Max Ernst - Suite -

 

Max Ernst

Fleurs de coquillages

1929

Saisie par les Alliés en Allemagne

Le Centre Pompidou en assure la garde.

Fleurs de coquillages (1929) – parcours de l’œuvre

Acquisition initiale

• En 1929, Fleurs de coquillages a été acquise par le marchand d’art Léonce Rosenberg pour décorer l’appartement de sa fille à la rue de Longchamp.

Provenance intermédiaire

• L’œuvre a ensuite été cédée à la galerie Jeanne Bucher.
• Elle a été acquise par Kurt Herberts, collectionneur et propriétaire d’une usine de produits chimiques à Wuppertal.

Saisie et transfert

• Après la Seconde Guerre mondiale, le tableau a été saisi par les Alliés en Allemagne et transféré en France.

Récupération artistique

• En octobre 1950, la sixième commission de la récupération artistique a retenu l’œuvre pour la confier à la garde du Musée national d’art moderne (Centre Pompidou). (centrepompidou.fr)

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Max Ernst

Têtes solaires

1953

This artwork is Têtes solaires (Solar Heads), a surrealist painting by the artist Max Ernst (1891 -1976). The piece was created in Paris in 1953.

Cette œuvre, intitulée Têtes solaires, est une peinture surréaliste de l'artiste Max Ernst (1891-1976). Elle a été créée à Paris en 1953.

·                               Signature : l’œuvre est signée par l’artiste  (mutualart.com)

Cette peinture fait partie de la période tardive de l’artiste, après son retour en Europe en 1953, lorsqu’il s’installa à Paris avant de s’installer plus tard en France  (modernamuseet.se)

Têtes solaires est souvent mentionnée dans les catalogues d’expositions et les ventes aux enchères, notamment chez Sotheby’s, où elle a été mise aux enchères en 2022  (sothebys.com)

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Yayoi Kusama - Suite

 

Yayoi Kusama

Fish - Poisson

Depth of the sea, silkscreen; 2 works

Profondeur de la mer, sérigraphie ; 2 œuvres

1988

L'œuvre "Depth Of The Sea" de Yayoi Kusama capture l'essence vibrante et hypnotique des fonds marins, avec des motifs naturels et des couleurs éclatantes, inspirés par les profondeurs aquatiques. (Kalunea).

Elle incarne parfaitement l'univers artistique unique de Yayoi Kusama, où art et nature s’entrelacent. Les détails riches et les motifs captivants font de cette pièce un véritable point focal pour la décoration intérieure. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Brillance des âmes

2014

Série des Miroirs infinis.

L'œuvre "Brillance des âmes" de Yayoi Kusama, exposée à AlUla, fait partie de sa célèbre série des miroirs infinis, où elle explore des environnements immersifs et hallucinés à travers des jeux de miroirs et de lumières.

Cette œuvre illustre parfaitement l'obsession de Yayoi Kusama pour les effets de profondeur et l'infini, créant des espaces qui évoquent à la fois le magique et le galactique. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Snow - Neige

1990

L'œuvre "Snow" de Yayoi Kusama, créée en 1990, est une peinture sur toile de dimensions 15.9 × 22.9 cm, signée, titrée et datée au dos en kanji, accompagnée d'un certificat d'authenticité émis par l'atelier de l'artiste.

Kusama est une figure majeure de l'art contemporain, mêlant les esthétiques et théories de plusieurs mouvements du XXe siècle, notamment le Pop Art et le Minimalisme. Son style "cosmique" punchy a été affiné lors de son séjour à New York dans les années 1960.

Kusama vit et travaille à Tokyo, où elle peint quotidiennement dans son atelier.

Elle a participé à des expositions internationales prestigieuses, comme celles du Museum of Modern Art dans les années 1980 et la Biennale de Venise en 1993. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Sitting, with red bob hairstyle, and wearing a yellow and black garment with curved lines and dots which matches the background design.

Assise, avec une coupe au carré rouge, et vêtue d'un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois assorti au motif de fond.

En octobre, une grande rétrospective Yayoi Kusama, à moins de 2h de Paris.

Il faudra vous rendre à Bâle, en Suisse, pour découvrir cette exposition exceptionnelle. Accueillie par la Fondation Beyeler et consacrée à l'artiste japonaise la plus culte de sa génération, cette première rétrospective suisse aura lieu du 12 octobre au 25 janvier 2026. (Ad magazine).

Yayoi Kusama est connue pour ses motifs de pois et ses explorations de l'infini, souvent représentés dans ses œuvres et ses vêtements, comme un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois

Kusama a marqué l'univers artistique avec ses expositions prestigieuses, comme celles au Musée Guggenheim Bilbao ou à la Tate Modern. Elle a également collaboré avec des marques de luxe comme Louis Vuitton, apposant ses célèbres pois sur des sacs et des collections capsule.

Dès son enfance, Yayoi Kusama dessinait pour échapper aux hallucinations dont elle souffrait. Ce thème de l'infini et des motifs répétitifs est devenu central dans son œuvre, explorant les frontières entre l'homme et son environnement.

Son impact sur le monde de l'art contemporain est indéniable, et son style distinctif continue d'inspirer de nombreuses œuvres et produits dérivés, comme les affiches minimalistes qui capturent son essence artistique (Qwant).

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Yayoi Kusama,

Hitomi

1989

Acrylique sur toile

Embracing the rise of the hippie counterculture of the late 1960s, Kusama came to public attention when she organized a series of happenings in which naked participants were painted with brightly colored. (Chritie’s).

S'inscrivant dans le mouvement hippie naissant de la fin des années 1960, Kusama s'est fait connaître du grand public en organisant une série de happenings où des participants nus étaient peints avec des couleurs vives.

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Yayoi Kusama in 1965

Photo

Contexte artistique de 1965

En 1965, Yayoi Kusama était déjà une figure émergente de la scène artistique internationale. Elle a présenté l'installation Infinity Mirrored Room – Phalli’s Field à la Castellane Gallery de New York, une œuvre qui a marqué le début de sa série d’installations immersives (davidzwirner.com)

Cette période se situe entre son arrivée à New York à la fin des années 1950 et son retour au Japon à la fin des années 1970, où elle a continué à explorer des thèmes de répétition, de motifs et de perception  (phi.ca)

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Yayoi Kusama

Polka dot Cats  - Chats à pois

Japanese

Yayoi Kusama est reconnue pour son obsession des polka dots (pois). Plusieurs reproductions de ses chats à pois sont disponibles en ligne, souvent sous forme d’affiches ou d’impressions murales.

1. Affiche « Chat noir à pois » – Laboo Studio

• Description : Affiche élégante représentant un chat noir recouvert de pois vibrants, idéale pour les salons modernes ou les murs de galerie.

Yayoi Kusama est une artiste japonaise contemporaine née en 1929 à Matsumoto.

Elle est célèbre pour ses installations immersives, ses sculptures, ses peintures et ses performances.

Son travail est caractérisé par l’utilisation de motifs répétitifs, notamment les polka dots, et l’emploi de miroirs pour créer des effets d’infini.

Ses œuvres figurent dans des musées majeurs tels que le MoMA (New York), le Centre Pompidou (Paris) et le Tate Modern (Londres). (Qwant).

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Yayoi Kusama, Japanese artist who has had a long career involving performance, installations, printmaking, sculpture and painting

Yayoi Kusama, artiste japonaise dont la longue carrière englobe la performance, les installations, la gravure, la sculpture et la peinture

Photograph featuring the upper half of a Japanese woman wearing a matching top and hat with dark red large dots which match the background

Photographie montrant le buste d'une Japonaise portant un haut et un chapeau assortis, ornés de gros pois rouge foncé assortis au fond.

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Yayoi Kusama

Dancing Pumokin

Citrouille dansante

2020

Photo of a sculpture resembling a yellow pumpkin with black dots with octopus like tentacles sited in a garden in front of a grand building

Photo d'une sculpture ressemblant à une citrouille jaune à pois noirs avec des tentacules de pieuvre, placée dans un jardin devant un grand bâtiment.

·                                 Nature de l’œuvre : sculpture monumentale en bronze peint, inspirée du motif récurrent de la citrouille chez Kusama.

·                               Dimensions : 490,2 × 777,2 × 744,2 cm (environ 5 m de haut) ; poids > 9 tonnes (davidzwirner.com)

·                                 Caractéristiques : la citrouille possède onze jambes jaunes et noires à pois, qui semblent « danser » et se suspendre dans l’air.

Parcours d’exposition

Année	Lieu	Remarques
2020	Création	Réalisée pour le New York Botanical Garden (édition 2021) et le Museum of Islamic Art du Qatar (2022‑2023).
2021	New York Botanical Garden, NY, USA	Première présentation publique.
2022‑2023	Museum of Islamic Art, Doha, Qatar	Deuxième édition exposée.
2024	National Gallery of Victoria (NGV), Melbourne, Australie	Installée dans le Federation Court le 15 décembre 2024, gratuite et accessible à tous. La sculpture a été acquise grâce au fonds Loti & Victor Smorgon ngv.vic.gov.au

Signification

·                                 La citrouille est le signe distinctif de Kusama depuis son enfance sur la ferme familiale de semences à Matsumoto, au Japon.

·                                 Dancing Pumpkin représente l’une des plus grandes réinterprétations de ce motif, les jambes multiples suggérant le mouvement, la joie et l’immersion du spectateur sous la sculpture.

Où la voir aujourd’hui ?

·                                 Depuis décembre 2024, la sculpture fait partie de la collection permanente du NGV et reste ouverte au public dans le Federation Court de Melbourne.

En résumé, Dancing Pumpkin (2020) est une sculpture monumentale de 5 m, pesant plus de 9 tonnes, dotée de onze jambes à pois, créée par Yayoi Kusama et exposée successivement à New York, au Qatar et, depuis 2024, au NGV de Melbourne. (Qwant)

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Soleil matinal.

1999.

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Elena Poniatowska - Leonora -

 

Elena Poniatowska

Leonora

Editions Actes Sud

2012 – Traduit par Claude Fell.

 

Leonora Carrington

"Je n'avais pas le temps d'être une muse. Je passais trop de temps à me rebeller."

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Elle est née le 6 avril 1917. (p 434). Sa mère est irlandaise et  a vécu en Irlande jusqu’à ses 17 ans. (p 45).

Leonora Carrington  a des visions depuis l’enfance. (p 41). Elle ressent une telle force qu’il est impossible de la repousser. (p 43). « Je suis un phénomène à part. » (p 49). Toute sa vie, elle sera soutenue par sa maman, Maurie, qui lui achètera la maison de Saint-Martin en Ardèche. (p 140). Maurie lui envoie régulièrement de l’argent. Leonora deviendra mère de deux fils, avec Chiki Weisz, un Hongrois, au Mexique.

En 1948, James Edward, milliardaire, organise la première exposition de ses tableaux à New York. ((p 364).

 

 

L’éducation inégalitaire.

Leonora pense que son père et ses frères mentent quand ils disent qu’une fille ne peut pas faire comme eux. Elle cogne aussi fort qu’eux et dessine mieux qu’eux. (p 19).

En 1932, les sœurs la trouvent « incontrôlable » car elle a trop de tempérament. (p 40).

Son père a une suite permanente au Ritz, à Paros. (p 44).

Elle gâche toutes les chances d’un mariage « noble », rêvé par ses parents qui sont déçus et se sentent trahis par elle. (p 59).

Elle se plaindra durant toute sa vie de son père qui l’a persécutée depuis son enfance. Il déshérite sa fille et répartit l’argent entre ses trois fils.

 

Max Ernst.

Aux côtés de Max Ernst, la bête à sept têtes de l’Apocalypse est une colombe. (p 67). Il a peint « La Fessée ». La Vierge corrige Jésus, enfant. (p 85).

Il est né à Brühl près de Cologne. Il juge criminelle l’attitude des imbéciles qui ont dirigé les armées pendant la première guerre mondiale. Breton et Freud les discréditent en développant leurs travaux sur l’inconscient. (p 69).

Elena  rencontre Max Ernst en 1936, pendant la guerre d’Espagne. Il se fait entretenir. En amour, il est veule et aime les trios.

Gala – Eluard – Ernst.

Leonora – Marie-Berthe Aurenche – Ernst. (p 122).

Après l’arrestation de Max, pendant la seconde guerre mondiale (il a été interné trois fois). La peur dans les yeux de Leonora envahit la pièce et emplit la maison. (p 157).

Quand Leonora retrouve Max à New York, il lui sert de mentor. (p 268).

 

Max Ernst

La Fuite

1940

Max Ernst a peint "La fuite" en 1940, utilisant la technique de décalcomanie pour créer des formes denses et atmosphériques, reflétant son sentiment d'urgence et de fuite devant la guerre. (Qwant).

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Alcoolisme.

A midi, au Portugal,  on boit des cocktails. Les femmes prennent du Porto glacé jusqu’à leur enivrement. On fait la sieste l’après-midi. Le matin, on termine la nuit avec des « nightscaps » dans les lits. (p 248).

Peggy Guggenheim est jalouse de la beauté de Leonora. « Servez-moi un whisky double. Laissez-moi la bouteille. » (p 255).

A Mexico, Renato l’emmène à des fêtes chez Frida Kahlo. Les serveurs remplissent les verres de tequila dès qu’ils sont vides. (p 300). Certains sont ivres et cherchent leur maman. Lors d’une seconde fête, tout le monde tourne autour des pichets d’eau-de-vie. (p 301).

Les frères de Leonora boivent l’héritage du père, mort en 1946.

A San Cristobal, l’eau-de-vie que l’on vend aux paysans mexicains est meurtrière. (p 439).

 

Maladie mentale.

Leonora est internée à Santander, après l’arrestation de Max. Elle écrira plus tard, son expérience à Santander, dans « En bas » (100 pages). Elle est aidée par Jeanne, la femme du docteur Pierre Mabille,  pour cela,. (p 333). Son père veut la faire interner en Afrique du Sud, et pendant le transfert, Leonora s’échappe. Ses symptômes sont envahissants. Elle regarde sans cesse derrière elle. Elle fume comme un pompier. Elle se frotte les mains. Elle perd la boule. Elle change de voix et de rythme. Elle a des pertes de mémoire. Son comportement est excentrique. (p 271).

Renato Lucas, un Mexicain,  lui sauve la vie après sa fuite de l’hôpital psychiatrique et l’emmène à New York.

Elle prend une douche toute habillée et se plante devant Bunuel, en pleine party (= fête). (p 272).

« Ce qui compte le plus, c’est que tes idées ne te détruisent pas » dit Remediosà Leonora. (p 316).

Elle porte des chaussures qui réduisent les distances. ( !). (p 317).

 

Les sorcières.

Le Lancashire était un pays de sorcières. Douze femmes ont été pendues à Pendle Hill, au dix-septième siècle. (p 31).

 

La nature.

Le frêne est le plus grand et le plus beau des arbres de la planète. Il plonge ses racines dans la mer, ses branches soutiennent le ciel et les fées l’habitent. (p 14).

Le vert d’Irlande flamboie comme s’il y avait une lumière sous la terre. (p 47).

Pourquoi les humains entretiennent-ils les vignes ? Voici une légende possible :

A Saint-Martin-d’Ardèche au Moyen-Age,, l’âne Bourriquet a dévoré une partie de la vigne. L’année suivante, la vendange fut meilleure. Depuis, on taille les vignes. (p 140).

 

Venise.

La lagune d’eau de mer est sur le point de mourir. La putréfaction, les détritus  s’accumulent dans son sang épais. Moribonde, elle est dégénérescente. Les eaux stagnantes apportent la mort par empoisonnement. (p 51).

Valerie Thornton

Venise

The Bridge – Le Pont

1954

Valerie Thornton a créé l'œuvre "The Bridge" (Le Pont), une peinture à l'huile rare parmi ses travaux, connue pour son atmosphère et son intérêt architectural. (Worwick ac uk).

Valerie Thornton est une artiste britannique connue pour ses gravures, mais elle a également réalisé des peintures à l'huile comme "The Bridge" (1954), une œuvre rare qui met en valeur son intérêt pour l'architecture et les figures humaines. (Art uk).

Valerie Thornton, née le 13 avril 1931 à Londres, était une peintre et graveuse britannique connue pour ses gravures inspirées de l'architecture des églises médiévales, notamment de la période romane. Elle a étudié à la Byam Shaw School of Drawing and Painting et au Regent Street Polytechnic, puis a travaillé à Atelier 17 à Paris en 1954. (Annex galleries).

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Robert Brindley

British

1949

Sparkling Morning Light, Grand Canal, Venice.

Robert Brindley

Britannique

1949

Lumière scintillante du matin, Grand Canal, Venise.

Robert Brindley est un artiste britannique connu pour ses peintures du Grand Canal de Venise, notamment ses aquarelles et ses impressions limitées comme "Morning Light, Grand Canal, Venice".

Brindley s'inspire de la vue depuis le pont de l'Accademia, notamment de l'église Santa Maria della Salute.

• Brindley utilise des aquarelles et des peintures à l'huile pour représenter Venise.
• Il travaille souvent sur place, puis affine ses œuvres en atelier. (Qwant).

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Dora Maar.

Elle est rudoyée par Picasso. Elle attire la pitié quand elle entre dans un café. « Regarde dans quel état l’a laissée Picasso ». (p 95).

 

Peggy Guggenheim va protéger Max Ernst. (p 99). Quand ils rejoindront le Portugal, à Lisbonne, après avoir été aidés par Varian Fry, à la Villa d’Air-Bel à Marseille,  ils seront en couple. A New York, Peggy est la pourvoyeuse et Leonora est l’inspiratrice de Max Ernst. (p 268).

 

Vivien Leigh.

Elle vient la visiter à Mexico. Elle frappe à la porte, attend et prend le thé dans la cuisine. (p 431).

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Discrédit

Raconter tout et son contraire

"Comment se discréditer? En racontant tout et son contraire".

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Portugal.

Plus 0,3% d'excédent de PIB.

10 25.

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Leonora Carrington :

Labyrinth, 1991 by Leonora Carrington, UK-born Mexican artist, surrealist painter, and novelist.

Labyrinthe, 1991, de Leonora Carrington, artiste mexicaine née au Royaume-Uni, peintre surréaliste et romancière.

Painting of a spiral green hedged maze with odd figures and creatures appearing to stand or walk around inside.

Peinture représentant un labyrinthe en spirale entouré de haies vertes, avec d'étranges figures et créatures semblant se tenir debout ou se promener à l'intérieur.

'I didn’t have time to be anyone’s muse... I was too busy rebelling...".

« Je n’avais pas le temps d’être la muse de qui que ce soit… J’étais trop occupée à me rebeller… ».

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Leonora Carrington

La fille du Minotaure

1953.

·  Titre original : And Then We Saw the Daughter of the Minotaur (1953)  (websites.umass.edu)

·  Figures : deux enfants entourés de créatures hybrides (hyènes, chevaux, etc.)  (beauxarts.com)

·  Symboles : boules de cristal (divination), végétation (vignes), ciel étoilé et nuages flottants, créant un mélange de réel et de rêve  (websites.umass.edu)

·  Thèmes :

• Hybrides et bestiaires mythologiques, question de l’anthropocentrisme  (fabula.org)
• Rituels communautaires entre humains et animaux  (fabula.org)
• Influence de la mythologie grecque et de la littérature fantastique (Lewis Carroll)   (beauxarts.com)

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Leonora Carrington

Soeurs de la lune, Lucienne

1932

Sisters of the moon.

L'Humanité

• Cette aquarelle fait partie de la série Sisters of the Moon, créée par Carrington entre 1932‑1933, alors qu’elle était adolescente à Florence. La série raconte des histoires de magiciennes, de princesses et de leurs animaux familiers (chiens, chevaux, bestiaire fantastique). Elle s’inspire de contes de fées, de la littérature fantastique et du folklore européen, notamment irlandais, et intègre des éléments mythologiques et ésotériques  (francefineart.com)

Exposition au Musée du Luxembourg

• La série, y compris Sisters of the Moon, Lucienne, est exposée dans la grande rétrospective consacrée à Carrington au Musée du Luxembourg, Paris, du 18 février au 19 juillet 2026. L’exposition présente 126 œuvres, dont cette aquarelle, et offre un aperçu de l’évolution de son univers surréaliste, de ses premiers bestiaires à ses dernières toiles alchimiques  (francefineart.com)

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Viol collectif de Leonora Carrington en Espagne.

Leonora Carrington (1917‑2011), artiste surréaliste britannique, a fui la France occupée pour s’établir en Espagne en 1940. Là‑là, elle a été victime d’un viol collectif perpétré par des soldats franquistes. Cet acte brutal l’a conduite à une grave dépression, suivie d’un internement psychiatrique dans un sanatorium à Santander  (museeduluxembourg.fr)

• Date et lieu : 1940, Madrid ; internement à Santander  (museeduluxembourg.fr)
• Nature de l’agression : viol collectif par des soldats franquistes  (olgablog.com)
• Conséquences : dépression profonde, internement forcé, traitements inhumains (électrochocs)  (fomo-vox.com)

Cette expérience traumatisante a marqué la vie et l’œuvre de Carrington, qu’elle évoque plus tard dans son récit autobiographique « En Bas »  (olgablog.com)

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Leonora Carrington

La Dragonesa

Bronze Sculpture

Surrealist artist

Dragonesa', embodies themes central to Carrington‘s work, featuring anthropomorphic and mystical figures, merging influences from Celtic, Mexican. (Gillianjason).

« Dragonesa » incarne des thèmes centraux de l'œuvre de Carrington, mettant en scène des figures anthropomorphes et mystiques, et fusionnant des influences celtiques, mexicaines.

Leonora Carrington was a British-Mexican Surrealist artist and a founding member of the women’s liberation movement in Mexico. (1stdibs).

Leonora Carrington était une artiste surréaliste britanno-mexicaine et une membre fondatrice du mouvement de libération des femmes au Mexique.

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Leonora Carrington.

"I didn’t have time to be anyone’s muse... I was too busy rebelling"

« Je n’avais pas le temps d’être la muse de qui que ce soit… J’étais trop occupée à me rebeller.»

Le passage « Je n’avais pas le temps d’être la muse de qui que ce soit… J’étais trop occupée à me rebeller » est attribué à Leonora Carrington, peintre et écrivaine surréaliste.
Il apparaît dans plusieurs sites de citations :

• Sur Goodreads sous la forme anglaise : “I didn’t have time to be anyone’s muse… I was too busy rebelling against my family and learning to be an artist.”  (goodreads.com)

• Sur Booknode en français : « Je n'avais pas le temps d'être la muse de qui que ce soit… J'étais trop occupée à me rebeller contre ma famille et à apprendre à être une artiste. »  (booknode.com)

Ces sources confirment que la citation provient de Carrington et reflète son refus de se conformer aux attentes familiales pour se consacrer à son art. (Qwant)

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Leonora Carrington

The Sun from the Tarot cards

Le Soleil des cartes du Tarot

Surrealist painter

Painted illustration featuring a white fiure on a white horse holding a red flag under a large sun in a gold landscape

Illustration peinte représentant une figure blanche sur un cheval blanc tenant un drapeau rouge sous un grand soleil dans un paysage doré

Le Soleil dans le tarot de Leonora Carrington

Le Soleil est l’une des 22 cartes de l’Arcane majeur de la collection de tarot créée par l’artiste surréaliste Leonora Carrington dans les années 1950.
Le deck, réalisé à partir de feuilles d’or et d’argent posées sur des panneaux de carton aux couleurs éclatantes, a été présenté pour la première fois lors de l’exposition centenaire de l’artiste en 2018 au Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey 

Contexte de la création

·                                 Période : Années 1950, période où Carrington explorait activement les symboles occultes et les arcanes du tarot.

·                                 Technique : Peintures à l’huile sur carton, décorées de feuilles d’or et d’argent, donnant aux cartes une qualité lumineuse et mystique.

·                               Publication : Le deck a été compilé dans le livre The Tarot of Leonora Carrington (édition 2020), qui présente les 22 cartes de l’Arcane majeur accompagnées d’analyses détaillées et d’un texte d’introduction de son fils Gabriel Weisz (lardanchet.fr)

Le Soleil

·                                 La carte du Soleil apparaît parmi les 22 arcanes majeurs de ce deck.

Deck (définition)

·                                 Terme général : Plateforme horizontale, souvent en bois, située à l’extérieur d’un bâtiment ou à bord d’un navire.

·                                 Dans les jeux de cartes : Ensemble complet de cartes utilisées pour jouer (ex. jeu de 52 cartes).

·                                 En informatique : Structure de données de type pile (LIFO) ou ensemble de couches (ex. « deck » de cartes UI).

·                                 En construction navale : Niveau principal d’un navire où l’on se tient debout. (Qwant)

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