Berthe Morisot. Suite.

 

Berthe Morisot.

Roses trémières.

1884.

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Edouard Manet

Le repos.

Berthe Morisot

1871

Le Repos d' Édouard Manet est une œuvre datant de 1871 environ. C'est une huile sur toile de 150,2 × 114 cm qui représente Berthe Morisot en robe blanche alors qu'elle est assise éventail en main dans un canapé rouge. Elle est conservée au Rhode Island School of Design Museum de Providence, aux États-Unis.

(Wikipedia).

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Eugène Manet à l'île de Wight.

1875.

Par Berthe Morisot.

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Berthe Morisot

"The Garden at Bougival,"

1884

French, 1841-1895

Musée Marmottan Monet, Paris, France

Berthe Morisot

« Le Jardin de Bougival »

1884

Française, 1841-1895.

Exposition : le tableau a été présenté à la Huitième Exposition impressionniste, la dernière de la série  (facebook.com).

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Berthe Morisot

Jeunes femmes et jeunes filles avec un chapeau.

- Tulipes – 1890

Tulipes est une aquarelle de 1890 qui illustre la sensibilité impressionniste de Morisot à travers un bouquet de tulipes, réalisée sur papier et exposée au Musée Marmottan à Paris. (Qwant)

- Jeune fille sur l'herbe – 1885 (Isabelle Lambert)

Assise dans un jardin, elle est vue de face, la tête légèrement tournée vers la droite. Un chapeau de paille à larges bords, orné de fleurs, encadre le front de la fillette. A gauche, une gerbe de pensées détachant sur la verdure ses tons veloutés. A droite, une cage posée sur une table. (Viau huma num).

- Sous l'oranger – Sa fille Julie

This painting represents her daughter Julie, who became her favorite subject in the last two decades of her life. Julie appears in the garden of Morisot's winter home near Nice in the south of France. The setting is an exotic one with overarching orange trees and Julie's pet green parrot in a birdcage to the left. As a well-off bourgeois woman (and therefore subject to rules of suitable public behavior), Morisot was unable to travel around Paris without an escort and, as a result, focused largely on domestic scenes. Her contemporary art critics such as Gustave Geffroy in 1881, lauded her with praise: "No one represents Impressionism with more refined talent or more authority than Morisot." (Daily art magazine)

Ce tableau représente sa fille Julie, qui devint son sujet de prédilection durant les deux dernières décennies de sa vie. Julie apparaît dans le jardin de la résidence d'hiver de Morisot, près de Nice, dans le sud de la France. Le décor est exotique, avec ses orangers majestueux et, à gauche, le perroquet vert de Julie dans sa cage. Bourgeoise aisée (et donc soumise aux règles de bienséance), Morisot ne pouvait se déplacer seule dans Paris et se concentra de ce fait principalement sur les scènes d'intérieur. Ses contemporains critiques d'art, comme Gustave Geffroy en 1881, la louaient : « Personne ne représente l'impressionnisme avec un talent plus raffiné ni avec plus d'autorité que Morisot. » (Daily Art Magazine)

- Sur le falaise - Les Grandes Dalles - Mme Pontillon et sa fille Jeanne – Edma et Jeanne

 Sujet : Mme Pontillon et sa fille Jeanne, représentées sur une falaise.

Exposition : L’œuvre a été présentée chez Nadar lors de la première exposition des impressionnistes (Grand‑Palais, 1991)  (collections.louvre.fr)

- Dans le jardin de Maurecourt – Berthe Morisot et une fille d’Edma

Le tableau représente un jardin verdoyant, typique de la campagne française, avec des éléments de verdure et de lumière qui caractérisent le style impressionniste de Morisot (instagram.com)

Le Jardin de Maurecourt est l’une des œuvres les plus connues de Morisot, illustrant son intérêt pour les scènes de plein air et la lumière naturelle (instagram.com)
La peinture est réalisée en 1884, comme indiqué dans les catalogues et les bases de données d’art (br.pinterest.com)

- Femme en gris debout – 1880

• Collection : œuvre de la collection particulière  (flickr.com)

Cette pièce illustre le style impressionniste de Morisot, caractérisé par l’usage de pastels et de fusain pour capturer la lumière et la texture de la scène. Elle a été mise en valeur dans une exposition qui mettait en lumière les liens entre l’œuvre de la première femme impressionniste et l’art du XVIIIᵉ siècle, notamment les œuvres de Antoine Watteau, François Boucher, Jean‑Honoré Fragonard et Jean‑Baptiste Perronneau  (flickr.com)

- Jour d'été – 1879

Deux femmes, vêtues de robes légères, sont assises dans une petite barque sur un lac du Bois de Boulogne  (fr.wikipedia.org)

La composition se décompose en trois plans :

1. Premier plan : les deux femmes au centre de la barque.
2. Deuxième plan : l’eau et les canards.
3. Troisième plan : un bosquet d’arbres en arrière‑plan  (fr.wikipedia.org)

 Morisot a appliqué de grandes quantités de peinture avec des coups de pinceau souples et énergiques, créant une surface « peau » irrégulière qui s’écarte de la structure lisse de l’académie  (fr.wikipedia.org)

La palette inclut un bleu céruléen pour le manteau de la femme à gauche, un mélange de vert émeraude, viride, blanc de plomb et jaune de cadmium pour le feuillage  (fr.wikipedia.org)

Morisot a commencé à peindre en plein air après l’arrivée de son premier enfant, Julie, en 1878‑1879  (fr.wikipedia.org)

Le tableau est conservé à la National Gallery de Londres et fait partie de la collection Lane Bequest  (nationalgallery.org.uk)

- Jeune fille lisant - Julie Manet à Gorey

1888

La peinture représente une jeune fille assise dans un fauteuil, absorbée par la lecture d’un livre. L’observateur la surprend dans un moment de loisir, de détente et de recueillement, soulignant l’intimité et la sérénité propres aux œuvres de Morisot (rivagedeboheme.fr)

L’œuvre est conservée à la Fondation Bemberg – Hôtel d’Assézat (France) et figure dans leur catalogue sous l’inventaire 2174 (webmuseo.com)

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Berthe Morisot

Jeunes femmes au bal

Alfred Stevens - Retour du bal ou Douloureuse certitude - 1861

Lieu de conservation : Château de Compiègne (en dépôt) – l’œuvre est conservée dans la collection du musée d’Orsay avant d’être transférée au château de Compiègne  (proantic.com)
Description : La peinture représente une jeune femme, assise dans un fauteuil capitonné, qui rentre du bal au petit jour. Elle porte une robe à crinoline d’un jaune éclatant, et l’ensemble de la scène est empreint d’une atmosphère de douloureuse certitude : la femme semble porter le poids de la soirée tout en affichant une certaine mélancolie.
Signature : Le tableau est signé « A Stevens » (ligature) sur le verso, accompagné d’une ancienne étiquette portant la date Retour du bal 1861  (commons.wikimedia.org)

- Au bal – 1875

Le tableau représente une jeune femme en robe de bal tenant un éventail ouvert contre sa joue, dans un portrait à mi‑corps.

L’artiste met l’accent sur la mousseline du corsage, les gants et l’éventail qui contrastent avec la chevelure et les fleurs sombres.

Des touches de jaune, rouge, bleu et vert égayent la composition, typiques de la palette restreinte de 1875.

Le décor intérieur de l’appartement de l’avenue d’Eylau se distingue par des plantes luxuriantes en arrière‑plan.

Références

• marmottan.fr (Musée Marmottan‑Monet, notice 4020.)
• fr.wikipedia.org (Wikipédia, article « Au bal ».)

- Femme à sa toilette – 1879

Lieu : Le tableau est présent dans la collection du The Art Institute of Chicago 

Description de l’œuvre

• La scène montre une femme en train de se défaire de ses cheveux, un moment intime et discret.
• Contrairement à certaines représentations de l’époque, la femme ne se reflète pas dans le miroir ; cette absence de reflet rend le regard du spectateur plus confiant qu’un simple voyeur .
• L’artiste utilise des couleurs douces (crèmes, lavandes, roses, verts) qui font presque fondre la figure dans le décor, tandis que des tons plus foncés (comme le choker) ancrent l’ensemble .
• Les traits de pinceau sont feutrés et relativement discrets, rappelant l’influence de Bien que très acclamée de son vivant, elle n’a pas rencontré le même succès commercial que ses pairs masculins, mais elle a surclassé Monet, Renoir et Sisley en termes de ventesManet sur son travail . (Qwant).

- Jeune fille en décolleté la fleur aux cheveux – 1893

Modèle : Marthe, l’un des modèles favoris de Morisot, représentée de trois quarts à mi‑corps, vêtue d’une robe largement décolletée  (parismuseescollections.paris.fr)

- Femme en toilette de bal – 1879

Morisot utilisait ce tableau pour explorer les moments intimes de la vie féminine du XIXᵉ siècle, un thème récurrent dans son œuvre, souvent réservé aux sphères privées  (pinterest.com, facebook.com)

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Berthe Morisot

Jeunes femmes assises sur un sofa

- Femme en gris étendue – 1879

Berthe Morisot a réalisé cette peinture en 1879, représentant une jeune femme vêtue d’une robe grise, étendue sur un canapé. L’œuvre est souvent citée dans les expositions consacrées à l’impressionnisme, notamment au Musée Marmottan et au Musée d’Orsay. (Qwant)

- Jeune femme assise sur un sofa – 1879

Le tableau représente une jeune femme assise sur un canapé. Elle porte une robe blanche, un chapeau orné de fleurs bleues et tient un éventail pastel. Des hydrangeas roses se trouvent à ses pieds, créant un contraste de couleurs douces. Le style caractéristique de Morisot se manifeste par des touches de pinceau légères et un rendu lumineux qui donne une impression de vitalité et de charme  (thearkofgrace.com)

Acquisition : la peinture a été offerte à The Metropolitan Museum of Art par Mr. et Mrs. Douglas Dillon en 1992  (metmuseum.org)

- La robe rose Albertine-Marguerite Carré – 1870

Lieu : Metropolitan Museum of Art, New York – collection Walter H. and Leonore Annenberg  (vmuseum.fr)

Sujet et contexte de réalisation

• Le modèle est Albertie‑Marguerite Carré, qui deviendra plus tard Madame Ferdinand‑Henri Himmes  (vmuseum.fr)
• La peinture a été réalisée à la Villa Fodor, où Morisot installait son chevalet face à la modèle. Jacques‑Émile Blanche, peintre et témoin, a décrit la quête obstinée de la justesse : l’artiste changeait constamment d’avis et repeignait la toile après chaque séance  (vmuseum.fr)
• La composition est baignée de lumière ; la robe rose domine la scène, créant un effet de textile chatoyant grâce à des coups de pinceau rapides et visibles. Morisot ne lisse pas, construisant la couleur par fragments, ce qui élimine les ombres lourdes au profit de nuances subtiles  (vmuseum.fr)

- Fille sur un divan – 1885

Fille sur un divan (ou Jeune Femme au Divan) est une peinture réalisée par Berthe Morisot vers 1885. Elle représente une jeune femme assise sur un divan, tenant un éventail dans sa main gantée, qui cache partiellement son visage. Son regard se porte hors de l’espace pictural, créant une atmosphère de discrétion et de contemplation  (facebook.com)

- Jour d’été – 1879

• Acquis en 1917 par la National Gallery via la Sir Hugh Lane Bequest  (nationalgallery.org.uk)
• Volé le 12 avril 1956 à la Tate Gallery par deux étudiants irlandais, retrouvé et remis à l’ambassade d’Irlande  (fr.wikipedia.org)

Sujet : Deux femmes assises dans une petite barque sur le lac du Bois de Boulogne, entourées d’un paysage de verdure et d’eau calme. Morisot met l’accent sur la lumière, la couleur et la psychologie des personnages, créant une scène intime et sereine  (fr.wikipedia.org)

Technique : Coups de pinceau souples et zig‑zag, palette restreinte (bleu céruléen, vert émeraude, viride, blanc de plomb, jaune de cadmium) qui donne une « peau » irrégulière et dynamique à la surface  (fr.wikipedia.org)

- Edouard Manet - Le repos - Berthe Morisot - 1871

Provenance	1870 : création 1872 : achat par Paul Durand‑Ruel, Paris 1880 : Théodore Duret, Paris 1894 : Galerie Georges Petit, Jean‑Baptiste Faure, Paris 1894 : repurchase by Paul Durand‑Ruel 1895 : exposition à New York (Paul Durand‑Ruel) 1898 : George W. Vanderbilt II 1914 : Edith Stuyvesant Dresser Vanderbilt 1959 : Edith Stuyvesant Vanderbilt Gerry, Providence – don au RISD
Commentaires	Manet a peint Morisot à plusieurs reprises avant de devenir son beau‑frère. Le portrait, avec sa pose décontractée et son regard rêveur, a été jugé « peu convenable » pour l’époque, suscitant la critique de certains spectateurs.

*« Le Repos » illustre la façon dont Manet utilisait des contrastes marqués entre tons clairs et sombres, une touche large et tactile, et un espace volontairement restreint pour exprimer le repos physique et psychologique, « pas du tout dans le caractère d’un portrait » »  (getdailyart.com)

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Paul Klee. Suite.

 

Prince.

Ndlr : la tête est ambiguë. Potence ?

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Paul Klee

The Idea of Firs 

L'idée des sapins

1917.

Paul Klee a créé une œuvre intitulée "L'idée des sapins" en 1917, illustrant son style influencé par l'expressionnisme, le cubisme et le surréalisme, et qui peut inspirer des activités artistiques autour de la représentation de sapins dans son univers. (Artheroes).

Paul Klee (1879-1940) est un artiste et dessinateur allemand d'origine suisse. Il est considéré comme l'un des fondateurs de l'art abstrait. (Ideesanoug).

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Paul Klee

One Who Understands.

Celui qui comprend.

"Celui qui comprend" de Paul Klee, peint en 1934, représente une tête humaine abstraite composée de plans géométriques en blanc, gris et noir, symbolisant la compréhension et la connexion. L'œuvre a été créée peu après que Klee ait été déclaré "dégénéré" par les nazis en 1933, ce qui influence son contexte historique et artistique.

"Celui qui comprend", peint en 1934, est une œuvre captivante de Paul Klee qui se trouve ici même au Metropolitan Museum of Art. 

(App fta art).

Le cercle carré de la tête abstraite dans la peinture de Klee est fait des mêmes lignes qui divisent l'image comme une vitre fissurée. Klee a enseigné au Bauhaus, d'abord à Weimar puis à Dessau. (Flickr).

Né en 1879 à Münchenbuchsee, en Suisse, Paul Klee était un peintre et un graphiste réputé pour son style distinctif et individualiste. (Etsy).

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Gunta Stölzl

Fabric Design

1928

Textile artist.

Bauhaus Weaving Workshop

Painted rectangular design with repeated geometric patterns in multicolours on cream.

Gunta Stölzl

Conception textile

1928

Artiste textile.

Bauhaus Tissage Atelier.

Motif rectangulaire peint avec des motifs géométriques multicolores répétés sur fond crème.

Gunta Stölzl (née le 5 mars 1897 à Munich et morte le 22 avril 1983 à Zurich) est une tisserande et designer de textiles allemande. 

En 1928, Gunta Stölzl, artiste textile du Bauhaus, a innové dans le tissage en créant des œuvres avec des motifs rectangulaires et géométriques, intégrant techniques modernes et expérimentations avec des matériaux pour allier esthétique et fonctionnalité dans ses textiles. (Wikipedia).

Elles ont fait de l’atelier textile l’un des plus productifs et rentables de l’école, notamment à partir de 1931, sous la responsabilité de la « Jungmeister » Gunta Stölzl. (Lesfilssenmelent).

En 1931, G. Stölzl quitte le Bauhaus à la suite d’une intrigue au sein de l’atelier de tissage. En douze ans, elle en aura construit l’un des ateliers les plus importants. (Awarae women artist).

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Ab ovo

1917

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Paul Klee

City of Churches

Ville d'églises.

La peinture "City of Churches" a été créée par Paul Klee en 1929.

L'œuvre "City of the Churches" (1918) de Paul Klee est un exemple fascinant de la façon dont l'art peut combiner les aspects de la réalité avec une vision poétique et onirique.

(Kuadros).

œuvre fascinante qui plonge le spectateur dans un univers onirique et coloré. (Master Apollon).

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Paul Klee

Late Evening Looking Out of the Woods

Tard dans la soirée, regardant hors des bois.

1937

L'œuvre "Late Evening Looking Out of the Woods" de Paul Klee, créée en 1937, est un dessin à l'huile sur papier représentant une scène de forêt au crépuscule, avec des tons bleus et bruns pour évoquer une atmosphère paisible et contemplative.

L'illustration « Tard dans la soirée, regardant hors des bois » de Paul Klee capture la douceur d'une soirée. L'harmonie des tons bleu azur et bleu crée un effet apaisant.

(Photo circle).

Paul Klee était fasciné par l'effet de la lumière du soir sur notre perception et notre imagination, et il a créé cette oeuvre d'art en utilisant uniquement deux couleurs aux tons similaires. (Etsy).

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Paul Klee

Untitled (Still life)

Sans titre - Nature morte.

1940

L'œuvre "Untitled (Still Life)" de Paul Klee, datée de 1940, est une huile sur toile mesurant 100 x 80,5 cm, représentant une nature morte avec des objets réalistes et mythiques sur un fond noir. (Copie de maître).

Cette œuvre sur fond noir représente une « nature morte » où des objets d’aspects réalistes et mythiques sont clairement départagés dans l’espace. (Fam1500 uqam).

Paul Klee est un peintre de nationalité allemande né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee et mort le 29 juin 1940 à Locarno. C'est un des artistes majeurs de la première moitié du XXᵉ siècle. (Catawiki).

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Karl-Heinz Adler,

Serielle Lineaturen

Séries linéaires

(Tafel 1), (Table 1)

Graphite on fiberboard,

Graphite sur panneau de fibres

1989

Albertinum, Dresden.

Karl-Heinz Adler a créé les Serielle Lineaturen dans les années 1967-1968, une série d'œuvres géométriques et linéaires, dont certaines, comme Serielle Lineatur über Kreis, utilisent du graphite sur panneau de fibres. Ces œuvres explorent la linéarité du médium et la géométrie stricte. (Museum Ritter de).

Konkrete Kunst in der DDR. Seit Ende der 50er Jahre: Serielle Collagen und Lineaturen, Folienschichtungen, Farbfeldmalerei

L'art concret en RDA. Depuis la fin des années 1950 : Collages et linéations en série, superposition de feuilles, peinture sur champ de couleur. (.barthel-tetzner.de)

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Paul Klee

Clouds over Bor

Nuages ​​au-dessus de Bor.

1940.

Paul Klee a créé "Clouds Over Bor" en 1940, une œuvre expressionniste en aquarelle mesurant 44 x 46 cm, actuellement conservée dans la Felix Klee Collection à Bern, Suisse. (Redkalion).

Une de ses pièces remarquables, "Clouds sur Bor", créé en 1940, illustre sa maîtrise en évoquant des expériences émotionnelles à travers l'art. (Artsdot).

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Paul Klee

« Une ligne, c'est un point qui est parti en promenade ».

Paul Klee a défini une ligne comme un point qui est parti en promenade, illustrant ainsi la dynamique et la liberté de la ligne dans l'art.

De tous temps, par la marche, l’écriture, le dessin et le tissage, les êtres ont tracé des lignes.

(Un neuf trois soleils).

Dès 1908, la ligne fait partie de sa règle de vie, ’nulla dies sine ligna’. Pas un jour sans travailler la ligne, sans penser à la ligne, sans se référer à la ligne, telle une ligne de vie sur un bateau à laquelle s’attache le marin en manœuvre pour garder la vie sauve. La ligne comme règle, mais aussi comme contrainte …
La ligne est dynamique et donne son tempo à la toile, en lien avec le jeu des couleurs, “les couleurs, je voudrais les appeler des qualités”, dit-il. La ligne contient l’affect et permet le retour à l’élémentaire." (Galerie Bamberger).

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Paul Klee

Petit paysage

1919

« Petit paysage » de Paul Klee, réalisé en 1919, est une œuvre emblématique de l'art moderne, mêlant abstraction, couleurs vibrantes et formes géométriques pour évoquer un paysage imaginaire et introspectif. (Master Apollon).

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Paul Klee

Le Niesen

1915

Paul Klee a peint Der Niesen en 1915, représentant la montagne suisse sous le titre "Egyptian Night", une œuvre volée en 1976 et retrouvée en 2001.

Le Niesen est dépeint comme une sublimation, une transcendance, émergée des contingences. Klee utilise la silhouette de la montagne pour explorer des concepts artistiques et théoriques. Cette œuvre marque le début d'une série de représentations du Niesen, dont la plus notable est Ad Parnassum (1932).

Le Niesen, comme la montagne Sainte-Victoire pour Cézanne, a servi de sujet de réflexion et d'expérimentation pour de nombreux artistes suisses, dont Cuno Amiet et Ferdinand Hodler.

En 1915, Klee vit à Munich avec sa femme et son fils. La Première Guerre mondiale éclate, et il sait qu'il sera bientôt mobilisé. Cette période est marquée par une intense activité créative, influencée par ses souvenirs de voyages et ses réflexions sur la forme et le design. (Qwant).

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Paul Klee - 

Fire at Full Moon

Feu à la Pleine Lune

1933

"Le feu à la pleine lune" est l'une des œuvres systématiques de Klee. L'effet de la forme, de la surface et de la couleur est ici le sujet de sa doctrine du design développée au Bauhaus. (Arsmundi).

L'effet de la forme, de la surface et de la couleur devient le contenu. (Kunst plaza).

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Paul Klee

In the Style of Kairouan.

Dans le style de Kairouan

1914

Paul Klee a créé "In the Style of Kairouan" en 1914, une peinture à l'aquarelle considérée comme la première œuvre purement abstraite de l'artiste, inspirée par sa visite en Tunisie.

Paul Klee a créé l'œuvre "Dans le style de Kairouan" en 1914, lors de son voyage en Tunisie avec August Macke et Louis Moilliet.

Klee a été profondément inspiré par sa visite en Tunisie, notamment par la qualité de la lumière.

Après ce voyage, il a affirmé : « Couleur et moi sommes unis », marquant un tournant vers l'utilisation de la couleur dans son œuvre.

Contrairement à ses œuvres précédentes, cette aquarelle ne représente pas une étude de la nature mais une exploration pure des couleurs et des formes.

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Paul Klee

Croissance

1921.

Paul Klee a été influencé par le Bauhaus, où il a enseigné de 1921 à 1931. Son œuvre se caractérise par une grande diversité de supports et une exploration des structures internes de la nature, qu'il transcrit dans un langage visuel propre

Centre Pompidou : L'œuvre est conservée dans ce musée parisien.

D'autres œuvres de Klee sont conservées à la Fondation Paul-Klee à Berne, en Suisse. (Qwant).

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Paul Klee

Flowers in stone.

Des fleurs dans la pierre.

L'œuvre "Flowers in Stone" a été peinte par Paul Klee en 1939, durant sa période de maturité artistique. Elle est exposée à la Galerie Rosengart à Lucerne, en Suisse.

Klee y représente des fleurs et des pierres dans un paysage surréaliste, utilisant des formes géométriques et des couleurs vibrantes pour créer une harmonie visuelle.

L'œuvre reflète sa quête constante de nouvelles formes d'expression artistique.

L'artiste utilisait souvent l'aquarelle, ce qui influence la douceur des formes et la fluidité des couleurs.

Les fleurs, symboles de douceur, contrastent avec la rigidité des pierres, illustrant la dualité entre le vivant et l'inanimé. (Qwant).

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Chapeau, femme et petite table.

1932.

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Paul Klee

Avec parapluie.

1939

L'œuvre "Avec parapluie" (1939) de Paul Klee est une aquarelle sur papier appartenant à l'expressionnisme et faisant partie de la collection du Kunstmuseum Basel.

Paul Klee a réalisé d'autres œuvres liées aux parapluies, comme "Mésaventure d'un parapluie" (1940), conservée à la Fondation Beyeler à Bâle. (Qwant).

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Blühendes.

1934.

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Paul Klee

Madeleine avant sa conversion

1938 ?

Titre	Magdalena avant la conversion (souvent traduit Madeleine avant sa conversion)
Sujet	Marie Madeleine, disciple de Jésus, dans un état contemplatif avant sa conversion au christianisme
Style	Expressionnisme, mélange de cubisme et de surréalisme
Technique	Peinture à l’« œufs blanchis » (méthode originale de Klee)

(Qwant).

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Paul Klee

La folle du village

1920.

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Dômes rouges et blancs.

1914.

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Paul Klee

Fantôme d'un génie

1922

Ecosse.

L’œuvre est une illustration figurative de style surréaliste et expressionniste, typique de la période de Klee où il explorait des formes abstraites et des jeux de lumière. Elle fait partie de la collection permanente de la galerie nationale d’Écosse et est accessible en ligne via le projet Google Art Project et le dépôt Wikimedia Commons (fr.wikipedia.org)

« Fantôme d'un génie » est conservé à la Scottish National Gallery of Modern Art, à Édimbourg  (latribunedelart.com)

 

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Paul Klee

Blanc polyphoniquement traité

1930

L’œuvre est une composition abstraite réalisée à l’aquarelle et à la plume. Elle présente un fond blanc, d’où le nom Blanc polyphoniquement traité. Le titre en allemand, Polyphon gefasstes Weiss, indique qu’il s’agit d’une « poliphonie » visuelle, c’est‑à‑dire une superposition d’éléments qui créent une texture sonore visuelle. La peinture est montée sur un support de carton, ce qui lui confère une certaine légèreté et un aspect « framed » (encadré) malgré l’absence d’un cadre traditionnel.

“Plume et aquarelle sur papier sur carton.”  (commons.wikimedia.org)

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Paul Klee

Signes en jaune

1937

Signes en jaune est une œuvre abstraite caractérisée par l’usage audacieux du jaune, couleur associée à la lumière et à l’énergie. Elle illustre la maîtrise de Klee de la couleur et de la composition géométrique, typique de son style de la fin des années 1930  (galeriemontblanc.com)

L’œuvre est conservée dans la collection permanente de la Fondation Beyeler et n’est pas exposée en permanence. (Qwant).

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Paul Klee

Goldfish wife - Femelle poisson rouge

1921

Philadelphie

Lieu : Philadelphia Museum of Art, 2600 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphie, Pennsylvanie, États‑Unis  (philamuseum.org)

Paul Klee a réalisé en 1921 une œuvre intitulée « Poisson rouge femelle » (en allemand Goldfisch‑Weib).

Cette peinture représente une femelle de poisson rouge dans un style caractéristique de Klee, mêlant formes simples et couleurs vives. Elle fait partie de la série de ses œuvres de la première moitié du XXᵉ siècle, où il explorait la couleur et la forme à travers des motifs marins. (Qwant).

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Paul Klee

Dans le miroir magique

1934.

L’œuvre a été réalisée peu après que Klee ait été déclaré « artiste dégénéré » par le parti nazi en 1933, entraînant la perte de sa position en Allemagne et son exil forcé en Suisse. Elle reflète la désillusion et l’anxiété de l’artiste face à ces bouleversements  (artic.edu)

Description visuelle

• Une ligne rouge sinueuse serpente du haut vers le bas, délimitant les traits d’un visage.
• Les sourcils sont serrés, le nez et la bouche s’opposent, évoquant la tension.
• Les yeux en forme de larme et les joues roses contrastent, symbolisant la détresse et la joie.
• Le cœur noir isolé au centre représente le centre créatif de l’artiste, suggérant le pall de la période  (artic.edu)

Signification

Klee a appelé cette technique « prendre une ligne pour se promener ». L’œuvre illustre cette approche, montrant comment une simple ligne peut évoluer en plusieurs visages, chacun reflétant un état émotionnel différent. Le tableau est ainsi une métaphore de la réflexion et de la transformation intérieure de l’artiste  (artic.edu)

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