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samedi 16 mai 2026

Charles Baudelaire et Jeanne Duval

 


Charles Baudelaire et Jeanne Duval

1. Qui était Jeanne Duval

Jeanne Duval (Florine Jeanne Gabrielle Prosper, dite Jeanne Duval) était une comédienne franco‑haïtienne née le 18 novembre 1818 à Port‑au‑Prince et décédée le 20 décembre 1868 à Saint‑Denis. Elle fut la maîtresse et la muse du poète Charles Baudelaire

Son identité a longtemps été entourée de mystère : son vrai nom, ses origines exactes (Haïti, La Réunion, Saint‑Domingue, Saint‑Barthélemy…) et même sa date de naissance ont fait l’objet de nombreuses hypothèses 

. Elle était souvent décrite comme une mulâtresse ou une « Vénus noire »

2. La relation amoureuse

Baudelaire et Duval se rencontrèrent en 1842 (entre le 9 avril et le 27 mai) à Montmartre 

Leur liaison fut marquée par de fréquentes séparations et réconciliations :

  • Septembre 1856 : nouvelle rupture 
  • Début 1859 : ils vivent de nouveau ensemble, puis Baudelaire s’installe seul à Honfleur  (fr.wikipedia.org)

Ils partageaient un domicile à l’Île Saint‑Louis, 6 rue de la Femme‑Sans‑Tête (aujourd’hui rue Le Regrattier)  (fr.wikipedia.org)

3. Influence sur l’œuvre de Baudelaire

Jeanne Duval fut la source d’une grande partie de la poésie de Baudelaire :

  • « La Chevelure », « Les Bijoux », « Le Balcon », « Le Léthé », « Les Bijoux », « Les bos », « Femmes damnées », « Les Métamorphoses du vampire » (lacauselitteraire.fr)
  • Elle inspira également des poèmes comme « Le serpent qui danse » et « La chevelure » (branchesculture.com)

Son image fut aussi capturée par Baudelaire lui‑même dans un dessin à l’encre de Chine daté du 27 février 1865, conservé aujourd’hui au Musée d’Orsay  (lessaintsperes.fr)

4. Contexte social et politique

Duval, femme noire et métisse, vivait dans une France oscillant entre empire et république. Son statut de mulâtresse la rendait « scandaleuse » aux yeux de certains contemporains, mais elle demeurait libre et indépendante 

Sa présence à Paris, ainsi que son rôle de muse, ont été perçus comme un défi aux normes sociales de l’époque  (pandesmuses.fr)

5. Autres relations de Baudelaire

Au cours de leur liaison, Baudelaire a également entretenu des infidélités :

  • 1852 : relation avec Apollonie Sabatier, dite « la Présidente » 
  • 1854 : affection pour l’actrice Marie Daubrun, source de Invitation au voyage

Ces épisodes ont parfois provoqué la jalousie de Duval, mais la relation entre les deux a continué à se nourrir de passion et de création  (lacauselitteraire.fr)

 

Charles Baudelaire – Statue – Honfleur

Dans le Jardin des Personnalités de Honfleur, un buste de Charles Baudelaire est exposé parmi les nombreuses figures historiques et culturelles de la ville.

  • Le jardin, inauguré en 2004 par Michel Lamarre, couvre 10 hectares et se situe sur une ancienne vasière de l’estuaire de la Seine.
  • Les bustes sont disposés dans des « bateaux‑jardins » qui servent de supports décoratifs.
  • Le buste de Baudelaire a été réalisé par l’artiste Christian Champagne et est identifié comme une œuvre d’art public à Honfleur  (fr.wikipedia.org)

- Portrait de Jeanne Duval – 1865

  • Auteur : Charles Baudelaire
  • Date : 27 février 1865 (annotation de Auguste Poulet‑Malassis)
  • Technique : encre noire à la plume (encre de Chine)
  • Dimensions : 20,5 cm × 14,5 cm (H × L)  (collections.louvre.fr)

Contexte

  • Le portrait est l’un des quatre dessins que Baudelaire a réalisés de Jeanne Duval, sa maîtresse de couleur, dont la vie et l’apparence ont inspiré plusieurs poèmes du « cycle de Jeanne » dans Les Fleurs du mal  (artcurial.com)
  • La main de Baudelaire y est annotée « Quaerens /quem/ devoret » et la main de Poulet‑Malassis indique « Dessin de Baudelaire 27 fév. 1865 »

Provenance et collection

  • Louvre (Département des Arts graphiques) – numéro d’inventaire RF 41644, Recto, acquis en 1988 via Drouot, Hôtel, Paris (collections.louvre.fr)
  • Musée d’Orsay – copie achetée en 1988 (public sale) et conservée dans la collection du musée  (musee-orsay.fr)

-         Constantin Guys - Portrait d'une femme brune - Portrait de Jeanne Duval – 1860

Le fichier Constantin Guys – Jeanne Duval (présumé).jpg est présenté sur Wikipédia comme un portrait présumé de Jeanne Duval, la compagne de Charles Baudelaire, réalisé par le peintre Constantin Guys (1802‑1892)  (fr.wikipedia.org)

  • Support / Technique : lavis, encre, aquarelle 
  • Dimensions : 21,4 × 15,2 cm 
  • Provenance : collection Jean Bonna ; la photo du fichier a été prise par Naomi Wenger (latribunedelart.com)
  • Date de création : le contexte fourni ne précise pas la date exacte de la réalisation de l’œuvre. Le titre mentionne « 1860 », mais aucune source dans le contexte ne confirme cette année ; il s’agit donc d’une information non vérifiée  (fr.wikipedia.org)

Il est important de noter que le portrait de Jeanne Duval présenté au Musée d’Orsay est une œuvre de Charles Baudelaire, et non de Constantin Guys  (musee-orsay.fr)

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mercredi 13 mai 2026

Palestine - 2024 - La Rochelle - Cisjordanie - Flamme olympique - Angers - Thiago Avila et Saif Abu Keshek -

 

La Rochelle : des panneaux détournés pour alerter sur la situation en Palestine.

Jeudi 30 mai, une action a été organisée par Les Soulèvements de la Terre La Rochelle et Extinction Rebellion La Rochelle afin de dénoncer les agissements d’Israël en Palestine

Vendredi 31 mai, les Soulèvements de la Terre La Rochelle et Extinction Rebellion La Rochelle ont revendiqué l’action « Stop Génocide Palestine » menée la veille, à La Rochelle.

L’action a consisté à peindre plusieurs panneaux Stop avec les mentions « Stop Génocide », « Stop colonialisme ».

Sud Ouest.    

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Cisjordanie

Puits cimentés

Nettoyage ethnique.

Contre-attaque.

Une vidéo montrant un camion-toupie bétonnant une source d'eau en Cisjordanie a circulé ces derniers jours sur les réseaux sociaux. (Libération – 2023).

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Palestine

Drapeau palestinien pendant la flamme olympique.

FLAMME OLYMPIQUE À ANGERS : UN BATEAU POUR LA PALESTINE SUR LA MAINE – La piraterie n'est jamais finie.

La courageuse embarcation montrait aussi une banderole avec le message : «Israël aux JO ?» et un drapeau israélien tâché de sang.

(Contre-attaque).

Un Mayennais interpellé le long du relais de la flamme pour avoir brandi un drapeau palestinien. Mercredi, à Mayenne, lors du passage du relais de la flamme olympique, un Mayennais a été interpellé pour avoir brandi un drapeau palestinien. Il s'agit de Jean-Luc Bansard, le directeur du théâtre du Tiroir à Laval. (France Bleu).

Il a essayé de brandir un drapeau palestinien lors du passage de la flamme olympique place Clemenceau, à Mayenne. (Ouest France).

C'est avec des drapeaux palestiniens que nous voulions accueillir la flamme olympique de passage ce 11 mai à Sisteron. (Marseille info autonome).

Un drapeau palestinien a été déployé dans le centre-ville de Rennes lors du passage de la flamme olympique.

Flamme olympique à Rennes : un drapeau palestinien déployé depuis un balcon au moment du passage de la flamme.(Actu).

De Nanterre à Ivry :

C'est de là qu'est parti ce dimanche après-midi leur bateau recouvert de drapeaux palestiniens, qui va voguer sur la Seine.  (Le Parisien).

Petit pays peu réputé pour ses talents sportifs, la Palestine a dû attendre les Jeux olympiques d'Atlanta, en 1996, pour faire flotter son drapeau. (Le Parisien – 2023).

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Qui sont Thiago Avila et Saif Abu Keshek ?

Thiago Avila est un militant brésilien et Saif Abu Keshek est un militant palestinien‑espagnol.
Ils faisaient partie de la Global Sumud Flotilla, un groupe humanitaire qui a tenté de franchir le blocus israélien de Gaza en avril 2026.

Arrestation et détention

  • Le 30 avril 2026, la marine israélienne a intercepté la flottille au large de la Grèce, dans les eaux internationales, et a arrêté les deux militants 
  • Ils ont été transférés à la prison de Shikma puis présentés devant le tribunal d’instance d’Ashkelon le 3 mai 2026, où la détention a été prolongée de deux jours supplémentaires, jusqu’au 5 mai 
  • Le tribunal a demandé une prolongation de quatre jours, invoquant des infractions présumées telles que l’assistance à l’ennemi, le contact avec un agent étranger, l’appartenance à une organisation terroriste, etc.
  • Les avocates de l’ONG Adalah (Hadeel Abu Salih, Lubna Tuma) ont contesté la légalité de la procédure, soulignant l’absence de fondement juridique pour appliquer ces infractions à des ressortissants étrangers en eaux internationales 

Conditions de détention

Les militants sont maintenus en isolement, les yeux bandés, et observent une grève de

  • Des allégations de sévices physiques (coup, évanouissements) ont été rapportées par la coordinatrice internationale d’Adalah, Miriam Azem

Réactions internationales

  • Le ministère des Affaires étrangères espagnol a qualifié l’arrestation d’illégale et a exigé la libération immédiate de Saif Abu Keshek (humanite.fr)
  • Le parquet de Rome a ouvert une enquête pour séquestration des deux hommes, après trois plaintes déposées suite à l’abordage  (humanite.fr)

Déportation

  • Le 10 mai 2026, le ministère israélien des Affaires étrangères a annoncé la déportation de Thiago Avila et Saif Abu Keshek hors d’Israël, après la conclusion d’une enquête  (i24news.tv)

En résumé, Thiago Avila (brésilien) et Saif Abu Keshek (palestinien‑espagnol) étaient des militants de la Global Sumud Flotilla, arrêtés en eaux internationales, détenus en Israël sous des accusations de lien avec le Hamas, soumis à des conditions de détention inhumaines, et finalement déportés le 10 mai 2026. (Qwant)

05 26

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jeudi 24 juillet 2025

Henri Matisse - Suite.

 

Henri Matisse

Study for Wildlife The Man with the Cluster, 1905, from Musée de Grenoble.

Étude d'Henri Matisse pour « Faune L'Homme à la grappe », 1905, musée de Grenoble.

L'étude pour « Faune : L'Homme à la grappe » réalisée par Henri Matisse en 1905 est une préparatoire à l'œuvre, illustrant la recherche de simplification et d'expression par la couleur, avec une figuration schématique du personnage et une palette vibrante caractéristique du Fauvisme, conservée au musée de Grenoble.

Henri Matisse, une figure essentielle de l'art moderne et du fauvisme, nous offre dans "Study for Wildlife: The Man with the Cluster" un exemple intrigant de son exploration picturale précoce.

(Kuadros).

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Henri Matisse

L'olivier

The Olive Tree

1898

L'œuvre "The Olive Tree" de Henri Matisse, réalisée en 1898, est un paysage qui marque une phase précoce de sa carrière, avant son période fauviste. Elle se distingue par une application vigoureuse de la peinture et une  priorisation des effets atmosphériques plutôt que des détails formels.

L'Olivier est une peinture de paysage réalisée par Henri Matisse en 1898, durant un voyage en Corse, où il explore une lumière diffuse et des touches transparentes, laissant apparaître des zones de toile non peintes.

(Artchive).

C’est en 1898, lors d’un voyage en Corse, que Matisse découvre la lumière du Sud : « J’étais en Corse une année, c’est en allant dans ce pays merveilleux que j’ai appris à découvrir la Méditerranée ». (Muma Le Havre).

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Henri Matisse

Figure with Bouquet

Femme au bouquet (Figure avec bouquet)

1939

Figure avec Bouquet 1939 est une œuvre de Henri Matisse créée en 1939, illustrant son maîtrise de la couleur et de la composition dans le style fauve. (Kuadros).

The artwork titled “Figure with Bouquet” was created by the artist Henri Matisse in 1939. It is a work associated with the Fauvism movement, characterized by the use of strong colors and bold brushwork. The genre of the piece is classified as genre painting, which depicts scenes of everyday life. (Artchive).

L'œuvre intitulée « Figure au bouquet » a été créée par l'artiste Henri Matisse en 1939. Elle appartient au mouvement fauviste, caractérisé par l'utilisation de couleurs vives et d'une touche audacieuse. Elle est classée dans la peinture de genre, représentant des scènes de la vie quotidienne.

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Henri Matisse

Femme assise sur un balcon.

L'œuvre "Femme assise sur un balcon" de Henri Matisse a été réalisée entre 1920 et 1921 à Nice. Il s'agit d'une huile sur toile signée en bas à droite, mesurant 46,2 par 37,7 cm. Son authenticité a été confirmée par Georges Matisse. (Sothebys).

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Henri Matisse

Still life with aubergines

Nature morte avec des aubergines

1911.

Henri Matisse a peint "Nature morte avec des aubergines" en 1911, une œuvre marquée par des aplats de couleur et une composition complexe inspirée de Cézanne et Velázquez, où la profondeur est créée par les contrastes de couleur plutôt que par la perspective traditionnelle. (Painting planete).

Intérieur aux aubergines est un tableau d' Henri Matisse réalisé en 1911 dans son atelier de Collioure, dans les Pyrénées-Orientales. (Wikipedia).

Three aubergines are balanced precariously on a table whose red cloth carries an undulating white pattern that reinforces their tuberous shape.  (Henri Matisse).

Trois aubergines sont en équilibre précaire sur une table dont la nappe rouge porte un motif blanc ondulant qui renforce leur forme tubéreuse.

Il donne cette oeuvre au Musée de Grenoble car il sait qu’elle y sera exposée une fois acquise, et restera définitivement en France. (Musée de Grenoble).

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Henri Matisse

Still Life with Black Knives

Nature morte avec des couteaux noirs

1896.

En 1896, Henri Matisse crée "Still Life with Black Knives", une nature morte où il transforme des objets ordinaires en une composition harmonieuse de lumières, formes et couleurs, marquant le début de son exploration moderne de l'art. (Classical canvas).

Cet ensemble de naturemortes témoigne à l’automne 1896 de la timidité picturale de l’artiste qui reste encore confiné dans les vues d’intérieurs. (Musée Fabre).

Still Life with Black Knives’ was created in 1896 by Henri Matisse in Realism style. (Wikiart).

« Nature morte aux couteaux noirs » a été créée en 1896 par Henri Matisse dans un style réaliste.

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Henri Matisse

The Morning Session – La séance de trois heures.

1924

Henri Matisse a créé "The Morning Session" en 1924, une œuvre d'Expressionisme représentant une femme absorbée par son travail, avec des couleurs vives et un jeu de lignes verticales et horizontales. (Artchive).

Une femme assise à une table, engagée dans une activité manuelle (écriture ou dessin).

Intérieur lumineux et coloré, avec une lumière vive entrant par la fenêtre.

Jeu de lignes verticales et horizontales, notamment avec la robe rayée de la femme et les persiennes de la fenêtre.

Modèle : Henriette Darricarrère, qui a posé pour Matisse dans diverses activités.

L'œuvre capture les premiers efforts sérieux d'Henriette dans la peinture, après qu'elle ait abandonné la musique en raison de son trac.

La Séance de trois heures est conservée au Metropolitan Museum of Art à New York. (Qwant).

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Henri Matisse photographié par Robert Capa en 1949.
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Henri Matisse

Autoportrait.

Musée d’Orsay – Paris.

1918.

L'autoportrait de Henri Matisse réalisé en 1918 est une huile sur toile de 65 x 54 cm, exposée au Musée Matisse à Le Cateau-Cambrésis, France. Il représente l'artiste avec une tenue brune, des lunettes, un pinceau et une palette, dans une posture digne et intellectuelle. (Qwant).

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Henri Matisse

Boléro violet

1937.

Boléro Violet est une œuvre de Henri Matisse créée en 1937, représentant Princesse Hélène Galitzine, une de ses principales modèles de l'époque, avec une utilisation audacieuse de la couleur et des détails expressifs.

"Boléro Violet" est un portrait réalisé par Henri Matisse en 1937. Cette œuvre, représentative du mouvement expressionniste, met en scène une jeune femme, Princess Hélène Galitzine, vêtue d'une veste boléro violette. Le tableau est caractérisé par l'utilisation audacieuse de la couleur et des détails décoratifs, typiques du style de Matisse à cette époque. (Qwant).

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La tristesse du roi.

1952.

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Autoportrait du maître avant sa mort.

Gouache découpée.

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"Comme toutes les timides, elle cachait bien son je".
Jeu de mots avec "cacher son jeu".
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Joaquina.
1911.
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Henri Matisse,

Vase, Bottle and Fruit

Vase, bouteille et fruit

1906

Collection : State Hermitage Museum, Saint‑Pétersbourg, Russie.

L’œuvre est un still‑life (= nature morte, Ndlr) typique de la période fauve de Matisse. Le tableau présente un vase, une bouteille et des fruits disposés sur une table, créant un contraste de couleurs vives et de tons plus sombres qui donne de la profondeur à la scène  (artchive.com)

Le tableau a été peint sur une toile déjà peinte, comme le révèle une étude par rayons X ; les teintes sombres de l’œuvre précédente transparaissent à travers une fine couche de blanc  (hermitagemuseum.org)

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Henri Matisse

Vue sur la baie de Tanger

Vista sobre la bahia de Tanger.

Henri Matisse a réalisé en 1912 cette peinture à l’huile sur toile, représentant la ville de Tanger et son port sur la baie du même nom. L’œuvre a été confiée au Musée de Grenoble par Marcel Sembat et Georgette Agutte en 1923 et y est toujours exposée aujourd’hui.

View over the Bay of Tangier est donc une peinture de 1912 à l’huile sur toile, illustrant Tanger et son port, conservée au Musée de Grenoble depuis 1923.  (en.wikipedia.org)

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Henri Matisse

Vase of Sunflowers

Vase avec des tournesols.

Henri Matisse a réalisé cette nature morte en huile sur toile vers 1898‑99.
L’œuvre est aujourd’hui conservée au Musée de l'Ermitage à Saint‑Pétersbourg, où elle fait partie de la collection de M.I. Tsetlin  (pinterest.com)

Caractéristiques principales

  • Style : œuvre emblématique du fauvisme et de l’impressionnisme précoce de Matisse, marquée par des couleurs vives et des coups de pinceau expressifs  (wahooart.com)
  • Sujet : un vase contenant des tournesols représentés de façon dynamique, évoquant la joie, la beauté et l’harmonie typiques de l’artiste  (masterapollon.fr)
  • Signification : il s’agit d’une œuvre de jeunesse qui montre déjà la force de Matisse pour simplifier la forme et mettre l’accent sur l’essentiel, un thème récurrent dans sa carrière  (astilllifecollection.blogspot.com)
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Henri Matisse

Le petit déjeuner

1920

Lieu : Musée d’art de Philadelphie (Philadelphia Art Museum)  (thearkofgrace.com)

Modèle : Antoinette Arnoud, qui se penche dans sa chaise et regarde son livre, évoquant une atmosphère de rêverie mélancolique. Le décor comprend une nappe rayée rouge‑blanche, une chaise rembourrée et un miroir ovale, éléments récurrents dans les œuvres de Matisse des années 1920  (thearkofgrace.com)

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Henri Matisse

Plumes blanches

1919

La toile a été produite à l’époque où Matisse travaillait avec la jeune Antoinette Arnaud, alors âgée de dix‑neuf ans, qui fut son modèle principal pour cette œuvre  (facebook.com)

Les Plumes blanches est souvent citée comme une illustration de la transition de Matisse vers un style plus coloré et simplifié, marquant son exploration de la forme et de la couleur.  (bridgemanimages.com)

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Portrait de la baronne Gourgaud.
1924.

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Baronne Eva Gourgaud.
Période niçoise.
Style fauviste.
Centre Pompidou.
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Femme à la fenêtre.
1920.
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Henri Matisse

La pudeur

1906

La peinture représente une femme, probablement la femme de Matisse, dans une pose contemplative, tenant une branche de fleurs 

Le choix d’un sujet classique sert à mettre en relief la modernité de la représentation, caractérisée par des zones de couleur non modérées 

Contexte historique

  • Période fauve : Matisse a développé son Fauvisme à partir de 1905, notamment lors d’un séjour à Collioure avec André Derain 
  • Acquisition : L’œuvre a été achetée rapidement par Sarah Stein, l’une des plus grandes mécènes de l’artiste, ce qui a consolidé la reconnaissance et la stabilité financière de Matisse 

Provenance et ventes

  • La peinture a été mise aux enchères chez Christie’s (lot 5099999)  (christies.com)
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mardi 22 juillet 2025

Mary Cassatt - Suite

 

Mary Cassatt

Dans l'Omnibus

1891.

In the Omnibus is part of a group of ten color prints that she included in her first independent exhibition, held in 1891. (The Metropolitan museum of art).

« In the Omnibus » fait partie d'un groupe de dix tirages couleur qu'elle a inclus dans sa première 
exposition indépendante, organisée en 1891.

Quel est le sujet de Mary Cassatt ? Femmes et enfants . Mary Cassatt est surtout connue pour ses tendres scènes de femmes avec de jeunes enfants. Elle a commencé à explorer ce sujet à la fin des années 1880, en gravure et en peinture. Certaines des femmes représentées dans ces œuvres étaient des mères, mais beaucoup étaient des gardiennes rémunérées qui servaient de modèles à l'artiste. (Colby museum).

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Mary Cassatt

La lettre

1890 – 1891.

"La Lettre" de Mary Cassatt (1890-1891) est une estampe en aquatinte, pointe sèche et vernis mou, illustrant une activité quotidienne avec une composition influencée par l’estampe japonaise, notamment celle d’Utamaro, caractérisée par une partie supérieure claire et un petit format, actuellement conservée à la National Gallery.

L’œuvre a été réalisée entre 1890 et 1891, ce qui correspond par ailleurs à l’époque où Cassatt se prend d’admiration pour l’estampe japonaise d’Utamaro. (Culturez vous).

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Mary Cassatt

Portrait of Lydia Cassatt

1880

Mary Cassatt a peint deux portraits de sa sœur Lydia en 1880 : "Lydia Crocheting in the Garden at Marly" et "Autumn, Portrait of Lydia Cassatt", tous deux reflétant son état de santé fragile.

Ce portrait montre Lydia assise sur un banc dans un parc arboré en automne. Elle porte des vêtements colorés et son expression reflète sa maladie.

Ce tableau a été peint alors que la santé de Lydia se dégradait. Il est considéré comme un hommage à sa sœur.

Ce tableau est conservé au Petit Palais à Paris. (Qwant).

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Mary Cassatt

Cup of Tea 

Tasse de thé

Lieu de conservation : Metropolitan Museum of Art, New York

Sujet : scène domestique montrant une femme tenant une tasse de thé, illustrant un rituel social de la classe moyenne supérieure

Style : impressionniste, utilisation de couleurs contrastées et complémentaires. (Qwant).

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Mary Cassatt

Autoportrait

Self-Portrait

1878.

Musée du MET à New York.

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Mary Cassatt

Woman with a Pearl Necklace in a Loge.

Femme avec un collier de perles dans une loge.

1879

Lieu : Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États‑Unis – acquis en 1978 par testament de Charlotte Dorrance Wright (en.wikipedia.org)

Description de l’œuvre

Le tableau représente une jeune femme, probablement sa sœur Lydia, assise sur une grande chaise rouge dans les balcons de l’Opéra de Paris. Elle regarde un miroir qui reflète la scène de la loge, donnant l’impression d’être au cœur de la salle de spectacle  (en.wikipedia.org)

  • Éclairage : Cassatt prête une attention particulière aux effets de l’éclairage artificiel sur les tons chair, influence directe de son ami Edgar Degas (en.wikipedia.org)
  • Composition : Le décor est rendu de façon gestuelle et libre, avec des figures de spectateurs esquissées en coups de pinceau rapides, typiques de l’impressionnisme  (en.wikipedia.org)
  • Détails vestimentaires : La femme porte une robe rose, un éventail, un collier de perles et des gants, reflétant les codes de la haute société parisienne  (fr.wikipedia.org)
  • Ambiance : L’œuvre capture l’enthousiasme de la vie nocturne parisienne, un thème cher aux impressionnistes, et illustre la fascination de Cassatt pour les scènes de théâtre  (cineclubdecaen.com)

Cassatt a exposé cette peinture lors de la quatrième exposition impressionniste de 1879, où elle a reçu beaucoup d’éloges  (philamuseum.org)

Elle faisait partie d’une série de scènes de théâtre qu’elle a réalisées à la fin des années 1870, montrant son intérêt pour la vie nocturne et l’influence de Degas (cineclubdecaen.com)

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Mary Cassatt

Elsie Cassatt Holding a Big Dog

1880

Mary Cassatt

Elsie Cassatt tenant un gros chien

1880

L’œuvre représente une jeune fille, Elsie Cassatt, tenant un gros chien. Le rendu pastel confère une douceur à la scène, typique de la sensibilité de Cassatt pour les moments intimes de la vie domestique. L’artiste, active dans le mouvement impressionniste, privilégiait les scènes familiales et les interactions entre femmes et enfants, offrant ainsi une perspective subtile sur les rôles sociaux de son époque . (Qwant).

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Mary Cassatt :

The Banjo Lesson, 1893 by Impressionist painter Mary Cassatt

La leçon de banjo, 1893, par la peintre impressionniste Mary Cassatt

Collections :

  • National Gallery of Art, Washington D.C. (nga.gov)

Contexte artistique
L’œuvre illustre un moment de vie quotidienne, typique de l’approche de Cassatt qui se concentrait sur les scènes familiales et les relations humaines. Elle a été réalisée peu avant l’exposition mondiale de 1893 à Chicago, où Cassatt avait également conçu un mur mural pour le pavillon des femmes (artmuseumgr.org)

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Mary Cassatt 

Le bain d’enfant

1893:

US painter Mary Cassatt was one of the first Western painters to portray real mother-child intimacy as opposed to formal family portraits, reflecting social changes.

The Child's Bath, 1893

La peintre américaine Mary Cassatt fut l'une des premières artistes occidentales à représenter l'intimité authentique entre une mère et son enfant, en rupture avec les portraits de famille traditionnels, reflétant ainsi les mutations sociales.

Le bain de l'enfant (1893) – Mary Cassatt

Titre : Le bain de l'enfant (également appelé La toilette de l'enfant)
Artiste : Mary Cassatt (1844‑1926)
Date : 1893
Support : huile sur toile
Dimensions : 100 × 66 cm (100,3 × 66,1 cm selon la numérotation du musée)  

Lieu actuel : Art Institute of Chicago (inventaire No. 1910.2)  (flickr.com)

Contexte artistique

Mary Cassatt était une peintre américaine proche des Impressionnistes, mais elle a développé une approche très personnelle du thème de la maternité et de l’enfance. En 1893, elle a produit Le bain de l'enfant, une œuvre qui illustre cette fascination pour les moments intimes du foyer.

La composition s’inspire fortement des estampes japonaises qu’elle a découvertes à Paris en 1890. Elle adopte leur plan aplati et l’absence d’ombres, ainsi que la perspective plongeante qui place le spectateur au-dessus de la scène, comme s’il observait le bain depuis le dessus de la bassine. Cette technique crée un sentiment de proximité tout en préservant l’intimité de la scène  (museumtv.art)

Description de la scène

  • Mère : vêtue d’une robe à rayures, elle tient la petite fille dans ses bras, transmettant protection et tendresse.
  • Enfant : la petite fille, nue, est assise dans une bassine d’eau chaude. Le reflet de son visage dans l’eau suggère une prise de conscience de soi, un thème que Cassatt a voulu souligner  (museumtv.art)
  • Ambiance : le contraste entre la blancheur des jambes de l’enfant et les rayures de la robe de la mère renforce la fragilité de l’enfant.
  • Éléments décoratifs : motifs décoratifs et plan aplati évoquent les estampes japonaises, ajoutant une dimension esthétique supplémentaire à la scène quotidienne  (flickr.com)

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