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lundi 10 novembre 2025

Catherine Millet - Jour de souffrance

 

Catherine Millet

Jour de souffrance

Editions Flammarion – 2008

 

Elle a un style alambiqué et elle reformule ses explications compliquées. Ses phrases sont « tape-à-l’oeil ». Elle aime s’écouter écrire.

 

Au début, le récit est séduisant. Elle explique qu’une touche de vert rehausse et fait vibrer du rouge juxtaposé à du violet (p 9).

Les peintres à l’ancienne reculent de quelques pas pour apprécier les rapports de proportion et les effets de contraste (p 13). Un tableau qui cache une anamorphose émerveillera avec son objet cohérent ( ? Ndlr : qu’est-ce que ça veut dire ?) (p 14).

Ce qui émerveille, dans les œuvres originelles, est leur perfection et leur qualité expressive (Ndlr : qu’est-ce qu’elle appelle œuvre originelle ?) (p 110).

 

Puis elle raconte sa vie amoureuse, ses soupçons, ses fantasmes et ses relations avec son amant. Ses descriptions sexuelles sont froides. Elle est observatrice et rêveuse en même temps. (p 236).

 

P 29 : Dans son premier couple, tout était permis. Il n’y avait aucun interdit, ni aucune limite. Ca lui permet de vivre ses rêves. Mais, lui, jaloux, ne va pas le supporter. La violence va s’installer, sans y mettre de mots. Elle acceptera tout (p 36).

Elle se juge comme une nomade sexuelle (p 57). Elle vit ses multiples relations comme des amitiés sexuelles (Ndlr : il y a une contradiction, non ?) (p 72).

Son second ami Jacques, à Athènes, accepte une pratique sexuelle avec la fille d’un ami, une très jeune fille, donc une mineure. Il l’écrit, elle le lit, mais il nie. (p 94). Apparemment, ce qui la dérange est son infidélité, pas la pédophilie. Le goût pour les jeunes filles est médiocre à ses yeux. Ndlr : non, c’est un crime.

Elle adopte les fantasmes de Jacques. Ils appauvrissent les siens, à son grand regret. (p 104. Ndlr : à condition qu’elle oublie ou efface complètement les siens. Est-ce possible ?)

Elle s’offre à des hommes de hasard. Ndlr : la pratique est plutôt dangereuse. Elle ne sait pas sur qui elle tombe.  « J’ai promené mon corps avec insouciance et parfois négligence ».

Elle s’ennuie avec son amant, avec le temps. Et nous aussi. (p 175).

Ses ami-es savent qu’il la trompe. Quand elle l’apprend, elle est ridiculisée. (p 177). Elle ressent la volupté des sanglots. Ndlr : encore une qui aime pleurer. (p 198).

Elle décrit ses orgasmes : spasme (p 102), onde profonde qui m’emporte (p 103), reddition de tout mon corps (p 170), onde de plaisir (p 183).

 

Elle aime les tangos déchirants de Tita Merello, Ada Falcon, Azucena Maizani.  (p 118).


 

Tita Merello - se dice de mi 

 


 
Ada Falcon -No Mientas- -Reedicion 2018

 

Azucena Maizani Pero yo se

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Jeune, tout lui réussit mais elle n’a pas d’objectif. (p 223).

Adolescente, elle a fugué une fois. (p 218). Sa mère s’est suicidée. Dépressive, elle s’est défenestrée. (p 180). Catherine Millet a peur de la folie. L’art est son antidote. (p 192). En vacances, elle a de plus en plus de crises. Elle n’a plus de vie sociale et des discussions longues avec Jacques provoquent son imagination et ses angoisses. Il écrit sur ses relations sexuelles et la lecture provoque à Catherine Millet des crises. Elle le tapait, au point de le faire tomber par terre. (p 201).

Son frère qui  avait trois ans de moins qu’elle, meurt accidentellement. (p 220).

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J'ai retrouvé l'article qui précise que Catherine Millet avait signé avec Catherine Deneuve la fameuse tribune qui autorisait les hommes à nous importuner....

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samedi 8 novembre 2025

Joan Miró - Suite

 

Joan Miró

“Gardener Smoking in the Moonlight 

Jardinier fumant au clair de lune. »

1939

L'œuvre "Le Jardinier fumant au clair de lune" de Joan Miró illustre son style unique mêlant surréalisme et abstraction, caractéristique de son langage visuel distinctif. (Masterful artists).

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Yayoi Kusama - Suite

 

Yayoi Kusama

Fish - Poisson

Depth of the sea, silkscreen; 2 works

Profondeur de la mer, sérigraphie ; 2 œuvres

1988

L'œuvre "Depth Of The Sea" de Yayoi Kusama capture l'essence vibrante et hypnotique des fonds marins, avec des motifs naturels et des couleurs éclatantes, inspirés par les profondeurs aquatiques. (Kalunea).

Elle incarne parfaitement l'univers artistique unique de Yayoi Kusama, où art et nature s’entrelacent. Les détails riches et les motifs captivants font de cette pièce un véritable point focal pour la décoration intérieure. (Qwant).

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dimanche 19 octobre 2025

Camille Pissarro. Suite.

 

Camille Pissarro.

 1830  - 1903

Le village à travers les arbres.

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Pommiers à Pontoise.

Camille Pissarro.

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Vue d'une ferme à Osny.

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11 personnes ont lu cet article.

 


 

mercredi 24 septembre 2025

René Magritte - Suite


 

René Magritte

L'oiseau de ciel

1966

L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René Magritte créée en 1966, représentant un oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275 exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.

René Magritte, artiste surréaliste belge, a peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre en question la réalité. 

(Tableau galerie création).

La colombe est un symbole récurrent dans l'œuvre de René Magritte, représentant la paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des éléments comme La Victoire de Samothrace. (Magicalevents).

Magritte revient à Bruxelles pour y créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé à Magritte par Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).

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René Magritte

Le jockey perdu 

The lost jockey.

1926

Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).

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René Magritte

The human condition 

La condition humaine  

1935

La Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu depuis une fenêtre. (Wikipedia).

Ceci est un élément important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement.  (The history of art).

"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est "stérile", "vide", "sans contenu", "incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires et les choses les plus sublimes."

René Magritte

(Sublimations be).

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René Magritte

Le regard mental

The mind's gaze.

1946

Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).

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René Magritte

“Les Mémoires d'un saint”.

1960.

C’est assez incroyable de voir comment avec juste quelques éléments, Magritte arrive à recréer tout un monde. (L’art aux quatre vents).

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L'état de grâce.

1959.

Ndlr : Faire du vélo sur des cendres ?

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14 personnes ont lu cet article.



mardi 16 septembre 2025

Henri de Toulouse-Lautrec - Suite

 

Henri de Toulouse-Lautrec

The Marble Polisher.

Le polisseur de marbre.

Le Polisseur de Marbre est une œuvre de Henri de Toulouse-Lautrec réalisée entre 1882 et 1887 pendant sa formation à l'atelier de Fernand Cormon à Paris, où il a étudié l'anatomie humaine et les techniques impressionnistes. (Chequadro).

"Le polisseur de marbre" par Henri de Toulouse-Lautrec est une peinture qui illustre la vie quotidienne des travailleurs avec une approche presque documentaire. (Art majeur).

L'œuvre intitulée « The Marble Polisher » (Le polisseur de marbre) est une peinture réalisée par entre 1880 et 1890. Elle est actuellement conservée au Princeton University Art Museum. (App fta art).

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vendredi 5 septembre 2025

François Boucher - Suite

 


François Boucher - Apollon, femmes et Putti

François Boucher a peint « Apollon révélant sa divinité à Issé » (1750), représentant le dieu Apollon et la bergère Issé, avec une scénographie pastorale héroïque liée au théâtre et à l’opéra; le tableau est signé « f. Boucher 1750 ». (Collection Louvres).

Avec Apollon révélant sa divinité à la bergère Issé, François Boucher, relaie donc Ovide, mais s’octroie la licence d’aller un cran plus loin dans le déroulement du récit. (Fresnault images).

En 1750, François Boucher est le peintre officiel de la cour, il peint “Apollon Révélant Sa Divinité A La Bergère Issé”, son œuvre multiple. (Museum TV).

François Boucher décline son art autour des femmes et du thème féminin, multipliant les représentations de corps et d’expressions féminines, et fournissant des cartons, modèles ou motifs pour la tapisserie, la porcelaine et la toile de Jouy, contribuant à l’“art de vivre” du XVIIIe siècle. (Femme femme femme).

François Boucher, comme les autres artistes de l’exposition, était le peintre de la femme, de l’amour, de la galanterie (déploiement des sens mêlés à la tendresse), du libertinage et du désir. (Didier Saillier).

François Boucher François Boucher (1703 - 1770) est un peintre du XVIIIe siècle, représentatif du style rococo. (Wikipedia).

Cette étude de putti, thème iconographique très repandu chez François Boucher, est préparatoire au célèbre tableau du Lever du Soleil, acquis en paire avec le Coucher du Soleil par la marquise de Pompadour. (Christies).

Parmi le vaste répertoire thématique de l'œuvre de Boucher figurent ses toiles de putti, ou angelots dodus, comme dans L'Amour moissonneur ou Les Chérubins moissonneurs. (Proantic).

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mardi 19 août 2025

Hieronymus Bosch - Suite

 

Hieronymus Bosch

La voie mystérieuse vers le Paradis

1504

En 1504, Hieronymus Bosch illustre une vision dualiste du paradis, distinguant le paradis terrestre, accessible aux âmes pures, et le paradis céleste, plus éloigné et divin, reflétant sa fascination pour l'au-delà et la quête de lumière divine.

En 1504, le prince Philippe le Beau, fils de l'empereur Maximilien, lui demande « un grant tableau […] oudoist estre le jugement de dieu assavoir paradis et enfer.

(Herodote).

Visions de l'au-delà est le titre forgé d'un cycle de quatre panneaux peints à l'huile par Jérôme Bosch au début du XVIe siècle. (Wikipedia).

Tant est grande la fascination de Bosch pour l’enfer, que l’on ne peut qu’être surpris de l’idéalisation ayant marqué sa représentation du paradis. (Revue acropolis).

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Hieronymus Bosch

“Devils and angels fight over soul of a dying miser. Which way will he go in these last moments on earth?”

Diables et anges se disputent l'âme d'un avare mourant. Quel chemin choisira-t-il dans ses derniers instants sur terre ?

Le tableau suggère que l'avare hésite entre suivre le diable et sa bourse ou l'ange et le crucifix, symbolisant un choix entre la tentation matérielle et la voie spirituelle au moment de sa mort. (Devoir de philosophie).

Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. (Wikipedia).

Bosch nous montre un homme qui, à l'heure de sa mort, persiste dans son avarice. L'ange à sa droite tente d'attirer son attention vers le crucifix, situé en travers de la fenêtre, illuminé d'une lumière. (Lycée Kleber).

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Cabaret artistique

L'Enfer

Montmartre

L'Enfer est un célèbre cabaret de Montmartre, fondé en novembre 1892 par Antonin Alexander, dit « Antonin ». Le cabaret, en proie à de sérieuses difficultés financières, est racheté par l'enseigne Monoprix en 1950 qui souhaite agrandir sa surface. (Wikipedia).

À Paris, le quartier Montmartre a connu une période complètement folle, entre la fin du XIXe siècle et le milieu du XXe siècle. 53 du boulevard de Clichy. (Immobolis).

Boulevard de Clichy, le diable de la façade sculptée de différentes figures du cabaret "L'Enfer", et à sa gauche la façade du cabaret "Le Ciel" au deux panneaux peints d'anges. (Paris musées collections).

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mardi 12 août 2025

Kees van Dongen. Suite.

 

Le peignoir rose.

1905.

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Kees van Dongen

Femme au chapeau vert.

Kees van Dongen a peint "Femme au chapeau vert" en 1913, une œuvre emblématique illustrant son jeu de lumière et d'ombre et son regard unique sur la figure féminine, vendue 4,338 millions de dollars chez Sotheby’s. (Gostevs).

Kees van Dongen, de son nom de naissance Cornelis Théodorus Marie van Dongen, est un peintre néerlandais naturalisé français, né le 26 janvier 1877. (Wikiart).

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16 personnes ont lu cet article.


Albert Marquet. Suite.

 

Albert Marquet.

1875 - 1947

Berges de la Seine à la Frette.

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10 personnes ont lu cet article.


samedi 9 août 2025

Tsuguharu Léonard Foujita - Suite

 

Foujita

Autoportrait

1929.

Foujita a peint un autoportrait en 1929, mais le contexte indique qu'il s'agit plutôt d'une œuvre de 1927, représentant Foufou avec ses caractéristiques frange, moustache et lunettes rondes, symbolisant son style et sa personnalité.

Foujita a peint de nombreux autoportraits au chat, cet animal étant comme son double. Il se représente assis à une table basse alors qu’il s’apprête à dessiner.

(mba Lyon).

Pour marquer sa différence de Japonais, il se forge un personnage excentrique, avec frange et grosses lunettes rondes, qui entrera dans la légende. (Centre Pompidou).

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Léonard Tsuguharu Foujita

Chat couturier

Head of a grey tabby cat peeking up over a tabletop with sewing items scattered about (pincushion, thimble, spools of thread, measuring tape).

Tête d'un chat tigré gris qui se dresse au-dessus d'une table avec des articles de couture éparpillés (coussin à épingles, dé à coudre, bobines de fil, ruban à mesurer).

Léonard Tsuguharu Foujita était un artiste polyvalent, connu principalement pour ses peintures, mais il a également exploré d'autres domaines artistiques, dont la mode en tant que styliste. (Fondation Foujita).

Léonard-Tsuguharu Foujita a peint "Chat couturier" en 1927, une œuvre signée et authentifiée par Sylvie Buisson, représentant un chat de gouttière avec la grâce et le mystère caractéristiques de ses félins.

Léonard Tsuguharu Foujita (1886-1968), artiste français d’origine japonaise né à Tokyo, a été très inspiré par les chats.

(Artetglam).

Animal plutôt maléfique au Japon, le chat symbolise la rébellion de l’artiste. (Centre Pompidou).

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13 personnes ont lu cet article.

 


vendredi 8 août 2025

Gabriele Münter - Artiste

 

Gabriele Münter

Artiste

Vue uniquement comme l'amoureuse de Kandinsky.

Gabriele Münter est souvent perçue comme l'amoureuse de Kandinsky, avec qui elle a partagé une relation de quatorze ans, mais elle était également une artiste indépendante majeure, cofondatrice du mouvement Der Blaue Reiter. (Audeladestoiles).

Et aujourd’hui, c’est grâce à toute cette sauvegarde qu’on peut voir de très belles expositions de Gabriele Münter, mais aussi de Kandinsky, de Franz Marc, et même de Paul Klee. (Beaux-Arts).

Éclipsée par l’aura de Vassily Kandinsky, qui fut son mentor et son amant, Gabriele Münter (1877-1962) fait partie des pionnières de l’art moderne. (Arte).

Gabriele Münter s’imposa comme une des figures majeures de l’expressionnisme allemand, aux côtés de Kandinsky qui fut son compagnon. (Connaissance des arts).

Cet été, le musée d’Art moderne de Paris lui consacre sa première rétrospective française, une occasion de (re)découvrir celle qui n’a longtemps été connue que comme la compagne de Kandinsky. (Paris musées).

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Petit déjeuner des oiseaux.

1934.

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1935

1921

Autoportraits.

Musée d'art moderne de Paris.

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12 personnes ont lu cet article.



Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française

 

Marie Bracquemond

1840-1916

French Impressionist painter who struggled against attempts to suppress her work, most notably from her own husband, the painter Félix Bracquemond.

Peintre impressionniste française qui a lutté contre les tentatives de suppression de son œuvre, 
notamment de la part de son propre mari, le peintre Félix Bracquemond.

Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française qui a dû lutter contre les tentatives de suppression de son œuvre, notamment en raison des défis liés à sa reconnaissance en tant que femme dans un milieu dominé par les hommes.

Marie Bracquemond, née Marie Anne Caroline Quivoron le 1er décembre 1840 à Argenton-en-Landunvez et morte le 17 janvier 1916 à Sèvres, est une peintre, graveuse et céramiste française.

(Wikipedia).

En 1879, 1880 et 1886, Marie Bracquemond participe aux expositions impressionnistes, mais son époux goûte peu les évolutions de sa peinture. (Beaux-Arts).

Elle est considérée par le critique d'art Gustave Geffroy, comme une des trois « grandes dames » de l'impressionnisme avec Berthe Morisot et Mary Cassatt. (Wikiart).

Elle a commencé des cours de peinture à l'adolescence. (Artwizard).

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Marie Bracquemond

She was also a printmaker and created this self-portrait etching in 1880, titled “Young woman in front of her easel”.

Elle était également graveuse et a créé cet autoportrait à l'eau-forte en 1880, intitulé « Jeune femme devant son chevalet ».

Marie Bracquemond était effectivement une graveuse talentueuse, et elle a créé un autoportrait à l'eau-forte en 1880, intitulé "Jeune femme devant son chevalet". (Musée d’Orsay).

Ce dessin représente une femme artiste juchée sur un grand tabouret, devant un chevalet. (Paris Musée Collections).

Marie Bracquemond, née Marie Anne Caroline Quivoron le 1er décembre 1840 à Argenton-en-Landunvez et morte le 17 janvier 1916 à Sèvres, est une peintre, graveuse et céramiste française. (Wikipedia).

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Lee Krasner (1908-1984) est une artiste américaine essentielle de l’Expressionnisme Abstrait

 

Invisibilité des femmes :

Lee Krasner was labelled as "wife of Jackson Pollock” at a major London art gallery, while in another room Jackson Pollock didn’t seem to require to be named as anyone’s husband.

Lee Krasner était étiquetée comme « épouse de Jackson Pollock » dans une grande galerie d'art de 
Londres, tandis que dans une autre pièce, Jackson Pollock ne semblait pas avoir besoin d'être nommé 
mari de qui que ce soit.

Lee Krasner était étiquetée comme « épouse de Jackson Pollock ».

1908–1984

Lee Krasner a longtemps été considérée comme « épouse de Jackson Pollock », mais depuis les années 1980, sa place dans l’histoire de l’art abstrait américain a été largement revalorisée, soulignant son rôle en tant que pionnière et artiste à part entière.

En 1941, elle a rencontré Jackson Pollock (1912-1956) et a bientôt commencé une relation tumultueuse. Ils se sont mariés en 1945 et se sont séparés peu de temps avant la mort de Pollock.

(Gallerix).

L’ombre de Jackson Pollock plane toujours sur ces tableaux, certains critiques d’art y distinguant l’influence de son défunt époux. (Vanity Fair).

Longtemps peu reconnue comme artiste, parce que femme et épouse de Jackson PollockLee Krasner est maintenant considérée comme une figure clé au sein de l' abstraction. (Wikipedia).

En 1955, toujours par le truchement du collage, Lee Krasner se lance dans la plus « matisséenne ». (Universalis).

Lee Krasner (1908-1984) est une artiste américaine essentielle de l’Expressionnisme Abstrait, reconnue pour sa vision innovante, sa palette audacieuse et son rôle majeur dans la scène artistique, malgré une longue période d’ombre derrière son époux Jackson Pollock. Elle a développé un langage pictural personnel alliant rigueur formelle et explosion émotionnelle. (Art4you gallery).

Pendant les deux années suivantes, Pollock vit dans la pauvreté, d’abord avec Charles et, à l’automne 1934, avec son frère Sanford., Il partagera un appartement à Greenwich Village. (Chadwilken).

En 1938, Jackson Pollock subit une dépression nerveuse qui le mena en soin psychiatrique. (Journal de Montréal).

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Femmes artistes

Hommes qui dénigrent

Mépris et mauvaise foi

Otto Rank à Anaïs Nin.

Otto Rank utilise la mauvaise foi et le mépris pour dénigrer la création féminine, affirmant que les femmes manquent de « puissance créatrice » et que leurs œuvres relèvent de influences extérieures, une attitude problématique qui reflète le sexisme historique envers les femmes artistes.

Lorsqu’un homme guérit de sa névrose, il devient artiste », déclarait Otto Rank (1884-1939) à Anaïs Nin, dont il était le psychanalyste.

« Lorsqu’une femme guérit de sa névrose, elle devient femme. Lorsqu’un homme guérit de sa névrose, il devient artiste », déclarait Otto Rank (1884-1939) à Anaïs Nin.

Cynthia Fleury

L'Humanité

En 1926, Rank s'installe à Paris, devenant l'analyste d'Henry Miller et d'Anaïs Nin, avec qui il a une courte liaison. Il voyage en Amérique, où il rencontre un certain succès. (Babelio).

Otto Rank - Après avoir été un autodidacte souffreteux et désespéré, puis le collaborateur le plus proche de Freud, le voici qui hante les boîtes de jazz avec ses deux amis, Anaïs Nin et Henry Miller. (Le Monde).

Les femmes artistes qui dénoncent les stéréotypes et les inégalités font face à des réactions de mépris et de mauvaise foi qui reflètent une domination masculine persistante dans les décideurs, critiques et circuits artistiques, rendant l’entrée et la reconnaissance plus difficiles pour elles. (Blog artsper).

09 25

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Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600-1750.

Femmes artistes d'Anvers à Amsterdam, 1600-1750.

Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600-1750 showcases a broad range of work by more than forty Dutch and Flemish women artists, including Gesina ter Borch, Maria Faydherbe, Anna Maria de Koker, Judith Leyster, Magdalena van de Passe, Clara Peeters, Rachel Ruysch, Maria Tassaert, Jeanne Vergouwen, Michaelina Wautier, and more. Presenting an array of paintings, lace, prints, paper cuttings, embroidery, and sculpture, this exhibition draws on recent scholarship to demonstrate that a full view of women’s contributions to the artistic economy is essential to understanding Dutch and Flemish visual culture of the period.

Femmes artistes d'Anvers à Amsterdam, 1600-1750 présente un large éventail d'œuvres de plus de quarante artistes femmes néerlandaises et flamandes, dont Gesina ter Borch, Maria Faydherbe, Anna Maria de Koker, Judith Leyster, Magdalena van de Passe, Clara Peeters, Rachel Ruysch, Maria Tassaert, Jeanne Vergouwen, Michaelina Wautier, et bien d'autres. Présentant un éventail de peintures, de dentelles, d'estampes, de découpages de papier, de broderies et de sculptures, cette exposition s'appuie sur des recherches récentes pour démontrer qu'une vision globale des contributions des femmes à l'économie artistique est essentielle à la compréhension de la culture visuelle néerlandaise et flamande de cette période.

Women Artists from Antwerp to Amsterdam, 1600–1750 is organized in partnership with the Museum of Fine Arts in Ghent, Belgium.

L’exposition Femmes artistes d’Anvers à Amsterdam, 1600–1750 est organisée en partenariat avec le Musée des Beaux-Arts de Gand, en Belgique.

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women-artists-from-antwerp-to-amsterdam-1600-1750

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