Pablo Picasso - Suite.

 

Pablo Picasso

Two acrobats (Harlequin and his companion)

Les deux saltimbanques

Arlequin et sa compagne

1901.

Les Deux Saltimbanques d'après Picasso, réalisé en 1901, représente l'Arlequin et sa compagne lors de sa période du Tableau de la Rue, mais la lithographie de 1960 évoque une réinterprétation de cette œuvre, tandis que l'original de 1901 est une peinture à l'huile conservée au Pushkin Museum.

Les Deux Saltimbanques de Picasso, peint en 1901 durant sa période bleue, représente un arlequin et sa compagne dans une ambiance sombre et mélancolique, utilisant principalement des tons bleus et violets pour évoquer la vulnérabilité et la condition humaine, symbolisant l'importance de l'art face à la souffrance.  

(Masterwork fineartgallery)

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Pablo Picasso

The Kitchen - La cuisine

November 1948 – Paris.

"La Cuisine" de Pablo Picasso, réalisée en novembre 1948 à Paris, est une œuvre monumentale, monochrome et presque abstraite, inspirée d'une cuisine blanche au rue des Grands-Augustins, avec des éléments comme des oiseaux et des assiettes colorées évoquant la scène quotidienne. (Guggenheim).

Picasso painted The Kitchen in November 1948, on the thirty-year anniversary of the death of the poet Guillaume Apollinaire, his dear friend. (Moma).

Picasso peint La Cuisine en novembre 1948, à l'occasion du trentenaire de la mort du poète Guillaume 

Apollinaire, son cher ami.

Ces questionnements plastiques mènent ici Picasso presque à l'abstraction, si ce n'étaient hibou, tourterelles et plantes, de la main, dit-on, de Françoise Gilot. (MuseePicassoParis).

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Pablo Picasso

L'Hétaïre (Courtisane au collier)

1901

Le tableau "L'hétaïre" de Pablo Picasso (1901), appartenant à la période bleue, a été vandalisé en juin 2024 par un militant écologiste au Musée des beaux-arts de Montréal, mais aucun dommage sérieux n'a été constaté grâce à un verre protecteur, et l'œuvre a été rapidement restaurée et remise en exposition. (Wikiart).

Magnifique copie du tableau original conservé à la Pinacothèque Agnelli réalisé par  Picasso en 1901  lors de son deuxième voyage à Paris. (Catawiki).

L'hétaire était dans l'Antiquité grecque une courtesane de bonne éducation, souvent célèbre, qui proposait sa compagnie et ses services sexuels de manière suivie. Le terme désigne aussi, par extension, une femme exerçant la vénalité en tant que courtisane ou prostituée. (Universalis).

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Pablo Picasso

Woman in a shaw

Femme dans un châle

Pablo Picasso – FEMME ASSISE (FEMME AU CHÂLE), œuvre huile sur toile datant de 1909, mesurant 80,5 x 65 cm et associée à la Fondation Beyeler. (Fondation Beyeler).

Dans Femme au châle polonais (Kessel no95), nous retrouvons la position frontale de la femme assise, le regard baissé, songeur, dans une composition à la vue plongeante d’une relative hardiesse. (Centre Pompidou).

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Pablo Picasso

Bust of Woman with Yellow Ribbon (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline) est une œuvre de Pablo Picasso réalisée en 1962, appartenant à ses années tardives et relevant des styles cubisme et surréalisme. (Flickr).

Colette became an integral part of Fin's extended family and was welcomed by Picasso and his wife Jacqueline into their home, Notre-Dame-de-Vie, outside Mougins and into their closely knit circle. (Christies).

Colette est devenue partie intégrante de la famille élargie de Fin et a été accueillie par Picasso et sa femme Jacqueline dans leur maison, Notre-Dame-de-Vie, à l'extérieur de Mougins et dans leur cercle très uni.

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Pablo Picasso

Portrait de Jacqueline accoudée

1959.

Femme accoudée est une linogravure originale de Pablo Picasso réalisée en 1959, représentant Jacqueline, son épouse. Cette œuvre, éditée par la Galerie Louise Leiris en 1960, est remarquable pour ses lignes pures et monumentales, mettant en valeur les courbes du corps et des détails comme les mains, les épaules et la chevelure. Elle mesure 75 x 61,8 cm et est signée par l'artiste. (Christies).

Femme accoudée, Jacqueline, est exceptionnelle par l’assurance, la précision et la pureté de ses lignes. Jacqueline est ici toute en courbes et monumentale. (Galerie Institut).

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Pablo Picasso

The chess

Le jeu d'échecs.

Pablo Picasso a créé "The Chess" en 1911, une œuvre emblématique du mouvement Analytical Cubism, représentant une nature morte avec des formes géométriques et une palette de couleurs terreuses. (Artchive).

The Chess est une œuvre séminale dans le canon cubiste, qui montre l'approche révolutionnaire de Picasso en matière de représentation.  (Wahooart).

Le jeu d'échecs dans la peinture est un thème qui a été largement utilisé au cours des siècles. Les artistes ont représenté aussi bien les partenaires devant le jeu d'échecs que les éléments du jeu. (Wikipedia).

Picasso and the Chess Player is the story of how Picasso and Duchamp came to define the epochal debate between modern and conceptual art-a drama that features a who's who of twentieth-century. (Jstor).

Picasso et le joueur d'échecs raconte comment Picasso et Duchamp en sont venus à définir le débat historique entre l'art moderne et l'art conceptuel - un drame qui met en vedette un who's who du XXe siècle.

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Le baiser.

Pablo Picasso.
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Pablo Picasso

1881-1973

Spanish - Espagnol

Un couple espagnol

1901

Huile sur toile.

Pablo Picasso a peint "Couple espagnol" en 1901, une huile sur toile marquée par des influences de Steinlen et Toulouse-Lautrec, reflétant son séjour en Espagne après sa première visite à Paris.

"Couple espagnol" est une huile sur toile réalisée par Pablo Picasso en 1901. Cette œuvre capture des scènes de la vie espagnole, un thème récurrent dans les premières créations de l'artiste. Le tableau montre un couple espagnol, reflétant l'intérêt de Picasso pour la culture et les traditions de son pays natal.

Le style du personnage masculin évoque une nostalgie pour le sud de l'Espagne, suggérant que le tableau pourrait avoir été créé pendant un séjour à Málaga avant son installation à Madrid.

Picasso revisite souvent des scènes de différents endroits qu'il a visités en Espagne, y compris Barcelone. (Qwant).

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Pablo

Picasso Garçon à la pipe

1905

Le Garçon à la pipe est un tableau de Pablo Picasso réalisé en 1905, lors de sa « période rose » lorsqu'il avait vingt-quatre ans et venait de s'installer à Montmartre, à Paris. (Wikipedia).

Garçon à la pipe représente "le petit Louis", un adolescent qui passait la majeure partie de son temps à traîner dans les ateliers de Picasso à Le Bateau-Lavoir, à Montmartre. (Gallerix ru).

• Date de création : 1905, pendant la Rose Period de Picasso.
• Médium : huile sur toile, dimensions : 100 × 81,3 cm.
• Modèle : un adolescent nommé “p’tit Louis”, fréquentateur du Bateau‑Lavoir à Montmartre.
• Contexte : Picasso a expérimenté plusieurs poses avant de choisir le garçon assis, puis a ajouté une couronne de roses et un bouquet derrière lui.
• Vente : l’œuvre a été vendue à Sotheby’s New York le 5 mai 2004 pour 104,2 M$ (au-dessus de l’estimation).
• Provenance : achetée initialement par John Hay Whitney en 1950 pour 30 000 $US.

Ces informations proviennent des sources  (pablopicasso.org),  (blog.artsper.com) et  (wikiart.org).

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Pablo Picasso

Spring - Printemps.

Pablo Picasso a peint "Le printemps" en 1956, une œuvre cubiste représentant une chèvre et probablement son fils Claude, inspirée par son séjour heureux à Cannes. (Wikiart).

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Pablo Picasso

Atelier

The studio at La Californie

1956

En 1956, Pablo Picasso a peint The Studio at La Californie, une œuvre représentant l'intérieur de son nouvel atelier situé dans la villa La Californie près de Cannes, mettant en avant des références artistiques variées et l'architecture orientale de la villa.

Picasso s'installe à "La Californie", une vaste villa du XIXe siècle surplombant la baie de Cannes, en été 1955.

Captivé par l'architecture orientale de la villa, il utilise son nouvel atelier comme source d'inspiration artistique.

Dès octobre 1955, il commence à peindre des scènes représentant un coin de l'atelier et une des fenêtres ornées.

Jacqueline Roque, muse et compagne de Picasso, est représentée dans certaines œuvres de cette série.

(Qwant).

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Pablo Picasso

Paysage

1928.

Le tableau Paysage de Pablo Picasso, réalisé en 1928, est une œuvre naïve et primitive qui dépeint un paysage serein et onirique avec des éléments architecturaux et une végétation stylisée, utilisant une palette de tons doux et des formes géométriques simples.

Les bâtiments sont représentés par des formes géométriques simples, sans détails complexes mais évocateurs de structures.

Cette œuvre illustre la versatilité de Picasso, qui a exploré divers styles au-delà de son célèbre cubisme. Elle appartient à une période où l'artiste a expérimenté avec des influences variées, notamment le primitivisme et le surréalisme. (Qwant).

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Pablo Picasso

Cirque ambulant

1922.

Titre officiel : Cirque forain (titre alternatif : Cirque ambulant). (Qwant).

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22 personnes ont lu cet article.

 

Françoise Gilot - Suite.

 

Françoise Gilot

Geneviève pensive

1942.

Le premier amour de Françoise Gilot ne fut pas Pablo Picasso, mais Geneviève Aliquot. (PrestigeS).

En 1942, c'est avec son amie d'enfance, la peintre Geneviève Aliquot, qu'elle fait sa première exposition dans une galerie parisienne à l'âge de 22 ans. (Paris Zig-zag).

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Pablo Picasso

Françoise Gilot

1946

Détail.

Portrait de Françoise Gilot en 1946 avec ses cheveux, représentés lâches et bouclés, reflétant sa passion et sa détermination.

En 1946, Pablo Picasso rencontre Françoise Gilot, une jeune artiste française. Leur relation, à la fois amoureuse et artistique, durera près de dix ans.

Leur rencontre se fait d'abord autour de leur passion commune pour l'art.

Leur relation est marquée par une forte passion mais aussi par des tensions.

Françoise Gilot est décrite comme une femme déterminée et forte, capable de tenir tête à Picasso.

Elle est la seule compagne à avoir quitté Picasso de sa propre initiative.

- En mai-juin 1946, Picasso crée une série d'œuvres dédiées à Françoise.

En été, ils passent des vacances ensemble à Menerba.

- Elle a eu deux enfants avec Picasso : Claude (1947) et Paloma (1949).

Elle est décédée le 6 juin 2023 à New York.

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Elena Poniatowska - Leonora -

 

Elena Poniatowska

Leonora

Editions Actes Sud

2012 – Traduit par Claude Fell.

 

Leonora Carrington

"Je n'avais pas le temps d'être une muse. Je passais trop de temps à me rebeller."

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Elle est née le 6 avril 1917. (p 434). Sa mère est irlandaise et  a vécu en Irlande jusqu’à ses 17 ans. (p 45).

Leonora Carrington  a des visions depuis l’enfance. (p 41). Elle ressent une telle force qu’il est impossible de la repousser. (p 43). « Je suis un phénomène à part. » (p 49). Toute sa vie, elle sera soutenue par sa maman, Maurie, qui lui achètera la maison de Saint-Martin en Ardèche. (p 140). Maurie lui envoie régulièrement de l’argent. Leonora deviendra mère de deux fils, avec Chiki Weisz, un Hongrois, au Mexique.

En 1948, James Edward, milliardaire, organise la première exposition de ses tableaux à New York. ((p 364).

 

 

L’éducation inégalitaire.

Leonora pense que son père et ses frères mentent quand ils disent qu’une fille ne peut pas faire comme eux. Elle cogne aussi fort qu’eux et dessine mieux qu’eux. (p 19).

En 1932, les sœurs la trouvent « incontrôlable » car elle a trop de tempérament. (p 40).

Son père a une suite permanente au Ritz, à Paros. (p 44).

Elle gâche toutes les chances d’un mariage « noble », rêvé par ses parents qui sont déçus et se sentent trahis par elle. (p 59).

Elle se plaindra durant toute sa vie de son père qui l’a persécutée depuis son enfance. Il déshérite sa fille et répartit l’argent entre ses trois fils.

 

Max Ernst.

Aux côtés de Max Ernst, la bête à sept têtes de l’Apocalypse est une colombe. (p 67). Il a peint « La Fessée ». La Vierge corrige Jésus, enfant. (p 85).

Il est né à Brühl près de Cologne. Il juge criminelle l’attitude des imbéciles qui ont dirigé les armées pendant la première guerre mondiale. Breton et Freud les discréditent en développant leurs travaux sur l’inconscient. (p 69).

Elena  rencontre Max Ernst en 1936, pendant la guerre d’Espagne. Il se fait entretenir. En amour, il est veule et aime les trios.

Gala – Eluard – Ernst.

Leonora – Marie-Berthe Aurenche – Ernst. (p 122).

Après l’arrestation de Max, pendant la seconde guerre mondiale (il a été interné trois fois). La peur dans les yeux de Leonora envahit la pièce et emplit la maison. (p 157).

Quand Leonora retrouve Max à New York, il lui sert de mentor. (p 268).

 

Max Ernst

La Fuite

1940

Max Ernst a peint "La fuite" en 1940, utilisant la technique de décalcomanie pour créer des formes denses et atmosphériques, reflétant son sentiment d'urgence et de fuite devant la guerre. (Qwant).

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Alcoolisme.

A midi, au Portugal,  on boit des cocktails. Les femmes prennent du Porto glacé jusqu’à leur enivrement. On fait la sieste l’après-midi. Le matin, on termine la nuit avec des « nightscaps » dans les lits. (p 248).

Peggy Guggenheim est jalouse de la beauté de Leonora. « Servez-moi un whisky double. Laissez-moi la bouteille. » (p 255).

A Mexico, Renato l’emmène à des fêtes chez Frida Kahlo. Les serveurs remplissent les verres de tequila dès qu’ils sont vides. (p 300). Certains sont ivres et cherchent leur maman. Lors d’une seconde fête, tout le monde tourne autour des pichets d’eau-de-vie. (p 301).

Les frères de Leonora boivent l’héritage du père, mort en 1946.

A San Cristobal, l’eau-de-vie que l’on vend aux paysans mexicains est meurtrière. (p 439).

 

Maladie mentale.

Leonora est internée à Santander, après l’arrestation de Max. Elle écrira plus tard, son expérience à Santander, dans « En bas » (100 pages). Elle est aidée par Jeanne, la femme du docteur Pierre Mabille,  pour cela,. (p 333). Son père veut la faire interner en Afrique du Sud, et pendant le transfert, Leonora s’échappe. Ses symptômes sont envahissants. Elle regarde sans cesse derrière elle. Elle fume comme un pompier. Elle se frotte les mains. Elle perd la boule. Elle change de voix et de rythme. Elle a des pertes de mémoire. Son comportement est excentrique. (p 271).

Renato Lucas, un Mexicain,  lui sauve la vie après sa fuite de l’hôpital psychiatrique et l’emmène à New York.

Elle prend une douche toute habillée et se plante devant Bunuel, en pleine party (= fête). (p 272).

« Ce qui compte le plus, c’est que tes idées ne te détruisent pas » dit Remediosà Leonora. (p 316).

Elle porte des chaussures qui réduisent les distances. ( !). (p 317).

 

Les sorcières.

Le Lancashire était un pays de sorcières. Douze femmes ont été pendues à Pendle Hill, au dix-septième siècle. (p 31).

 

La nature.

Le frêne est le plus grand et le plus beau des arbres de la planète. Il plonge ses racines dans la mer, ses branches soutiennent le ciel et les fées l’habitent. (p 14).

Le vert d’Irlande flamboie comme s’il y avait une lumière sous la terre. (p 47).

Pourquoi les humains entretiennent-ils les vignes ? Voici une légende possible :

A Saint-Martin-d’Ardèche au Moyen-Age,, l’âne Bourriquet a dévoré une partie de la vigne. L’année suivante, la vendange fut meilleure. Depuis, on taille les vignes. (p 140).

 

Venise.

La lagune d’eau de mer est sur le point de mourir. La putréfaction, les détritus  s’accumulent dans son sang épais. Moribonde, elle est dégénérescente. Les eaux stagnantes apportent la mort par empoisonnement. (p 51).

Valerie Thornton

Venise

The Bridge – Le Pont

1954

Valerie Thornton a créé l'œuvre "The Bridge" (Le Pont), une peinture à l'huile rare parmi ses travaux, connue pour son atmosphère et son intérêt architectural. (Worwick ac uk).

Valerie Thornton est une artiste britannique connue pour ses gravures, mais elle a également réalisé des peintures à l'huile comme "The Bridge" (1954), une œuvre rare qui met en valeur son intérêt pour l'architecture et les figures humaines. (Art uk).

Valerie Thornton, née le 13 avril 1931 à Londres, était une peintre et graveuse britannique connue pour ses gravures inspirées de l'architecture des églises médiévales, notamment de la période romane. Elle a étudié à la Byam Shaw School of Drawing and Painting et au Regent Street Polytechnic, puis a travaillé à Atelier 17 à Paris en 1954. (Annex galleries).

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Robert Brindley

British

1949

Sparkling Morning Light, Grand Canal, Venice.

Robert Brindley

Britannique

1949

Lumière scintillante du matin, Grand Canal, Venise.

Robert Brindley est un artiste britannique connu pour ses peintures du Grand Canal de Venise, notamment ses aquarelles et ses impressions limitées comme "Morning Light, Grand Canal, Venice".

Brindley s'inspire de la vue depuis le pont de l'Accademia, notamment de l'église Santa Maria della Salute.

• Brindley utilise des aquarelles et des peintures à l'huile pour représenter Venise.
• Il travaille souvent sur place, puis affine ses œuvres en atelier. (Qwant).

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Dora Maar.

Elle est rudoyée par Picasso. Elle attire la pitié quand elle entre dans un café. « Regarde dans quel état l’a laissée Picasso ». (p 95).

 

Peggy Guggenheim va protéger Max Ernst. (p 99). Quand ils rejoindront le Portugal, à Lisbonne, après avoir été aidés par Varian Fry, à la Villa d’Air-Bel à Marseille,  ils seront en couple. A New York, Peggy est la pourvoyeuse et Leonora est l’inspiratrice de Max Ernst. (p 268).

 

Vivien Leigh.

Elle vient la visiter à Mexico. Elle frappe à la porte, attend et prend le thé dans la cuisine. (p 431).

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Discrédit

Raconter tout et son contraire

"Comment se discréditer? En racontant tout et son contraire".

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Portugal.

Plus 0,3% d'excédent de PIB.

10 25.

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Leonora Carrington :

Labyrinth, 1991 by Leonora Carrington, UK-born Mexican artist, surrealist painter, and novelist.

Labyrinthe, 1991, de Leonora Carrington, artiste mexicaine née au Royaume-Uni, peintre surréaliste et romancière.

Painting of a spiral green hedged maze with odd figures and creatures appearing to stand or walk around inside.

Peinture représentant un labyrinthe en spirale entouré de haies vertes, avec d'étranges figures et créatures semblant se tenir debout ou se promener à l'intérieur.

'I didn’t have time to be anyone’s muse... I was too busy rebelling...".

« Je n’avais pas le temps d’être la muse de qui que ce soit… J’étais trop occupée à me rebeller… ».

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Leonora Carrington

La fille du Minotaure

1953.

·  Titre original : And Then We Saw the Daughter of the Minotaur (1953)  (websites.umass.edu)

·  Figures : deux enfants entourés de créatures hybrides (hyènes, chevaux, etc.)  (beauxarts.com)

·  Symboles : boules de cristal (divination), végétation (vignes), ciel étoilé et nuages flottants, créant un mélange de réel et de rêve  (websites.umass.edu)

·  Thèmes :

• Hybrides et bestiaires mythologiques, question de l’anthropocentrisme  (fabula.org)
• Rituels communautaires entre humains et animaux  (fabula.org)
• Influence de la mythologie grecque et de la littérature fantastique (Lewis Carroll)   (beauxarts.com)

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Leonora Carrington

Soeurs de la lune, Lucienne

1932

Sisters of the moon.

L'Humanité

• Cette aquarelle fait partie de la série Sisters of the Moon, créée par Carrington entre 1932‑1933, alors qu’elle était adolescente à Florence. La série raconte des histoires de magiciennes, de princesses et de leurs animaux familiers (chiens, chevaux, bestiaire fantastique). Elle s’inspire de contes de fées, de la littérature fantastique et du folklore européen, notamment irlandais, et intègre des éléments mythologiques et ésotériques  (francefineart.com)

Exposition au Musée du Luxembourg

• La série, y compris Sisters of the Moon, Lucienne, est exposée dans la grande rétrospective consacrée à Carrington au Musée du Luxembourg, Paris, du 18 février au 19 juillet 2026. L’exposition présente 126 œuvres, dont cette aquarelle, et offre un aperçu de l’évolution de son univers surréaliste, de ses premiers bestiaires à ses dernières toiles alchimiques  (francefineart.com)

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