pont Saint-Michel in Paris, The Quai des Augustins" en 1908, une œuvre représentant le Pont Saint-Michel et le Quai des Augustins à Paris. (Pinterest).

Marquet a réalisé plusieurs autres peintures représentant le Pont Saint-Michel, notamment :

• "The Pont Saint-Michel and the Quai des Grands Augustins" (1912)
• "The Pont Saint-Michel in Winter" (1908)
• "Le Pont St. Michel" (1910-1911) (Qwant).

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Albert Marquet

Femmes.

Scènes de rues

1900 – 1904

Muma – Le Havre

14 juillet 1906 au Havre

Entre 1900 et 1904, Marquet a commencé à se faire connaître et à sortir de ses difficultés financières. Il a peint des scènes de rues, notamment en Normandie, où il a séjourné avec Raoul Dufy. Ces scènes de rues, souvent colorées et dynamiques, montrent son intérêt pour les paysages urbains et les effets de lumière.

Albert Marquet a peint des scènes de rues et des paysages urbains, notamment à Alger et en Normandie, où il capturait les émotions et les lumières à travers des couleurs vives puis plus calmes à partir de 1911. (Qwant)

Albert Marquet a peint "Le 14 juillet au Havre" en 1906, représentant une rue du Havre pavoisée pour la fête nationale, lors de la Grande semaine maritime. Cette œuvre, influencée par l'impressionnisme, met en valeur les couleurs vives et les drapeaux.

Marquet et Dufy travaillent souvent ensemble pendant leur période fauve. Marquet est influencé par les impressionnistes, notamment pour ses paysages. Il est surnommé le "plein-airiste d’atelier" pour sa technique de peinture depuis une fenêtre.

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Albert Marquet

Nues

Autoportrait – 1906

- Femme sinueuse

- La femme blonde – 1919

La Femme blonde est un nu féminin peint par Albert Marquet en 1919, actuellement conservé au Centre Pompidou et en prêt longue durée au MuMa Le Havre. Ce tableau a été acquis par le collectionneur Olivier Senn en 1933 et offert au musée du Luxembourg en 1939.

Albert Marquet a peint "La Femme blonde", un nu féminin en 1919, qui est le dernier nu de sa carrière. Ce tableau fait partie de la collection Senn, acquise par le collectionneur Olivier Senn en 1933 et offerte au musée du Luxembourg en 1939.

(Qwant).

- Nu féminin 

Collection Senn

Muma - Le Havre

- Nu assis de dos

L'œuvre Nu Assis De Dos d'Albert Marquet a été vendue pour 1 690 € lors d'une vente aux enchères à Paris en juin 2021, dépassant largement l'estimation initiale de 800 €. (Qwant).

- Nu debout de profil

Fontevraud - Abbaye royale

Albert Marquet a peint plusieurs toiles inspirées par des femmes, notamment Marcelle Martinet, qu'il a épousée et avec qui il a voyagé. Ses œuvres représentent parfois des scènes érotiques ou des modèles posant de manière moins conventionnelle que dans les œuvres académiques de l'époque. Il a également peint des scènes de lupanars, comme Les Deux Amies, et réalisé des dessins érotiques. (Qwant).

Ces nus, jamais rassemblés en totalité, révèlent pourtant une posture de Marquet face à la peinture qui place son œuvre, plus qu’il n’y paraît, dans la filiation de Manet. (Centre Pompidou).

La Femme blonde est un tableau réalisé par Albert Marquet en 1919. Ce nu est conservé par le Musée national d'Art moderne de Paris 1. (Wikipedia).

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12 personnes ont lu cet article.

Pablo Picasso - Suite.

 

Pablo Picasso

Two acrobats (Harlequin and his companion)

Les deux saltimbanques

Arlequin et sa compagne

1901.

Les Deux Saltimbanques d'après Picasso, réalisé en 1901, représente l'Arlequin et sa compagne lors de sa période du Tableau de la Rue, mais la lithographie de 1960 évoque une réinterprétation de cette œuvre, tandis que l'original de 1901 est une peinture à l'huile conservée au Pushkin Museum.

Les Deux Saltimbanques de Picasso, peint en 1901 durant sa période bleue, représente un arlequin et sa compagne dans une ambiance sombre et mélancolique, utilisant principalement des tons bleus et violets pour évoquer la vulnérabilité et la condition humaine, symbolisant l'importance de l'art face à la souffrance.  

(Masterwork fineartgallery)

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Pablo Picasso

The Kitchen - La cuisine

November 1948 – Paris.

"La Cuisine" de Pablo Picasso, réalisée en novembre 1948 à Paris, est une œuvre monumentale, monochrome et presque abstraite, inspirée d'une cuisine blanche au rue des Grands-Augustins, avec des éléments comme des oiseaux et des assiettes colorées évoquant la scène quotidienne. (Guggenheim).

Picasso painted The Kitchen in November 1948, on the thirty-year anniversary of the death of the poet Guillaume Apollinaire, his dear friend. (Moma).

Picasso peint La Cuisine en novembre 1948, à l'occasion du trentenaire de la mort du poète Guillaume 

Apollinaire, son cher ami.

Ces questionnements plastiques mènent ici Picasso presque à l'abstraction, si ce n'étaient hibou, tourterelles et plantes, de la main, dit-on, de Françoise Gilot. (MuseePicassoParis).

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Pablo Picasso

L'Hétaïre (Courtisane au collier)

1901

Le tableau "L'hétaïre" de Pablo Picasso (1901), appartenant à la période bleue, a été vandalisé en juin 2024 par un militant écologiste au Musée des beaux-arts de Montréal, mais aucun dommage sérieux n'a été constaté grâce à un verre protecteur, et l'œuvre a été rapidement restaurée et remise en exposition. (Wikiart).

Magnifique copie du tableau original conservé à la Pinacothèque Agnelli réalisé par  Picasso en 1901  lors de son deuxième voyage à Paris. (Catawiki).

L'hétaire était dans l'Antiquité grecque une courtesane de bonne éducation, souvent célèbre, qui proposait sa compagnie et ses services sexuels de manière suivie. Le terme désigne aussi, par extension, une femme exerçant la vénalité en tant que courtisane ou prostituée. (Universalis).

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Pablo Picasso

Woman in a shaw

Femme dans un châle

Pablo Picasso – FEMME ASSISE (FEMME AU CHÂLE), œuvre huile sur toile datant de 1909, mesurant 80,5 x 65 cm et associée à la Fondation Beyeler. (Fondation Beyeler).

Dans Femme au châle polonais (Kessel no95), nous retrouvons la position frontale de la femme assise, le regard baissé, songeur, dans une composition à la vue plongeante d’une relative hardiesse. (Centre Pompidou).

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Pablo Picasso

Bust of Woman with Yellow Ribbon (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline) est une œuvre de Pablo Picasso réalisée en 1962, appartenant à ses années tardives et relevant des styles cubisme et surréalisme. (Flickr).

Colette became an integral part of Fin's extended family and was welcomed by Picasso and his wife Jacqueline into their home, Notre-Dame-de-Vie, outside Mougins and into their closely knit circle. (Christies).

Colette est devenue partie intégrante de la famille élargie de Fin et a été accueillie par Picasso et sa femme Jacqueline dans leur maison, Notre-Dame-de-Vie, à l'extérieur de Mougins et dans leur cercle très uni.

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Pablo Picasso

Portrait de Jacqueline accoudée

1959.

Femme accoudée est une linogravure originale de Pablo Picasso réalisée en 1959, représentant Jacqueline, son épouse. Cette œuvre, éditée par la Galerie Louise Leiris en 1960, est remarquable pour ses lignes pures et monumentales, mettant en valeur les courbes du corps et des détails comme les mains, les épaules et la chevelure. Elle mesure 75 x 61,8 cm et est signée par l'artiste. (Christies).

Femme accoudée, Jacqueline, est exceptionnelle par l’assurance, la précision et la pureté de ses lignes. Jacqueline est ici toute en courbes et monumentale. (Galerie Institut).

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Pablo Picasso

The chess

Le jeu d'échecs.

Pablo Picasso a créé "The Chess" en 1911, une œuvre emblématique du mouvement Analytical Cubism, représentant une nature morte avec des formes géométriques et une palette de couleurs terreuses. (Artchive).

The Chess est une œuvre séminale dans le canon cubiste, qui montre l'approche révolutionnaire de Picasso en matière de représentation.  (Wahooart).

Le jeu d'échecs dans la peinture est un thème qui a été largement utilisé au cours des siècles. Les artistes ont représenté aussi bien les partenaires devant le jeu d'échecs que les éléments du jeu. (Wikipedia).

Picasso and the Chess Player is the story of how Picasso and Duchamp came to define the epochal debate between modern and conceptual art-a drama that features a who's who of twentieth-century. (Jstor).

Picasso et le joueur d'échecs raconte comment Picasso et Duchamp en sont venus à définir le débat historique entre l'art moderne et l'art conceptuel - un drame qui met en vedette un who's who du XXe siècle.

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Le baiser.

Pablo Picasso.
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Pablo Picasso

1881-1973

Spanish - Espagnol

Un couple espagnol

1901

Huile sur toile.

Pablo Picasso a peint "Couple espagnol" en 1901, une huile sur toile marquée par des influences de Steinlen et Toulouse-Lautrec, reflétant son séjour en Espagne après sa première visite à Paris.

"Couple espagnol" est une huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1901. Cette œuvre capture des scènes de la vie espagnole, un thème récurrent dans les premières créations de l'artiste. Le tableau montre un couple espagnol, reflétant l'intérêt de Picasso pour la culture et les traditions de son pays natal.

Le style du personnage masculin évoque une nostalgie pour le sud de l'Espagne, suggérant que le tableau pourrait avoir été créé pendant un séjour à Málaga avant son installation à Madrid.

Picasso revisite souvent des scènes de différents endroits qu'il a visités en Espagne, y compris Barcelone. (Qwant).

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Pablo

Picasso Garçon à la pipe

1905

Le Garçon à la pipe est un tableau de Pablo Picasso réalisé en 1905, lors de sa « période rose » lorsqu'il avait vingt-quatre ans et venait de s'installer à Montmartre, à Paris. (Wikipedia).

Garçon à la pipe représente "le petit Louis", un adolescent qui passait la majeure partie de son temps à traîner dans les ateliers de Picasso à Le Bateau-Lavoir, à Montmartre. (Gallerix ru).

• Date de création : 1905, pendant la Rose Period de Picasso.
• Médium : huile sur toile, dimensions : 100 × 81,3 cm.
• Modèle : un adolescent nommé “p’tit Louis”, fréquentateur du Bateau‑Lavoir à Montmartre.
• Contexte : Picasso a expérimenté plusieurs poses avant de choisir le garçon assis, puis a ajouté une couronne de roses et un bouquet derrière lui.
• Vente : l’œuvre a été vendue à Sotheby’s New York le 5 mai 2004 pour 104,2 M$ (au-dessus de l’estimation).
• Provenance : achetée initialement par John Hay Whitney en 1950 pour 30 000 $US.

Ces informations proviennent des sources  (pablopicasso.org),  (blog.artsper.com) et  (wikiart.org).

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Pablo Picasso

Spring - Printemps.

Pablo Picasso a peint "Le printemps" en 1956, une œuvre cubiste représentant une chèvre et probablement son fils Claude, inspirée par son séjour heureux à Cannes. (Wikiart).

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Pablo Picasso

Atelier

The studio at La Californie

1956

En 1956, Pablo Picasso a peint The Studio at La Californie, une œuvre représentant l'intérieur de son nouvel atelier situé dans la villa La Californie près de Cannes, mettant en avant des références artistiques variées et l'architecture orientale de la villa.

Picasso s'installe à "La Californie", une vaste villa du XIXe siècle surplombant la baie de Cannes, en été 1955.

Captivé par l'architecture orientale de la villa, il utilise son nouvel atelier comme source d'inspiration artistique.

Dès octobre 1955, il commence à peindre des scènes représentant un coin de l'atelier et une des fenêtres ornées.

Jacqueline Roque, muse et compagne de Picasso, est représentée dans certaines œuvres de cette série.

(Qwant).

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Pablo Picasso

Paysage

1928.

Le tableau Paysage de Pablo Picasso, réalisé en 1928, est une œuvre naïve et primitive qui dépeint un paysage serein et onirique avec des éléments architecturaux et une végétation stylisée, utilisant une palette de tons doux et des formes géométriques simples.

Les bâtiments sont représentés par des formes géométriques simples, sans détails complexes mais évocateurs de structures.

Cette œuvre illustre la versatilité de Picasso, qui a exploré divers styles au-delà de son célèbre cubisme. Elle appartient à une période où l'artiste a expérimenté avec des influences variées, notamment le primitivisme et le surréalisme. (Qwant).

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Pablo Picasso

Cirque ambulant

1922.

Titre officiel : Cirque forain (titre alternatif : Cirque ambulant). (Qwant).

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