Aux USA et en France : "T'as les moyens. T'auras tout. T'as pas les moyens? T'auras rien." "Tu veux mourir de mort violente? Tu te fais contrôler par la police." Le sexe n'est pas un "travail". Soutien aux Palestinien-nes , aux Libanais-es, aux Iranien-nes. En 1832, Jeanne DEROIN disait : "Plutôt le célibat, que l'esclavage (NDLR : du mariage)". En 2024, 1 adulte français-e sur 3 est célibataire. 726 180 vues. Google attaque mon blog en supprimant des articles. Je vais sur Qwant maintenant.
The
paper artworks of Asya Kozina who also designs life-sized sculptures, wedding
dresses and masks, 100% out of paper
Les œuvres en papier d'Asya Kozina, qui crée également des
sculptures grandeur nature, des robes de mariée et des masques, sont
entièrement réalisées en papier.
Les
œuvres d’Asya Kozina sont entièrement réalisées en
papier.
Cette affirmation est corroborée par plusieurs sources :
Asya Kozina est décrite comme une artiste
et designer russe qui transforme le papier en chefs‑d’œuvre,
créant notamment des sculptures grandeur nature(lettyou.com)
Elle réalise aussi des robes de mariée
en papier, inspirées du folklore mongolien, et le texte souligne que ces
robes sont « faites de simples feuilles de papier » (artetglam.blogspot.com)
Le site Pixartprinting mentionne qu’elle
construit des perruques, des masques, des costumes et des
sculptures à partir de papier (pixartprinting.fr)
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Greta
Garbo
En
robe d’été
Le
seul vêtement détaillé est la robe de velours de soie qu’elle
portait dans le film « Camille » (1936), conçue par Adrian et
décorée de strass, paillettes et perles (reddit.com)
La
description de sa garde‑robe (exposée en 2012) mentionne de nombreuses robes,
mais elles sont décrites comme « robes années trente et quarante » dans des
teintes neutres ou des couleurs plus vives, sans préciser qu’elles soient
destinées à l’été (vanityfair.fr)
Les
autres sources évoquent des manteaux, des trenchs, des chapeaux, des lunettes,
des sacs, etc., sans mentionner de tenue estivale (fondationazzedinealaia.org)
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Greta
Garbo
En
robe du soir
Greta Garbo
est reconnue pour son style épuré et ses robes de soirée qui ont marqué
l’histoire de la mode. Les pièces les plus emblématiques sont :
Une robe de soirée en taffetas de soie
noire Conçue pour un événement à Los Angeles, cette robe présente un dos
ouvert et une fermeture par zip. Elle ne porte ni taille ni marque, et son
estimation se situe entre 800 € et 1200 €.(vogue.fr)
Une
robe de soirée de la Maison Worth (1931) Fabriquée en soie, cette robe est un exemple de l’élégance française de
l’époque.
Une robe noire en velours dramatique en
deux parties Créée par le grand couturier Adrian pour le film Camille (1936), cette
pièce illustre le style sophistiqué de Garbo.(reddit.com)
Le look de soirée inspiré d’Adrian Sur Instagram, un photographe souligne que la tenue de soirée est un
double hommage à Adrian, qui a conçu plusieurs de ses looks.(instagram.com)
Le Repos d' ÉdouardManet est une œuvre datant de 1871 environ. C'est une huile sur toile de 150,2 × 114 cm qui représente Berthe Morisot en robe blanche alors qu'elle est assise éventail en main dans un canapé rouge. Elle est conservée au Rhode Island School of Design Museum de Providence, aux États-Unis.
(Wikipedia).
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Eugène Manet à l'île de Wight.
1875.
Par Berthe Morisot.
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Berthe Morisot
"The Garden at
Bougival,"
1884
French, 1841-1895
Musée Marmottan Monet, Paris, France
Berthe Morisot
« Le Jardin de Bougival »
1884
Française, 1841-1895.
Exposition : le tableau a été présenté à la
Huitième Exposition impressionniste, la dernière de la série (facebook.com).
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Berthe
Morisot
Jeunes
femmes et jeunes filles avec un chapeau.
-
Tulipes – 1890
Tulipes
est une aquarelle de 1890 qui illustre la sensibilité impressionniste de
Morisot à travers un bouquet de tulipes, réalisée sur papier et exposée au
Musée Marmottan à Paris. (Qwant)
-
Jeune fille sur l'herbe – 1885 (Isabelle Lambert)
Assise dans un jardin, elle est vue de face, la
tête légèrement tournée vers la droite. Un chapeau de paille à larges bords,
orné de fleurs, encadre le front de la fillette. A gauche, une gerbe de pensées
détachant sur la verdure ses tons veloutés. A droite, une cage posée sur une table.(Viau
huma num).
- Sous l'oranger – Sa fille Julie
This painting represents her daughter Julie,
who became her favorite subject in the last two decades of her life. Julie
appears in the garden of Morisot's winter home near Nice in the
south of France. The setting is an exotic one with
overarching orange trees and Julie's pet green parrot in a birdcage to the
left. As a well-off bourgeois woman (and therefore subject to rules of suitable
public behavior), Morisot was unable to travel around Paris without an escort and, as a result,
focused largely on domestic scenes. Her contemporary art critics such as
Gustave Geffroy in 1881, lauded her with praise: "No one represents
Impressionism with more refined talent or more authority than Morisot." (Daily
art magazine)
Ce
tableau représente sa fille Julie, qui devint son sujet de prédilection durant
les deux dernières décennies de sa vie.Julie
apparaît dans le jardin de la résidence d'hiver de Morisot, près de Nice, dans
le sud de la France.Le
décor est exotique, avec ses orangers majestueux et, à gauche, le perroquet
vert de Julie dans sa cage.Bourgeoise
aisée (et donc soumise aux règles de bienséance), Morisot ne pouvait se
déplacer seule dans Paris et se concentra de ce fait principalement sur les
scènes d'intérieur.
Ses contemporains critiques d'art, comme Gustave Geffroy en 1881, la louaient :
« Personne ne représente l'impressionnisme avec un talent plus raffiné ni avec
plus d'autorité que Morisot.»
(Daily Art Magazine)
-
Sur le falaise - Les Grandes Dalles - Mme Pontillon et sa fille Jeanne – Edma
et Jeanne
Sujet : Mme Pontillon et sa
fille Jeanne, représentées sur une falaise.
Exposition :
L’œuvre a été présentée chez Nadar lors de la première exposition des
impressionnistes (Grand‑Palais, 1991) (collections.louvre.fr)
-
Dans le jardin de Maurecourt – Berthe Morisot et une fille d’Edma
Le
tableau représente un jardin verdoyant, typique de la campagne française, avec
des éléments de verdure et de lumière qui caractérisent le style
impressionniste de Morisot (instagram.com)
Le
Jardin de Maurecourt est l’une des œuvres les plus connues de Morisot,
illustrant son intérêt pour les scènes de plein air et la lumière naturelle (instagram.com)
La peinture est réalisée en 1884, comme indiqué dans les catalogues et les
bases de données d’art (br.pinterest.com)
-
Femme en gris debout – 1880
Collection : œuvre de la
collection particulière (flickr.com)
Cette
pièce illustre le style impressionniste de Morisot, caractérisé par l’usage de
pastels et de fusain pour capturer la lumière et la texture de la scène. Elle a
été mise en valeur dans une exposition qui mettait en lumière les liens entre
l’œuvre de la première femme impressionniste et l’art du XVIIIᵉ siècle,
notamment les œuvres de Antoine Watteau, François Boucher, Jean‑Honoré Fragonard
et Jean‑Baptiste Perronneau (flickr.com)
-
Jour d'été – 1879
Deux
femmes, vêtues de robes légères, sont assises dans une petite barque sur un lac
du Bois de Boulogne (fr.wikipedia.org)
La
composition se décompose en trois plans :
Premier plan : les deux femmes au
centre de la barque.
Deuxième plan : l’eau et les
canards.
Troisième plan : un bosquet
d’arbres en arrière‑plan (fr.wikipedia.org)
Morisot a appliqué de grandes quantités de
peinture avec des coups de pinceau souples et énergiques,
créant une surface « peau » irrégulière qui s’écarte de la structure lisse de
l’académie (fr.wikipedia.org)
La
palette inclut un bleu céruléen pour le manteau de la femme à
gauche, un mélange de vert émeraude, viride, blanc de plomb et
jaune de cadmium pour le feuillage (fr.wikipedia.org)
Morisot
a commencé à peindre en plein air après l’arrivée de son premier enfant, Julie,
en 1878‑1879 (fr.wikipedia.org)
Le
tableau est conservé à la National Gallery de Londres et fait
partie de la collection Lane Bequest (nationalgallery.org.uk)
-
Jeune fille lisant - Julie Manet à Gorey
1888
La
peinture représente une jeune fille assise dans un fauteuil, absorbée par la
lecture d’un livre. L’observateur la surprend dans un moment de loisir, de
détente et de recueillement, soulignant l’intimité et la sérénité propres aux
œuvres de Morisot (rivagedeboheme.fr)
L’œuvre
est conservée à la Fondation Bemberg – Hôtel d’Assézat (France) et
figure dans leur catalogue sous l’inventaire 2174 (webmuseo.com)
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Berthe
Morisot
Jeunes
femmes au bal
Alfred
Stevens - Retour du bal ou Douloureuse certitude - 1861
Lieu
de conservation : Château de Compiègne (en dépôt) – l’œuvre
est conservée dans la collection du musée d’Orsay avant d’être transférée au
château de Compiègne (proantic.com) Description : La peinture représente une jeune femme, assise
dans un fauteuil capitonné, qui rentre du bal au petit jour. Elle porte une
robe à crinoline d’un jaune éclatant, et l’ensemble de la scène est empreint
d’une atmosphère de douloureuse certitude : la femme semble
porter le poids de la soirée tout en affichant une certaine mélancolie. Signature : Le tableau est signé « A Stevens » (ligature) sur
le verso, accompagné d’une ancienne étiquette portant la date Retour du
bal 1861(commons.wikimedia.org)
-
Au bal – 1875
Le tableau représente une jeune femme
en robe de bal tenant un éventail ouvert contre sa joue, dans un
portrait à mi‑corps.
L’artiste met l’accent sur la mousseline
du corsage, les gants et l’éventail qui contrastent avec la chevelure
et les fleurs sombres.
Des touches de jaune, rouge, bleu et
vert égayent la composition, typiques de la palette restreinte de
1875.
Le décor intérieur de l’appartement de
l’avenue d’Eylau se distingue par des plantes luxuriantes en arrière‑plan.
Lieu
: Le tableau est présent dans la collection du The Art Institute of Chicago
Description de l’œuvre
La scène montre une femme en train de se
défaire de ses cheveux, un moment intime et discret.
Contrairement à certaines représentations de
l’époque, la femme ne se reflète pas dans le miroir ;
cette absence de reflet rend le regard du spectateur plus confiant qu’un
simple voyeur .
L’artiste utilise des couleurs douces
(crèmes, lavandes, roses, verts) qui font presque fondre la figure dans le
décor, tandis que des tons plus foncés (comme le choker) ancrent
l’ensemble .
Les traits de pinceau sont feutrés et
relativement discrets, rappelant l’influence de Bien que très
acclamée de son vivant, elle n’a pas rencontré le même succès commercial
que ses pairs masculins, mais elle a surclassé Monet, Renoir et
Sisley en termes de ventesManet sur son travail . (Qwant).
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Jeune fille en décolleté la fleur aux cheveux – 1893
Modèle
: Marthe, l’un des modèles favoris de Morisot, représentée de trois
quarts à mi‑corps, vêtue d’une robe largement décolletée (parismuseescollections.paris.fr)
-
Femme en toilette de bal – 1879
Morisot
utilisait ce tableau pour explorer les moments intimes de la vie féminine du
XIXᵉ siècle, un thème récurrent dans son œuvre, souvent réservé aux sphères
privées (pinterest.com,
facebook.com)
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Berthe
Morisot
Jeunes
femmes assises sur un sofa
-
Femme en gris étendue – 1879
Berthe Morisot
a réalisé cette peinture en 1879, représentant une jeune femme vêtue d’une robe
grise, étendue sur un canapé. L’œuvre est souvent citée dans les expositions
consacrées à l’impressionnisme, notamment au Musée Marmottan et au Musée d’Orsay.
(Qwant)
-
Jeune femme assise sur un sofa – 1879
Le
tableau représente une jeune femme assise sur un canapé. Elle porte une robe
blanche, un chapeau orné de fleurs bleues et tient un éventail pastel. Des
hydrangeas roses se trouvent à ses pieds, créant un contraste de couleurs
douces. Le style caractéristique de Morisot se manifeste par des touches de
pinceau légères et un rendu lumineux qui donne une impression de vitalité et de
charme (thearkofgrace.com)
Acquisition
: la peinture a été offerte à The Metropolitan Museum of Art par Mr. et Mrs. Douglas Dillon
en 1992 (metmuseum.org)
-
La robe rose Albertine-Marguerite Carré – 1870
Lieu : Metropolitan Museum of Art, New York – collection Walter H. and Leonore Annenberg(vmuseum.fr)
Sujet et contexte de
réalisation
Le modèle est Albertie‑Marguerite Carré,
qui deviendra plus tard Madame Ferdinand‑Henri Himmes(vmuseum.fr)
La peinture a été réalisée à la Villa Fodor,
où Morisot installait son chevalet face à la modèle. Jacques‑Émile Blanche,
peintre et témoin, a décrit la quête obstinée de la
justesse : l’artiste changeait constamment d’avis et repeignait la toile
après chaque séance (vmuseum.fr)
La composition est baignée de lumière
; la robe rose domine la scène, créant un effet de textile chatoyant grâce
à des coups de pinceau rapides et visibles. Morisot ne lisse pas,
construisant la couleur par fragments, ce qui élimine les ombres lourdes
au profit de nuances subtiles (vmuseum.fr)
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Fille sur un divan – 1885
Fille
sur un divan (ou Jeune Femme au Divan) est une peinture réalisée
par Berthe Morisot vers 1885. Elle représente une
jeune femme assise sur un divan, tenant un éventail dans sa main gantée, qui
cache partiellement son visage. Son regard se porte hors de l’espace pictural,
créant une atmosphère de discrétion et de contemplation (facebook.com)
-
Jour d’été – 1879
Acquis en 1917 par la National Gallery via la Sir Hugh Lane Bequest(nationalgallery.org.uk)
Volé le 12 avril 1956 à la Tate Gallery par deux
étudiants irlandais, retrouvé et remis à l’ambassade d’Irlande (fr.wikipedia.org)
Sujet
: Deux femmes assises dans une petite barque sur le lac du Bois de Boulogne,
entourées d’un paysage de verdure et d’eau calme. Morisot met l’accent sur la
lumière, la couleur et la psychologie des personnages, créant une scène intime
et sereine (fr.wikipedia.org)
Technique
: Coups de pinceau souples et zig‑zag, palette restreinte (bleu céruléen, vert
émeraude, viride, blanc de plomb, jaune de cadmium) qui donne une « peau »
irrégulière et dynamique à la surface (fr.wikipedia.org)
1870 :
création
1872 : achat par Paul Durand‑Ruel, Paris
1880 : Théodore Duret, Paris
1894 : Galerie Georges Petit, Jean‑Baptiste Faure, Paris
1894 : repurchase by Paul Durand‑Ruel
1895 : exposition à New York (Paul Durand‑Ruel)
1898 : George W. Vanderbilt II
1914 : Edith Stuyvesant Dresser Vanderbilt
1959 : Edith Stuyvesant Vanderbilt Gerry, Providence – don au RISD
Commentaires
Manet
a peint Morisot à plusieurs reprises avant de devenir son beau‑frère. Le
portrait, avec sa pose décontractée et son regard rêveur, a été jugé « peu
convenable » pour l’époque, suscitant la critique de certains spectateurs.
*« Le Repos »
illustre la façon dont Manet utilisait des contrastes marqués entre tons clairs
et sombres, une touche large et tactile, et un espace volontairement restreint
pour exprimer le repos physique et psychologique, « pas du tout dans le
caractère d’un portrait » » (getdailyart.com)
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Berthe
Morisot
Julie
Manet – Sa fille.
1888
– 1889 – 1894 – 1895
-
Vue de Paris des hauteurs du Trocadero
L’œuvre représente la ville de Paris vue depuis les hauteurs
du Trocadéro, un point de vue panoramique qui capture l’architecture parisienne
et la lumière caractéristique de la période impressionniste. (art9000.com)
-
Berthe Morisot - Jeune fille lisant - Julie Manet à Gorey – 1888
Cette
œuvre est un portrait de la fille de Morisot, Julie Manet, réalisée
alors qu’elle était encore adolescente. Elle illustre le style impressionniste
de la peintre, caractérisé par des touches de pastel légères et un rendu
délicat de la lumière. (Qwant)
-
Berthe Morisot - Sous l'oranger - 1889 - Sa fille Julie
La
peinture montre Julie assise dans le jardin de la maison d’hiver de la mère,
près de Nice dans le sud de la France, entourée d’orangers imposants
et d’un perroquet vert dans une cage à gauche. Julie est devenue le sujet
préféré de Morisot durant les vingt dernières années de sa vie, apparaissant
également dans d’autres œuvres comme le « Flowered Hat » de Renoir (artsandculture.google.com)
-
Berthe Morisot - Tête de fillette - Julie Manet – 1889
Sujet : Julie Manet,
fille de l’artiste, née en 1878.
Date : 1889, comme indiqué dans le
journal de Julie Manet (coquelicoquillages.blogspot.com)
Support et technique : pastel sur
papier, dimensions : 26 cm × 22 cm (akg-images.fr)
Contexte : Le portrait est l’une
des nombreuses représentations de la jeune fille que la mère peignait, et
il est mentionné dans les écrits de Julie Manet comme « Portrait de
Julie (1889) » (coquelicoquillages.blogspot.com)
Cette
œuvre illustre le style délicat de Morisot pour les portraits de famille et
témoigne de la relation artistique et affective entre mère et fille.
-
Auguste Renoir - Portrait de Julie Manet – 1894
Pierre
Auguste Renoir - Portrait of Julie Manet, 1894 at Musée Marmottan Monet Paris
France(pinterest.com)
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Berthe Morisot - Julie Manet et sa levrette Laërte – 1895
La toile représente Julie Manet, fille de Berthe Morisot
et d’Eugène Manet, assise sur un canapé.
Elle porte une robe sombre et est accompagnée d’un
lévrier de couleur claire nommé Laerte.
La scène est typique du style impressionniste de
Morisot, avec un rendu léger et une attention portée à la lumière et aux
détails de la vie quotidienne (se.pinterest.com)
Contexte
de l’artiste et de la muse
Julie Manet grandit entourée des grands
peintres impressionnistes : elle a été peinte par Pierre‑Auguste Renoir,
dessinée par son oncle Édouard Manet et photographiée par Edgar Degas (facebook.com)
Elle est considérée comme « l’enfant de
l’Impressionnisme » (facebook.com)
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Berthe Morisot
Peasant Girl among Tulips
Jeune paysanne parmi les tulipes
1890
Impressionist painter
Dans
cette peinture, Morisot capture une jeune paysanne assise au
milieu d’un jardin de tulipes. La figure est vêtue d’une robe modeste et
regarde pensivement vers l’horizon. Les tulipes, représentées avec des coups de
pinceau fluides, créent un décor vibrant et printanier qui contraste avec la
sérénité de la jeune fille. L’artiste utilise une palette délicate de roses,
bleus et verts, typique de son style impressionniste, pour évoquer une
atmosphère de légèreté et de nature éphémère (artemlegrand.com)
Paul Klee a créé une œuvre intitulée "L'idée des sapins" en 1917, illustrant son style influencé par l'expressionnisme, le cubisme et le surréalisme, et qui peut inspirer des activités artistiques autour de la représentation de sapins dans son univers. (Artheroes).
Paul Klee (1879-1940) est un artiste et dessinateur allemand d'origine suisse. Il est considéré comme l'un desfondateurs de l'art abstrait. (Ideesanoug).
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Paul Klee
One Who Understands.
Celui qui comprend.
"Celui qui comprend" de Paul Klee, peint en 1934, représente une tête humaine abstraite composée de plans géométriques en blanc, gris et noir, symbolisant la compréhension et la connexion. L'œuvre a été créée peu après que Klee ait été déclaré "dégénéré" par les nazis en 1933, ce qui influence son contexte historique et artistique.
"Celuiqui comprend", peint en 1934, est une œuvre captivante de Paul Kleequi se trouve ici même au Metropolitan Museum of Art.
(App fta art).
Le cercle carré de la tête abstraite dans la peinture de Klee est fait des mêmes lignes qui divisent l'image comme une vitre fissurée. Klee a enseigné au Bauhaus, d'abord à Weimar puis à Dessau. (Flickr).
Né en 1879 à Münchenbuchsee, en Suisse, Paul Kleeétait un peintre et un graphiste réputé pour son style distinctif et individualiste. (Etsy).
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Gunta Stölzl
Fabric Design
1928
Textile artist.
Bauhaus Weaving Workshop
Painted rectangular design with repeated geometric patterns in multicolours on cream.
Gunta Stölzl
Conception textile
1928
Artiste textile.
Bauhaus Tissage Atelier.
Motif rectangulaire peint avec des motifs géométriques multicolores répétés sur fond crème.
Gunta Stölzl (née le 5 mars 1897 à Munich et morte le 22 avril 1983 à Zurich) est une tisserande et designer de textiles allemande.
En 1928, Gunta Stölzl, artiste textile du Bauhaus, a innové dans le tissage en créant des œuvres avec des motifs rectangulaires et géométriques, intégrant techniques modernes et expérimentations avec des matériaux pour allier esthétique et fonctionnalité dans ses textiles. (Wikipedia).
Elles ont fait de l’atelier textile l’un des plus productifs et rentables de l’école, notamment à partir de 1931, sous la responsabilité de la « Jungmeister » GuntaStölzl. (Lesfilssenmelent).
En 1931, G. Stölzl quitte le Bauhaus à la suite d’une intrigue au sein de l’atelier de tissage. En douze ans, elle en aura construit l’un des ateliers les plus importants. (Awarae women artist).
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Ab ovo
1917
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Paul Klee
Poissons
1921.
Cette
peinture illustre la fascination de Klee pour les formes aquatiques, un motif
qu’il revisite dans plusieurs tableaux de cette période. Le poisson, avec ses
lignes fluides et ses couleurs vives, sert de point d’ancrage à son exploration
de la couleur et de la composition (repro-tableaux.com)
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Paul Klee
Fish Magic
La magie des poissons
1925
Fish Magic
présente un univers féérique où les poissons, éléments
aquatiques, se mêlent à des formes géométriques et à des couleurs vives.
L’œuvre est souvent interprétée comme une exploration de la transformation
et de la métamorphose, thèmes récurrents dans la pensée de
Klee. Le tableau combine réalisme et fantaisie,
créant un espace où le celestial, l’acquatique et le terrestre
coexistent harmonieusement* (philamuseum.org)
Style et influences
Expressionisme : l’œuvre reflète
la sensibilité expressionniste de Klee, marquée par l’usage de couleurs
intenses et de formes simplifiées* (wikiart.org)
Romantisme allemand : la peinture
s’inscrit également dans la tradition romantique, mêlant poésie
et empirisme naturel* (paulklee.net)
Symbolisme du poisson : le poisson
est un symbole de rêve, de désir et d’inconscient,
souvent interprété à travers le prisme de la psychologie jungienne* (kuadros.com)
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Paul Klee
City of Churches
Ville d'églises.
La peinture "City of Churches" a été créée par Paul Klee en 1929.
L'œuvre "City of the Churches" (1918) de PaulKlee est un exemple fascinant de la façon dont l'art peut combiner les aspects de la réalité avec une vision poétique et onirique.
(Kuadros).
œuvre fascinante qui plonge le spectateur dans un univers onirique et coloré. (Master Apollon).
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Paul Klee
Late Evening Looking Out of the Woods
Tard dans la soirée, regardant hors des bois.
1937
L'œuvre "Late Evening Looking Out of the Woods" de Paul Klee, créée en 1937, est un dessin à l'huile sur papier représentant une scène de forêt au crépuscule, avec des tons bleus et bruns pour évoquer une atmosphère paisible et contemplative.
L'illustration « Tarddans la soirée,regardanthorsdesbois » de PaulKlee capture la douceur d'une soirée. L'harmonie des tons bleu azur et bleu crée un effet apaisant.
(Photo circle).
Paul Klee était fasciné par l'effet de la lumière du soir sur notre perception et notre imagination, et il a créé cette oeuvre d'art en utilisant uniquement deux couleurs aux tons similaires. (Etsy).
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Paul Klee
Untitled (Still life)
Sans titre - Nature morte.
1940
L'œuvre "Untitled (Still Life)" de Paul Klee, datée de 1940, est une huile sur toile mesurant 100 x 80,5 cm, représentant une nature morte avec des objets réalistes et mythiques sur un fond noir. (Copie de maître).
Cette œuvre sur fond noir représente une « naturemorte » où des objets d’aspects réalistes et mythiques sont clairement départagés dans l’espace. (Fam1500 uqam).
Paul Klee est un peintre de nationalité allemande né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee et mort le 29 juin 1940 à Locarno. C'est un des artistes majeurs de la première moitié du XXᵉ siècle. (Catawiki).
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Karl-Heinz Adler,
Serielle Lineaturen
Séries linéaires
(Tafel 1), (Table 1)
Graphite on fiberboard,
Graphite sur panneau de fibres
1989
Albertinum, Dresden.
Karl-Heinz Adler a créé les Serielle Lineaturen dans les années 1967-1968, une série d'œuvres géométriques et linéaires, dont certaines, comme Serielle Lineatur über Kreis, utilisent du graphite sur panneau de fibres. Ces œuvres explorent la linéarité du médium et la géométrie stricte. (Museum Ritter de).
Konkrete Kunst in der DDR. Seit Ende der 50er Jahre: Serielle Collagen und Lineaturen, Folienschichtungen, Farbfeldmalerei
L'art concret en RDA. Depuis la fin des années 1950 : Collages et linéations en série, superposition de feuilles, peinture sur champ de couleur. (.barthel-tetzner.de)
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Paul Klee
Clouds over Bor
Nuages au-dessus de Bor.
1940.
Paul Klee a créé "Clouds Over Bor" en 1940, une œuvre expressionniste en aquarelle mesurant 44 x 46 cm, actuellement conservée dans la Felix Klee Collection à Bern, Suisse. (Redkalion).
Une de ses pièces remarquables, "Clouds sur Bor", créé en 1940, illustre sa maîtrise en évoquant des expériences émotionnelles à travers l'art. (Artsdot).
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Paul
Klee
« Une
ligne, c'est un point qui est parti en promenade ».
Paul Klee a défini une ligne
comme un point qui est parti en promenade, illustrant
ainsi la dynamique et la liberté de la ligne dans l'art.
De tous temps, par la marche,
l’écriture, le dessin et le tissage, les êtres ont tracé des lignes.
(Un neuf trois soleils).
Dès 1908, la ligne fait partie de sa règle de vie,
’nulla dies sine ligna’. Pas un jour sans travailler la ligne, sans penser à la
ligne, sans se référer à la ligne, telle une ligne de vie sur un bateau à
laquelle s’attache le marin en manœuvre pour garder la vie sauve. La ligne
comme règle, mais aussi comme contrainte … La ligne est dynamique et donne son tempo à la
toile, en lien avec le jeu des couleurs, “les couleurs, je voudrais les appeler
des qualités”, dit-il. La ligne contient l’affect et permet le retour à
l’élémentaire." (Galerie Bamberger).
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Paul
Klee
Petit
paysage
1919
« Petit paysage » de Paul Klee, réalisé en 1919, est
une œuvre emblématique de l'art moderne, mêlant abstraction, couleurs vibrantes
et formes géométriques pour évoquer un paysage imaginaire et introspectif. (Master
Apollon).
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Paul Klee
Le
Niesen
1915
Paul
Klee a peint Der Niesen en 1915,
représentant la montagne suisse sous le titre "Egyptian
Night", une œuvre volée en 1976 et retrouvée en 2001.
Le
Niesen est dépeint comme une sublimation, une transcendance, émergée des
contingences. Klee utilise la silhouette de la montagne pour explorer des
concepts artistiques et théoriques. Cette œuvre marque le début d'une série de
représentations du Niesen, dont la plus notable est Ad Parnassum
(1932).
Le
Niesen, comme la montagne Sainte-Victoire pour Cézanne, a servi de sujet de
réflexion et d'expérimentation pour de nombreux artistes suisses, dont Cuno
Amiet et Ferdinand Hodler.
En
1915, Klee vit à Munich avec sa femme et son fils. La Première Guerre mondiale
éclate, et il sait qu'il sera bientôt mobilisé. Cette période est marquée par
une intense activité créative, influencée par ses souvenirs de voyages et ses
réflexions sur la forme et le design. (Qwant).
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Paul Klee -
Fire at Full Moon
Feu à la Pleine Lune
1933
"Le feu à la pleinelune" est l'une des œuvres systématiques de Klee. L'effet de la forme, de la surface et de la couleur est ici le sujet de sa doctrine du design développée au Bauhaus. (Arsmundi).
L'effet de la forme, de la surface et de la couleur devient le contenu. (Kunst plaza).
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Paul Klee
In the Style of Kairouan.
Dans le style de Kairouan
1914
Paul
Klee a créé "In the Style of Kairouan" en 1914,
une peinture à l'aquarelle considérée comme la première
œuvre purement abstraite de l'artiste, inspirée par sa visite en
Tunisie.
Paul
Klee a créé l'œuvre "Dans le style de Kairouan"
en 1914, lors de son voyage en Tunisie avec August
Macke et Louis Moilliet.
Klee
a été profondément inspiré par sa visite en Tunisie, notamment par la qualité
de la lumière.
Après
ce voyage, il a affirmé : « Couleur et moi sommes unis », marquant un tournant
vers l'utilisation de la couleur dans son œuvre.
Contrairement
à ses œuvres précédentes, cette aquarelle ne représente pas une étude de la
nature mais une exploration pure des couleurs et des formes.
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Paul
Klee
Croissance
1921.
Paul
Klee a été influencé par le Bauhaus, où il a enseigné de 1921 à 1931. Son œuvre
se caractérise par une grande diversité de supports et une exploration des
structures internes de la nature, qu'il transcrit dans un langage visuel propre
Centre
Pompidou : L'œuvre est conservée dans ce musée parisien.
D'autres
œuvres de Klee sont conservées à la Fondation Paul-Klee à Berne, en Suisse. (Qwant).
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Paul Klee
Flowers in stone.
Des fleurs dans la pierre.
L'œuvre
"Flowers in Stone" a été peinte par Paul Klee en
1939, durant sa période de maturité artistique. Elle est exposée à la Galerie
Rosengart à Lucerne, en Suisse.
Klee
y représente des fleurs et des pierres dans un paysage surréaliste, utilisant
des formes géométriques et des couleurs vibrantes pour créer une harmonie
visuelle.
L'œuvre
reflète sa quête constante de nouvelles formes d'expression artistique.
L'artiste
utilisait souvent l'aquarelle, ce qui influence la douceur des formes et la
fluidité des couleurs.
Les
fleurs, symboles de douceur, contrastent avec la rigidité des pierres,
illustrant la dualité entre le vivant et l'inanimé. (Qwant).
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Chapeau, femme et petite table.
1932.
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Paul
Klee
Avec
parapluie.
1939
L'œuvre
"Avec parapluie" (1939) de Paul Klee
est une aquarelle sur papier appartenant à l'expressionnisme
et faisant partie de la collection du Kunstmuseum Basel.
Paul
Klee a réalisé d'autres œuvres liées aux parapluies, comme "Mésaventure
d'un parapluie" (1940), conservée à la Fondation Beyeler à Bâle. (Qwant).
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Blühendes.
1934.
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Paul Klee
Madeleine avant sa conversion
1938 ?
Titre
Magdalena avant la conversion (souvent traduit Madeleine
avant sa conversion)
Sujet
Marie Madeleine, disciple de Jésus, dans un état
contemplatif avant sa conversion au christianisme
Style
Expressionnisme, mélange de cubisme et de surréalisme
Technique
Peinture à l’« œufs blanchis » (méthode originale de Klee)
(Qwant).
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Paul Klee
La folle du village
1920.
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Dômes rouges et blancs.
1914.
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Paul
Klee
Fantôme
d'un génie
1922
Ecosse.
L’œuvre
est une illustration figurative de style surréaliste et expressionniste,
typique de la période de Klee où il explorait des formes abstraites et des jeux
de lumière. Elle fait partie de la collection permanente de la galerie
nationale d’Écosse et est accessible en ligne via le projet Google Art Project
et le dépôt Wikimedia Commons (fr.wikipedia.org)
« Fantôme d'un génie »
est conservé à la Scottish National Gallery of Modern Art, à Édimbourg(latribunedelart.com)
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Paul
Klee
Blanc
polyphoniquement traité
1930
L’œuvre
est une composition abstraite réalisée à l’aquarelle et à la plume. Elle
présente un fond blanc, d’où le nom Blanc polyphoniquement traité. Le
titre en allemand, Polyphon gefasstes Weiss, indique qu’il s’agit
d’une « poliphonie » visuelle, c’est‑à‑dire une superposition d’éléments qui
créent une texture sonore visuelle. La peinture est montée sur un support de
carton, ce qui lui confère une certaine légèreté et un aspect « framed »
(encadré) malgré l’absence d’un cadre traditionnel.
“Plume
et aquarelle sur papier sur carton.”(commons.wikimedia.org)
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Paul
Klee
Signes en jaune
1937
Signes
en jaune est une œuvre abstraite caractérisée par l’usage audacieux du
jaune, couleur associée à la lumière et à l’énergie. Elle illustre la maîtrise
de Klee de la couleur et de la composition géométrique, typique de son style de
la fin des années 1930 (galeriemontblanc.com)
L’œuvre
est conservée dans la collection permanente de la Fondation Beyeler et n’est
pas exposée en permanence. (Qwant).
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Paul Klee
Goldfish wife - Femelle
poisson rouge
1921
Philadelphie
Lieu : PhiladelphiaMuseum of Art, 2600 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphie,
Pennsylvanie, États‑Unis (philamuseum.org)
Paul Klee
a réalisé en 1921 une œuvre intitulée « Poisson rouge
femelle » (en allemand Goldfisch‑Weib).
Cette
peinture représente une femelle de poisson rouge dans un style
caractéristique de Klee, mêlant formes simples et couleurs vives. Elle fait
partie de la série de ses œuvres de la première moitié du XXᵉ siècle, où il
explorait la couleur et la forme à travers des motifs marins. (Qwant).
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Paul Klee
Dans le miroir magique
1934.
L’œuvre
a été réalisée peu après que Klee ait été déclaré « artiste dégénéré »
par le parti nazi en 1933, entraînant la perte de sa position en Allemagne et
son exil forcé en Suisse. Elle reflète la désillusion et l’anxiété
de l’artiste face à ces bouleversements (artic.edu)
Description visuelle
Une ligne rouge sinueuse serpente
du haut vers le bas, délimitant les traits d’un visage.
Les sourcils sont serrés, le nez
et la bouche s’opposent, évoquant la tension.
Les yeux en forme de larme et les joues
roses contrastent, symbolisant la détresse et la
joie.
Le cœur noir isolé au centre représente
le centre créatif de l’artiste, suggérant le pall de la
période (artic.edu)
Signification
Klee
a appelé cette technique « prendre une ligne pour se promener ». L’œuvre
illustre cette approche, montrant comment une simple ligne peut évoluer en
plusieurs visages, chacun reflétant un état émotionnel différent. Le tableau
est ainsi une métaphore de la réflexion et de la
transformation intérieure de l’artiste (artic.edu)
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Paul Klee
Le jardin rose.
1920
Klee
ne se contente pas de décomposer les formes ; il les réassemble
avec une palette de couleurs expressive, créant un équilibre harmonieux entre rouge,
rose, bleu et vert. Le tableau invite le spectateur à une réflexion
contemplative plutôt qu’à une représentation littérale d’un jardin.
Les roses, symboles traditionnels d’amour et de beauté, sont ici fragmentées
pour refléter l’incertitude de l’époque post‑Première Guerre mondiale. (Qwant).
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