René Magritte - Suite

 

René Magritte

L'oiseau de ciel

1966

L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René Magritte créée en 1966, représentant un oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275 exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.

René Magritte, artiste surréaliste belge, a peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre en question la réalité. 

(Tableau galerie création).

La colombe est un symbole récurrent dans l'œuvre de René Magritte, représentant la paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des éléments comme La Victoire de Samothrace. (Magicalevents).

Magritte revient à Bruxelles pour y créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé à Magritte par Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).

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René Magritte

Le jockey perdu 

The lost jockey.

1926

Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).

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René Magritte

The human condition 

La condition humaine  

1935

La Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu depuis une fenêtre. (Wikipedia).

Ceci est un élément important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement.  (The history of art).

"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est "stérile", "vide", "sans contenu", "incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires et les choses les plus sublimes."

René Magritte

(Sublimations be).

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René Magritte

Le regard mental

The mind's gaze.

1946

Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).

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René Magritte

“Les Mémoires d'un saint”.

1960.

C’est assez incroyable de voir comment avec juste quelques éléments, Magritte arrive à recréer tout un monde. (L’art aux quatre vents).

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L'état de grâce.

1959.

Ndlr : Faire du vélo sur des cendres ?

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René Magritte

Le jockey perdu

The Lost Jockey.

Le Jockey Perdu (The Lost Jockey) est une œuvre majeure de René Magritte, créée en 1926, marquant son premier travail considéré comme surrealiste. Inspiré par Max Ernst et Giorgio De Chirico, Magritte y explore des thèmes de décalage et d'incongruité à travers un paysage étrange et une sphère mystérieuse.

"Le jockey perdu" est devenu l'un des sujets les plus iconiques de Magritte. L'œuvre a été conservée dans la collection de William N. Copley, un mécène et ami de l'artiste, avant d'être vendue aux enchères en 1979. Cette pièce illustre parfaitement le style surréaliste de Magritte, marqué par des juxtapositions insolites et une atmosphère onirique. (Qwant).

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René Magritte

The happy donor

Le donateur heureux

1966

L'œuvre "The Happy Donor" (ou "L'Heureux Donateur") de René Magritte, créée en 1966, est une peinture symbolique du mouvement surrealiste représentant une silhouette d'homme remplie d'un paysage crépusculaire avec une maison illuminée et un croissant de lune. (Wikiart).

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René Magritte

1898-1967

“The Castle of the Pyrenees”  - Le Château des Pyrénées.

1959

Oil on canvas – Huile sur toile.

René Magritte a créé "Le Château des Pyrénées" en 1959, une huile sur toile mesurant 200 x 145 cm, actuellement exposée au musée d'Israël à Jérusalem. Cette œuvre emblématique du surréalisme représente un rocher géant suspendu au-dessus d'une mer agitée, avec un château perché dessus, illustrant l'univers onirique et poétique de l'artiste. (Qwant).

·  Contraste entre la lourdeur du rocher et la légèreté du château.

·  Défis à la perception : Magritte joue avec les notions de réalité et d'imagination. (Qwant).

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Le feu.

1943.

Musée René Magritte.

Bruxelles.

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Gabriele Münter - Artiste

 

Gabriele Münter

Artiste

Vue uniquement comme l'amoureuse de Kandinsky.

Gabriele Münter est souvent perçue comme l'amoureuse de Kandinsky, avec qui elle a partagé une relation de quatorze ans, mais elle était également une artiste indépendante majeure, cofondatrice du mouvement Der Blaue Reiter. (Audeladestoiles).

Et aujourd’hui, c’est grâce à toute cette sauvegarde qu’on peut voir de très belles expositions de Gabriele Münter, mais aussi de Kandinsky, de Franz Marc, et même de Paul Klee. (Beaux-Arts).

Éclipsée par l’aura de Vassily Kandinsky, qui fut son mentor et son amant, Gabriele Münter (1877-1962) fait partie des pionnières de l’art moderne. (Arte).

Gabriele Münter s’imposa comme une des figures majeures de l’expressionnisme allemand, aux côtés de Kandinsky qui fut son compagnon. (Connaissance des arts).

Cet été, le musée d’Art moderne de Paris lui consacre sa première rétrospective française, une occasion de (re)découvrir celle qui n’a longtemps été connue que comme la compagne de Kandinsky. (Paris musées).

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Petit déjeuner des oiseaux.

1934.

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1935

1921

Autoportraits.

Musée d'art moderne de Paris.

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Gabriele Münter

« Nature morte dans le tramway »

Dans le tram

Après les achats

1909

Artiste expressionniste.

Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande (1877-1962), est connue pour son œuvre "Nature morte dans le tramway", réalisée vers 1909-1912. Cette peinture, inspirée par une femme assise avec ses achats dans un tramway, se distingue par sa composition moderne et fragmentée.

Inspiration : une femme et ses emplettes dans un tramway.

Cette approche fragmentée et créative illustre son goût pour le fragment et sa liberté artistique.

Münter est co-fondatrice du groupe expressionniste "Le Cavalier Bleu" (Der Blaue Reiter) à Munich.

Elle a expérimenté divers supports, dont le verre, et a influencé d'autres artistes comme Kandinsky et Franz Marc.

Une rétrospective de son œuvre a été présentée au Musée d'Art Moderne de Paris, incluant cette "Nature morte dans le tramway". (Qwant).

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Gabriele Münter

Méditation

1917

"Méditation" est une œuvre de Gabriele Münter réalisée en 1917, représentative de l'expressionnisme, un mouvement artistique qui privilégie l'expression des émotions et des sentiments plutôt que la représentation fidèle de la réalité.

La peinture représente une figure contemplative assise à l'intérieur, perdue dans ses pensées, avec un regard dirigé vers l'horizon, évoquant une atmosphère d'introspection et de méditation.

Gabriele Münter utilise des couleurs pures appliquées en aplat, une caractéristique de son style expressionniste. Elle est connue pour peindre rapidement, souvent achevant plusieurs toiles en un après-midi.

Gabriele Münter (1877-1962) est une artiste allemande qui a étudié dans plusieurs écoles avant de devenir l'élève puis la compagne de Wassily Kandinsky. Ensemble, ils ont fondé le groupe expressionniste "Le Cavalier bleu". La Première Guerre mondiale a marqué une séparation entre les deux artistes, période durant laquelle Münter a voyagé et exploré d'autres styles artistiques comme le post-impressionnisme et le fauvisme. (Qwant).

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Gabriele Münter.

Painting featuring the top half of a figure with short dark hair and blue top in an interior in front of a large window through which houses are visible.

Tableau représentant le haut du corps d'une personne aux cheveux courts et foncés et vêtue d'un haut bleu, dans un intérieur devant une grande fenêtre à travers laquelle on aperçoit des maisons.

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Gabriele Münter

German Expressionist

Gabriele Münter in a photo taken by her sister on their visit to Texas in 1900.

Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande, sur une photo prise par sa sœur lors de leur visite au Texas en 1900.

-         Gabriele Münter, artiste expressionniste allemande, a effectué un voyage de deux ans aux États-Unis en 1898, accompagné de sa sœur Emmy. Lors de ce voyage, elles ont rendu visite à des membres de leur famille, notamment au Texas.

-         Cette image offre un aperçu de sa vie personnelle et de ses voyages avant qu'elle ne devienne une figure majeure de l'expressionnisme allemand et ne cofonde le cercle du Cavalier Bleu (Der Blaue Reiter) avec Vassily Kandinsky. (Qwant).

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Gabriele Münter

Kochel, Snowy Landscape with Houses

Kochel, paysage enneigé avec maisons

1909

Gabriele Münter : Kochel, Schneelandschaft mit Häusern (Kochel, Snowy Landscape with Houses).

Réalisée pendant un séjour de deux semaines en février 1909, où Münter et Wassily Kandinsky ont visité le compositeur Thomas von Hartmann et sa femme Olga Archádina.

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André Masson - Suite

 

André Masson

The Landscape of Wonders -Le paysage des merveilles

1935

Le "paysage des merveilles" d'André Masson évoque ses œuvres où l'imagination, la mythologie de la nature et la créativité se mêlent, notamment dans ses peintures rares et dessins qui illustrent sa quête d'exploration de l'inconscient et de l'univers merveilleux. (Le Quotidien).

Le Centre Pompidou-Metz consacre jusqu'au 2 septembre une remarquable rétrospective à l'artiste français proche de Georges Bataille, où se mêlent dans un flot tumultueux élan vital et visions. (Philomag).

Si le mythe s’estompe, la poésie prend le relais, la critique de l’image se poursuit ; mais demeure le rapport spécifique à la nature : André Masson n’est jamais devant le paysage. (Critique d’art).

En procédant à un «dépassement» des dogmes cubistes, André Masson «laisse aller sa plume en cherchant à aller au-delà du conscient». (Le quotidien).

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André Masson

4 Nues

Femme attaquée par des oiseaux – 1943

- L'œuvre Femme attaquée par des oiseaux de 1947 est une pointe-sèche sur papier, signée et numérotée, mesurant 38,5 x 28 cm. Elle fait partie du portfolio Brunidor 2, publié en 1952 par Robert Altmann à Paris.

La figure féminine centrale, les bras levés, est considérée comme une icône de la féminité par Masson. Les blessures sanglantes provoquées par les oiseaux contrastent avec l'érotisme de la composition, illustrant l'entrelacement d'Eros et Thanatos dans l'œuvre de Masson.

Masson a réalisé cinq études préparatoires pour cette œuvre, témoignant de l'attention particulière qu'il y a portée.

L'Idole – 1948

Cette œuvre fait partie des créations de Masson où il explore des thèmes mythologiques et des figures féminines stylisées.

Nymphe et satyre – 1962

Cette lithographie représente une scène mythologique avec des figures de nymphes et de satyres, caractéristiques de l'imaginaire surréaliste de Masson.

André Masson a créé "Nues l'idole" en 1948 et "Nymphe et satyre" en 1962, deux œuvres marquantes de sa carrière, illustrant son style surrealiste et son exploration de l’inconscient.

Ses œuvres ont été exposées dans de nombreux musées et galeries à travers le monde, notamment à Paris, Nîmes, et Barcelone. (Qwant).

 

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Pablo Picasso - Suite.

 

Pablo Picasso

Two acrobats (Harlequin and his companion)

Les deux saltimbanques

Arlequin et sa compagne

1901.

Les Deux Saltimbanques d'après Picasso, réalisé en 1901, représente l'Arlequin et sa compagne lors de sa période du Tableau de la Rue, mais la lithographie de 1960 évoque une réinterprétation de cette œuvre, tandis que l'original de 1901 est une peinture à l'huile conservée au Pushkin Museum.

Les Deux Saltimbanques de Picasso, peint en 1901 durant sa période bleue, représente un arlequin et sa compagne dans une ambiance sombre et mélancolique, utilisant principalement des tons bleus et violets pour évoquer la vulnérabilité et la condition humaine, symbolisant l'importance de l'art face à la souffrance.  

(Masterwork fineartgallery)

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Pablo Picasso

The Kitchen - La cuisine

November 1948 – Paris.

"La Cuisine" de Pablo Picasso, réalisée en novembre 1948 à Paris, est une œuvre monumentale, monochrome et presque abstraite, inspirée d'une cuisine blanche au rue des Grands-Augustins, avec des éléments comme des oiseaux et des assiettes colorées évoquant la scène quotidienne. (Guggenheim).

Picasso painted The Kitchen in November 1948, on the thirty-year anniversary of the death of the poet Guillaume Apollinaire, his dear friend. (Moma).

Picasso peint La Cuisine en novembre 1948, à l'occasion du trentenaire de la mort du poète Guillaume 

Apollinaire, son cher ami.

Ces questionnements plastiques mènent ici Picasso presque à l'abstraction, si ce n'étaient hibou, tourterelles et plantes, de la main, dit-on, de Françoise Gilot. (MuseePicassoParis).

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Pablo Picasso

L'Hétaïre (Courtisane au collier)

1901

Le tableau "L'hétaïre" de Pablo Picasso (1901), appartenant à la période bleue, a été vandalisé en juin 2024 par un militant écologiste au Musée des beaux-arts de Montréal, mais aucun dommage sérieux n'a été constaté grâce à un verre protecteur, et l'œuvre a été rapidement restaurée et remise en exposition. (Wikiart).

Magnifique copie du tableau original conservé à la Pinacothèque Agnelli réalisé par  Picasso en 1901  lors de son deuxième voyage à Paris. (Catawiki).

L'hétaire était dans l'Antiquité grecque une courtesane de bonne éducation, souvent célèbre, qui proposait sa compagnie et ses services sexuels de manière suivie. Le terme désigne aussi, par extension, une femme exerçant la vénalité en tant que courtisane ou prostituée. (Universalis).

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Pablo Picasso

Woman in a shaw

Femme dans un châle

Pablo Picasso – FEMME ASSISE (FEMME AU CHÂLE), œuvre huile sur toile datant de 1909, mesurant 80,5 x 65 cm et associée à la Fondation Beyeler. (Fondation Beyeler).

Dans Femme au châle polonais (Kessel no95), nous retrouvons la position frontale de la femme assise, le regard baissé, songeur, dans une composition à la vue plongeante d’une relative hardiesse. (Centre Pompidou).

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Pablo Picasso

Bust of Woman with Yellow Ribbon (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline) est une œuvre de Pablo Picasso réalisée en 1962, appartenant à ses années tardives et relevant des styles cubisme et surréalisme. (Flickr).

Colette became an integral part of Fin's extended family and was welcomed by Picasso and his wife Jacqueline into their home, Notre-Dame-de-Vie, outside Mougins and into their closely knit circle. (Christies).

Colette est devenue partie intégrante de la famille élargie de Fin et a été accueillie par Picasso et sa femme Jacqueline dans leur maison, Notre-Dame-de-Vie, à l'extérieur de Mougins et dans leur cercle très uni.

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Pablo Picasso

Portrait de Jacqueline accoudée

1959.

Femme accoudée est une linogravure originale de Pablo Picasso réalisée en 1959, représentant Jacqueline, son épouse. Cette œuvre, éditée par la Galerie Louise Leiris en 1960, est remarquable pour ses lignes pures et monumentales, mettant en valeur les courbes du corps et des détails comme les mains, les épaules et la chevelure. Elle mesure 75 x 61,8 cm et est signée par l'artiste. (Christies).

Femme accoudée, Jacqueline, est exceptionnelle par l’assurance, la précision et la pureté de ses lignes. Jacqueline est ici toute en courbes et monumentale. (Galerie Institut).

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Pablo Picasso

The chess

Le jeu d'échecs.

Pablo Picasso a créé "The Chess" en 1911, une œuvre emblématique du mouvement Analytical Cubism, représentant une nature morte avec des formes géométriques et une palette de couleurs terreuses. (Artchive).

The Chess est une œuvre séminale dans le canon cubiste, qui montre l'approche révolutionnaire de Picasso en matière de représentation.  (Wahooart).

Le jeu d'échecs dans la peinture est un thème qui a été largement utilisé au cours des siècles. Les artistes ont représenté aussi bien les partenaires devant le jeu d'échecs que les éléments du jeu. (Wikipedia).

Picasso and the Chess Player is the story of how Picasso and Duchamp came to define the epochal debate between modern and conceptual art-a drama that features a who's who of twentieth-century. (Jstor).

Picasso et le joueur d'échecs raconte comment Picasso et Duchamp en sont venus à définir le débat historique entre l'art moderne et l'art conceptuel - un drame qui met en vedette un who's who du XXe siècle.

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Le baiser.

Pablo Picasso.
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Pablo Picasso

1881-1973

Spanish - Espagnol

Un couple espagnol

1901

Huile sur toile.

Pablo Picasso a peint "Couple espagnol" en 1901, une huile sur toile marquée par des influences de Steinlen et Toulouse-Lautrec, reflétant son séjour en Espagne après sa première visite à Paris.

"Couple espagnol" est une huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1901. Cette œuvre capture des scènes de la vie espagnole, un thème récurrent dans les premières créations de l'artiste. Le tableau montre un couple espagnol, reflétant l'intérêt de Picasso pour la culture et les traditions de son pays natal.

Le style du personnage masculin évoque une nostalgie pour le sud de l'Espagne, suggérant que le tableau pourrait avoir été créé pendant un séjour à Málaga avant son installation à Madrid.

Picasso revisite souvent des scènes de différents endroits qu'il a visités en Espagne, y compris Barcelone. (Qwant).

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Pablo

Picasso Garçon à la pipe

1905

Le Garçon à la pipe est un tableau de Pablo Picasso réalisé en 1905, lors de sa « période rose » lorsqu'il avait vingt-quatre ans et venait de s'installer à Montmartre, à Paris. (Wikipedia).

Garçon à la pipe représente "le petit Louis", un adolescent qui passait la majeure partie de son temps à traîner dans les ateliers de Picasso à Le Bateau-Lavoir, à Montmartre. (Gallerix ru).

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Pablo Picasso

Spring - Printemps.

Pablo Picasso a peint "Le printemps" en 1956, une œuvre cubiste représentant une chèvre et probablement son fils Claude, inspirée par son séjour heureux à Cannes. (Wikiart).

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Pablo Picasso

Atelier

The studio at La Californie

1956

En 1956, Pablo Picasso a peint The Studio at La Californie, une œuvre représentant l'intérieur de son nouvel atelier situé dans la villa La Californie près de Cannes, mettant en avant des références artistiques variées et l'architecture orientale de la villa.

Picasso s'installe à "La Californie", une vaste villa du XIXe siècle surplombant la baie de Cannes, en été 1955.

Captivé par l'architecture orientale de la villa, il utilise son nouvel atelier comme source d'inspiration artistique.

Dès octobre 1955, il commence à peindre des scènes représentant un coin de l'atelier et une des fenêtres ornées.

Jacqueline Roque, muse et compagne de Picasso, est représentée dans certaines œuvres de cette série.

(Qwant).

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Pablo Picasso

Paysage

1928.

Le tableau Paysage de Pablo Picasso, réalisé en 1928, est une œuvre naïve et primitive qui dépeint un paysage serein et onirique avec des éléments architecturaux et une végétation stylisée, utilisant une palette de tons doux et des formes géométriques simples.

Les bâtiments sont représentés par des formes géométriques simples, sans détails complexes mais évocateurs de structures.

Cette œuvre illustre la versatilité de Picasso, qui a exploré divers styles au-delà de son célèbre cubisme. Elle appartient à une période où l'artiste a expérimenté avec des influences variées, notamment le primitivisme et le surréalisme. (Qwant).

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