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mercredi 24 septembre 2025

René Magritte - Suite


 

René Magritte

L'oiseau de ciel

1966

L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René Magritte créée en 1966, représentant un oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275 exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.

René Magritte, artiste surréaliste belge, a peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre en question la réalité. 

(Tableau galerie création).

La colombe est un symbole récurrent dans l'œuvre de René Magritte, représentant la paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des éléments comme La Victoire de Samothrace. (Magicalevents).

Magritte revient à Bruxelles pour y créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé à Magritte par Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).

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René Magritte

Le jockey perdu 

The lost jockey.

1926

Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).

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René Magritte

The human condition 

La condition humaine  

1935

La Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu depuis une fenêtre. (Wikipedia).

Ceci est un élément important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement.  (The history of art).

"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est "stérile", "vide", "sans contenu", "incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires et les choses les plus sublimes."

René Magritte

(Sublimations be).

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René Magritte

Le regard mental

The mind's gaze.

1946

Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).

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René Magritte

“Les Mémoires d'un saint”.

1960.

C’est assez incroyable de voir comment avec juste quelques éléments, Magritte arrive à recréer tout un monde. (L’art aux quatre vents).

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L'état de grâce.

1959.

Ndlr : Faire du vélo sur des cendres ?

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René Magritte

Le jockey perdu

The Lost Jockey.

Le Jockey Perdu (The Lost Jockey) est une œuvre majeure de René Magritte, créée en 1926, marquant son premier travail considéré comme surrealiste. Inspiré par Max Ernst et Giorgio De Chirico, Magritte y explore des thèmes de décalage et d'incongruité à travers un paysage étrange et une sphère mystérieuse.

"Le jockey perdu" est devenu l'un des sujets les plus iconiques de Magritte. L'œuvre a été conservée dans la collection de William N. Copley, un mécène et ami de l'artiste, avant d'être vendue aux enchères en 1979. Cette pièce illustre parfaitement le style surréaliste de Magritte, marqué par des juxtapositions insolites et une atmosphère onirique. (Qwant).

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16 personnes ont lu cet article.



lundi 28 juillet 2025

André Masson - Suite

 


André Masson

The Landscape of Wonders -Le paysage des merveilles

1935

Le "paysage des merveilles" d'André Masson évoque ses œuvres où l'imagination, la mythologie de la nature et la créativité se mêlent, notamment dans ses peintures rares et dessins qui illustrent sa quête d'exploration de l'inconscient et de l'univers merveilleux. (Le Quotidien).

Le Centre Pompidou-Metz consacre jusqu'au 2 septembre une remarquable rétrospective à l'artiste français proche de Georges Bataille, où se mêlent dans un flot tumultueux élan vital et visions. (Philomag).

Si le mythe s’estompe, la poésie prend le relais, la critique de l’image se poursuit ; mais demeure le rapport spécifique à la nature : André Masson n’est jamais devant le paysage. (Critique d’art).

En procédant à un «dépassement» des dogmes cubistes, André Masson «laisse aller sa plume en cherchant à aller au-delà du conscient». (Le quotidien).

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jeudi 24 juillet 2025

Henri Matisse - Suite.

 

Henri Matisse

Study for Wildlife The Man with the Cluster, 1905, from Musée de Grenoble.

Étude d'Henri Matisse pour « Faune L'Homme à la grappe », 1905, musée de Grenoble.

L'étude pour « Faune : L'Homme à la grappe » réalisée par Henri Matisse en 1905 est une préparatoire à l'œuvre, illustrant la recherche de simplification et d'expression par la couleur, avec une figuration schématique du personnage et une palette vibrante caractéristique du Fauvisme, conservée au musée de Grenoble.

Henri Matisse, une figure essentielle de l'art moderne et du fauvisme, nous offre dans "Study for Wildlife: The Man with the Cluster" un exemple intrigant de son exploration picturale précoce.

(Kuadros).

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Henri Matisse

L'olivier

The Olive Tree

1898

L'œuvre "The Olive Tree" de Henri Matisse, réalisée en 1898, est un paysage qui marque une phase précoce de sa carrière, avant son période fauviste. Elle se distingue par une application vigoureuse de la peinture et une  priorisation des effets atmosphériques plutôt que des détails formels.

L'Olivier est une peinture de paysage réalisée par Henri Matisse en 1898, durant un voyage en Corse, où il explore une lumière diffuse et des touches transparentes, laissant apparaître des zones de toile non peintes.

(Artchive).

C’est en 1898, lors d’un voyage en Corse, que Matisse découvre la lumière du Sud : « J’étais en Corse une année, c’est en allant dans ce pays merveilleux que j’ai appris à découvrir la Méditerranée ». (Muma Le Havre).

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Henri Matisse

Figure with Bouquet

Femme au bouquet (Figure avec bouquet)

1939

Figure avec Bouquet 1939 est une œuvre de Henri Matisse créée en 1939, illustrant son maîtrise de la couleur et de la composition dans le style fauve. (Kuadros).

The artwork titled “Figure with Bouquet” was created by the artist Henri Matisse in 1939. It is a work associated with the Fauvism movement, characterized by the use of strong colors and bold brushwork. The genre of the piece is classified as genre painting, which depicts scenes of everyday life. (Artchive).

L'œuvre intitulée « Figure au bouquet » a été créée par l'artiste Henri Matisse en 1939. Elle appartient au mouvement fauviste, caractérisé par l'utilisation de couleurs vives et d'une touche audacieuse. Elle est classée dans la peinture de genre, représentant des scènes de la vie quotidienne.

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Henri Matisse

Femme assise sur un balcon.

L'œuvre "Femme assise sur un balcon" de Henri Matisse a été réalisée entre 1920 et 1921 à Nice. Il s'agit d'une huile sur toile signée en bas à droite, mesurant 46,2 par 37,7 cm. Son authenticité a été confirmée par Georges Matisse. (Sothebys).

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Henri Matisse

Still life with aubergines

Nature morte avec des aubergines

1911.

Henri Matisse a peint "Nature morte avec des aubergines" en 1911, une œuvre marquée par des aplats de couleur et une composition complexe inspirée de Cézanne et Velázquez, où la profondeur est créée par les contrastes de couleur plutôt que par la perspective traditionnelle. (Painting planete).

Intérieur aux aubergines est un tableau d' Henri Matisse réalisé en 1911 dans son atelier de Collioure, dans les Pyrénées-Orientales. (Wikipedia).

Three aubergines are balanced precariously on a table whose red cloth carries an undulating white pattern that reinforces their tuberous shape.  (Henri Matisse).

Trois aubergines sont en équilibre précaire sur une table dont la nappe rouge porte un motif blanc ondulant qui renforce leur forme tubéreuse.

Il donne cette oeuvre au Musée de Grenoble car il sait qu’elle y sera exposée une fois acquise, et restera définitivement en France. (Musée de Grenoble).

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Henri Matisse

Still Life with Black Knives

Nature morte avec des couteaux noirs

1896.

En 1896, Henri Matisse crée "Still Life with Black Knives", une nature morte où il transforme des objets ordinaires en une composition harmonieuse de lumières, formes et couleurs, marquant le début de son exploration moderne de l'art. (Classical canvas).

Cet ensemble de naturemortes témoigne à l’automne 1896 de la timidité picturale de l’artiste qui reste encore confiné dans les vues d’intérieurs. (Musée Fabre).

Still Life with Black Knives’ was created in 1896 by Henri Matisse in Realism style. (Wikiart).

« Nature morte aux couteaux noirs » a été créée en 1896 par Henri Matisse dans un style réaliste.

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Henri Matisse

The Morning Session – La séance de trois heures.

1924

Henri Matisse a créé "The Morning Session" en 1924, une œuvre d'Expressionisme représentant une femme absorbée par son travail, avec des couleurs vives et un jeu de lignes verticales et horizontales. (Artchive).

Une femme assise à une table, engagée dans une activité manuelle (écriture ou dessin).

Intérieur lumineux et coloré, avec une lumière vive entrant par la fenêtre.

Jeu de lignes verticales et horizontales, notamment avec la robe rayée de la femme et les persiennes de la fenêtre.

Modèle : Henriette Darricarrère, qui a posé pour Matisse dans diverses activités.

L'œuvre capture les premiers efforts sérieux d'Henriette dans la peinture, après qu'elle ait abandonné la musique en raison de son trac.

La Séance de trois heures est conservée au Metropolitan Museum of Art à New York. (Qwant).

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dimanche 20 juillet 2025

Paul Cézanne - Suite.

 

Paul Cézanne

La femme et la cafetière.

"La femme à la cafetière" de Paul Cézanne, réalisée entre 1890 et 1895, est une œuvre emblématique de la période mûre de l'artiste, caractérisée par une géométrisation des formes et une perspective élevée, annonçant le cubisme, représentant une vie domestique avec une femme au visage fermé dans un intérieur, probablement une employée du Jas-de-Bouffan.

"La femme à la cafetière" de Paul Cézanne, réalisée entre 1890 et 1895, illustre l'évolution de son style vers une géométrisation des formes et une perspective innovante, marquant la maturité de son art et annonçant le cubisme.

(Dissertation en ligne).

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Paul Cézanne

Paysage bleu.

"Paysage bleu" de Paul Cézanne, réalisé entre 1904 et 1906, est considéré comme son dernier paysage et une œuvre quasi abstraite, illustrant son style unique qui préfigure le cubisme, et il est conservé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg. (Commons wikipedia).

Chez Paul Cézanne Paysage bleu est un chef-d'œuvre du post-impressionnisme, montrant son style unique et son influence sur l'art moderne. (Wahooart).

Paul Cézanne, un artiste français pionnier, a créé la peinture captivante Paysage bleu en 1903. Cette huile sur toile mesure 102 x 83 cm et est une représentation quintessence de son style unique. (artsdot).

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Paul Cézanne

Young Man and Skull

Jeune homme et crâne

1898

Jeune homme et crâne (1896–1898) montre un jeune homme assis près d’une table ornée de livres et d’un crâne sans mâchoire inférieure; les deux se regardent, l’homme méditant sur sa mortalité dans une posture Renaissance rappelant Melancholia. Le tableau est l’un des portraits tardifs complexes de Cézanne, où la relation entre le modèle et le décor souligne une lecture philosophique et sensorielle du thème. (Alamy images).

Elle résonne de silence : silence du crâne et aussi de la bouche du jeune homme. L'image exsude le silence. Livres et papiers sont parole figée, fermée. Le lieu n'a pas d'échappée sur le dehors. (Idixa).

Cette puissante méditation de Cézanne, dans les dernières années de sa vie, désoriente la plupart des commentateurs. L'un est étonné par l'attitude indifférente du jeune homme assis. (L’Express).

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Paul Cézanne

1906

Le jardin des Lauves

The Garden Terrace At Les Lauves

(1902-06)

Le Jardin des Lauves (1906) est une des dernières œuvres de Cézanne, réalisée dans son studio à Aix après l’achat du terrain en 1901; elle illustre une composition structurée et une recherche de l’espace pictural fondée sur des observations du modèle, en déclin de sa démarche antérieure mais empreinte d’inspiration et de sensations vives.

Le Jardin Terrasse (1902-06) est une autre œuvre des Lauves montrant des angles et la lumière du panorama provençal. (Artchives).

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Paul Cézanne

Mill on the River

Moulin sur la rivière

1906

Paul Cézanne a peint "Moulin sur la rivière" en 1906, une aquarelle représentant un paysage pastoral avec un moulin comme point focal, illustrant son intérêt pour les formes géométriques et l'harmonie entre nature et culture. (Kuadros).

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Paul Cézanne

Still life with basket

Nature morte avec un panier de fruits

1890

Musée d’Orsay – Paris.

Paul Cézanne a peint "Still Life with Basket of Apples" entre 1890 et 1894, une œuvre majeure du post-impressionnisme qui a influencé des mouvements comme le fauvisme et le cubisme. (Meisterdrucke).

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Paul Cézanne

Still Life with Statuette

Nature morte avec statuette.

Still Life with Statuette est une peinture de Paul Cézanne (1839-1906), un chef-d'œuvre de l'impressionnisme exposé au Musée National Suédois à Stockholm. Cette œuvre, réalisée à l'huile sur toile, mesure 81 x 63 cm et est référencée sous le numéro SNM128517. (Commons wiki).

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Paul Cézanne

The bend in the road

Le virage de la route

1905.

Paul Cézanne a peint "The Bend in the Road" vers 1905, une œuvre majeure du post-impressionnisme qui explore la nature à travers forme, couleur et abstraction, influençant des mouvements comme le cubisme. (Artchive).

La toile de Cézanne de 1905, Un virage sur la route, marque pour beaucoup le point de départ du modernisme européen et la fissure finale avec le XIXe siècle. (Prelive 1st art gallery).

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