Les tricoteuses - Suite - Amélie Lundahl - Hans Andersen Brendekilde -

 

Amélie Lundahl

1850 1914

Bretonne tricotant.

1883

Bretagnelainen Tyttö (Sukkien Kutoja)

Breton Girl (Sock Knitter)

1883

Amélie Helga Lundahl (1850‑1914) était une peintre finlandaise qui a développé sa carrière à la croisée des traditions artistiques nordiques et françaises. Née à Oulu, elle a étudié à l’École de dessin de la Société des arts de Finlande à Helsinki avant de s’installer à Paris en 1872, où elle a suivi l’enseignement de l’Académie Julian. Ses œuvres les plus marquantes, exposées au Salon de Paris à partir de la fin des années 1870, se distinguent par des scènes de genre hollandaises du XVIIᵉ siècle, mais elle a aussi réalisé des représentations de la Bretagne, notamment la peinture « Bretonne tricotant » réalisée en 1882, qui illustre une femme bretonne en train de tricoter dans un intérieur modeste, soulignant le labeur quotidien et la lumière naturelle  (myopenmuseum.com)

L'œuvre "Breton Girl (Sock Knitter)" est une peinture à l'huile sur toile réalisée par Amélie Lundahl en 1883. Elle représente une jeune fille bretonne en train de tricoter des chaussettes. (Qwant).

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Hans Andersen Brendekilde

Danish, Danemark

1857-1942

A peasant woman knitting under an elder tree in bloom next to a thatched house

Une paysanne tricote sous un sureau en fleurs, près d'une maison au toit de chaume.

Oil on canvas – Huile sur toile

Formation	Apprenti chez Wilhelm Hansen (sculpteur‑tailleur de pierre)  papytane.com ; formation de peintre de fleurs auprès d’OA Hermansen  papytane.com ; admis à l’Académie royale des beaux‑arts de Copenhague  papytane.com
Style	Réalisme social, Art nouveau, peintre de plein‑air réaliste et social
Influences	Anna Ancher, Peder Severin Krøyer, Carl Larsson, Anders Zorn, Edvard Munch

Hans Andersen Brendekilde était un peintre danois connu pour ses représentations réalistes de la vie paysanne, comme dans son œuvre "Une paysanne tricotant sous un sureau en fleurs", qui illustre la vie modeste et les conditions difficiles des paysans.

Qwant.

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Finlande - Helene Schjerfbeck -

 

Helene Schjerfbeck

Self-portrait, Autoportrait

1912

Peintre finlandaise.

Helene Schjerfbeck a peint son Self-Portrait en 1912, une œuvre majeure acquise par le Ateneum Art Museum en Finlande, qui détient la plus grande collection de ses œuvres.

Helene Schjerfbeck (1862-1946) est une artiste peintre finlandaise, figure majeure du modernisme finlandais. Son œuvre comprend de nombreux autoportraits, dont celui de 1912, une année marquante pour l'artiste qui fêtait alors ses 50 ans.

En 2025, une exposition intitulée Seeing Silence: The Paintings of Helene Schjerfbeck est présentée au Metropolitan Museum of Art de New York. Cette exposition, qui réunit près de soixante tableaux, offre une occasion rare de découvrir la trajectoire artistique de Schjerfbeck, une artiste qui a bâti une œuvre intérieure loin des centres artistiques de son époque. (Qwant).

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Victor Vasarely - Suite

 

Victor Vasarely

Vega

1957

Collection particulière

L'œuvre Vega a été créée par Victor Vasarely en 1957, marquant une étape importante dans son exploration de l'Op Art avec des illusions optiques et des compositions géométriques.

L'œuvre fait partie des recherches de Vasarely sur la déformation de la ligne et l'unité plastique, avant qu'il ne se tourne vers l'utilisation du trait.

L'œuvre "VEGA (2)" fait partie de la collection de Nannette et Herbert Rothschild. (Qwant).

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Victor Vasarely

A Aix en Provence

Losanges

L'exposition "Dialogues avec le losange" se déroule du 31 octobre 2025 au 15 février 2026 à la Fondation Vasarely d'Aix-en-Provence, célébrant les 100 ans du losange Renault, redessiné par Victor Vasarely en 1972.

En 1972, Victor Vasarely a redessiné le logo Renault en forme de losange, lui donnant une dimension tridimensionnelle grâce à un effet optique. Ce logo a été dévoilé sur la Renault 5 de l'époque.

La Fondation Vasarely est un lieu unique dédié à l'art cinétique et optique, conçu par Victor Vasarely lui-même. Elle abrite également le bureau de Vasarely, dévoilé pour la première fois à l'occasion de cette exposition. (Qwant).

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Atelier d'artistes - Josefa Sanromán Castillo - Alice Pike Barney - Gwen John - Marie-Denise Villers -

 

Josefa Sanromán Castillo

1829-1889

Intérieur d'atelier d'une artiste, Autoportrait

Vers 1849

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889​) was a Mexican painter who made a name for herself at a time when women were not allowed in the Art Academy. This is her occupational self-portrait, Interior de Estudio de una artista, ca. 1849.

Josefa Sanromán Castillo (1829-1889) était une peintre mexicaine qui s'est illustrée à une époque où les femmes n'étaient pas admises à l'Académie des Beaux-Arts. Voici son autoportrait au travail, Intérieur d'atelier d'une artiste, vers 1849.

Cette œuvre, peinte à l'huile sur toile, est un témoignage rare de la pratique artistique féminine à cette époque. Le titre même de l'œuvre souligne la volonté de Sanromán de se présenter comme une artiste professionnelle, et non comme une simple "amateur". À une époque où les femmes artistes étaient souvent reléguées au rang de "señoritas pintoras", Sanromán a cherché à redéfinir la féminité à travers son art, défiant les normes sociales et idéologiques. (Qwant).

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Alice Pike Barney

Self-portrait with palette – Autoportrait avec une palette

1906

Peintre

USA

Alice Pike Barney était une peintre américaine connue pour son autoportrait avec une palette réalisé vers 1906. Ce tableau, en huile sur toile, mesure 84,5 x 61,3 cm et est conservé au Smithsonian American Art Museum. (Photo 12).

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Gwen John

A Corner of the Artist’s Room in Paris

Un coin de l'atelier de l'artiste à Paris

1907

Welsh painter

Pays de Galles

Gwen John, une peintre galloise, a créé entre 1907 et 1909 l'œuvre "A Corner of the Artist’s Room in Paris", un tableau représentant un coin de son atelier à Paris, situé au 87 rue du Cherche-Midi.

La peinture représente un coin tranquille et intime d'une pièce, avec une composition simple mais évocatrice.

• Un fauteuil en osier drapé de tissu sombre à gauche.
• Une table en bois étroite à droite, sous une fenêtre ouverte.
• Une lumière douce entrant par la fenêtre, créant un jeu subtil entre lumière et ombre.
• Un livre ouvert sur la table et un manteau jeté sur le fauteuil.

L'œuvre est conservée au National Museum Wales (Musée national du Pays de Galles). (Qwant).

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Elisabetta Sirani.

Italie.

1638 - 1665

Artiste prolifique.

Professeure respectée.

1ère académie pour femmes en dehors d'un couvent.

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Elisabetta Sirani.

Sur qwant.

Père peintre et marchand d'art 

A 17 ans, déjà 190 tableaux à son actif.

A 20 ans, 1 ère commande publique.

Ouvre l'Académie de San Luce à Rome.

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Marie-Denise Villers

Young Woman Drawing

Jeune femme dessinant

1801

Jeune femme dessinant (Portrait de Charlotte du Val d’Ognes) – 1801

• Artiste : Marie‑Denise Villers (née Lemoine)  (wikiart.org)
• Attribution :
• Acquis par le Metropolitan Museum of Art (New York) en 1922, initialement attribué à Jacques‑Louis David  (neocc.marionmura.fr)
• Réattribué à Constance‑Marie Charpentier en 1977  (fr.wikipedia.org)
• Réattribué à Marie‑Denise Villers en 1996 par Margaret Oppenheimer, basé sur la ressemblance avec Une jeune femme assise devant une fenêtre  (fr.wikipedia.org)
• Femme dessinant devant une fenêtre brisée, vue d’une galerie du Louvre  (neocc.marionmura.fr)
• Derrière elle, un couple se tient sur un parapet  (neocc.marionmura.fr)
• Effet trompe‑l’œil de la vitre brisée décrit comme « tour de force »  (neocc.marionmura.fr)

Le tableau n’est pas signé, ce qui a conduit aux erreurs d’attribution  (fr.wikipedia.org)

Exposée au Salon de Paris 1801, année où David boycottait l’exposition  (fr.wikipedia.org)

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Catherine Millet - Jour de souffrance

 

Catherine Millet

Jour de souffrance

Editions Flammarion – 2008

 

Elle a un style alambiqué et elle reformule ses explications compliquées. Ses phrases sont « tape-à-l’oeil ». Elle aime s’écouter écrire.

 

Au début, le récit est séduisant. Elle explique qu’une touche de vert rehausse et fait vibrer du rouge juxtaposé à du violet (p 9).

Les peintres à l’ancienne reculent de quelques pas pour apprécier les rapports de proportion et les effets de contraste (p 13). Un tableau qui cache une anamorphose émerveillera avec son objet cohérent ( ? Ndlr : qu’est-ce que ça veut dire ?) (p 14).

Ce qui émerveille, dans les œuvres originelles, est leur perfection et leur qualité expressive (Ndlr : qu’est-ce qu’elle appelle œuvre originelle ?) (p 110).

 

Puis elle raconte sa vie amoureuse, ses soupçons, ses fantasmes et ses relations avec son amant. Ses descriptions sexuelles sont froides. Elle est observatrice et rêveuse en même temps. (p 236).

 

P 29 : Dans son premier couple, tout était permis. Il n’y avait aucun interdit, ni aucune limite. Ca lui permet de vivre ses rêves. Mais, lui, jaloux, ne va pas le supporter. La violence va s’installer, sans y mettre de mots. Elle acceptera tout (p 36).

Elle se juge comme une nomade sexuelle (p 57). Elle vit ses multiples relations comme des amitiés sexuelles (Ndlr : il y a une contradiction, non ?) (p 72).

Son second ami Jacques, à Athènes, accepte une pratique sexuelle avec la fille d’un ami, une très jeune fille, donc une mineure. Il l’écrit, elle le lit, mais il nie. (p 94). Apparemment, ce qui la dérange est son infidélité, pas la pédophilie. Le goût pour les jeunes filles est médiocre à ses yeux. Ndlr : non, c’est un crime.

Elle adopte les fantasmes de Jacques. Ils appauvrissent les siens, à son grand regret. (p 104. Ndlr : à condition qu’elle oublie ou efface complètement les siens. Est-ce possible ?)

Elle s’offre à des hommes de hasard. Ndlr : la pratique est plutôt dangereuse. Elle ne sait pas sur qui elle tombe.  « J’ai promené mon corps avec insouciance et parfois négligence ».

Elle s’ennuie avec son amant, avec le temps. Et nous aussi. (p 175).

Ses ami-es savent qu’il la trompe. Quand elle l’apprend, elle est ridiculisée. (p 177). Elle ressent la volupté des sanglots. Ndlr : encore une qui aime pleurer. (p 198).

Elle décrit ses orgasmes : spasme (p 102), onde profonde qui m’emporte (p 103), reddition de tout mon corps (p 170), onde de plaisir (p 183).

 

Elle aime les tangos déchirants de Tita Merello, Ada Falcon, Azucena Maizani.  (p 118).

 

Tita Merello - se dice de mi 

 

 Ada Falcon -No Mientas- -Reedicion 2018

 

Azucena Maizani Pero yo se

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Jeune, tout lui réussit mais elle n’a pas d’objectif. (p 223).

Adolescente, elle a fugué une fois. (p 218). Sa mère s’est suicidée. Dépressive, elle s’est défenestrée. (p 180). Catherine Millet a peur de la folie. L’art est son antidote. (p 192). En vacances, elle a de plus en plus de crises. Elle n’a plus de vie sociale et des discussions longues avec Jacques provoquent son imagination et ses angoisses. Il écrit sur ses relations sexuelles et la lecture provoque à Catherine Millet des crises. Elle le tapait, au point de le faire tomber par terre. (p 201).

Son frère qui  avait trois ans de moins qu’elle, meurt accidentellement. (p 220).

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J'ai retrouvé l'article qui précise que Catherine Millet avait signé avec Catherine Deneuve la fameuse tribune qui autorisait les hommes à nous importuner....

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Collage

"Mon Corps. Mon choix. Je te crois."

Le Havre 

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Joan Miró - Suite

 

Joan Miró

“Gardener Smoking in the Moonlight 

Jardinier fumant au clair de lune. »

1939

L'œuvre "Le Jardinier fumant au clair de lune" de Joan Miró illustre son style unique mêlant surréalisme et abstraction, caractéristique de son langage visuel distinctif. (Masterful artists).

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Joan Miro

Personnages dans la nuit.

Personnages dans la nuit est une œuvre de Joan Miró qui évoque à la fois son attitude surrealiste des années 1930 et la qualité totémique de ses travaux des années 1960-1970. Cette sculpture, marquée par son motif d'étoile, illustre la période où Miró a placé la sculpture au cœur de sa pratique artistique. (Christies).

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Joan Miro

Soirée snob chez la princesse

1948.

L'œuvre "Soirée Snob Chez La Princesse" de Joan Miró, réalisée en 1948, est une peinture sur papier qui incarne l'univers onirique et avant-gardiste de l'artiste, marquée par des arrangements dynamiques et une maturation de son style.

Propriétaire initial : Louis Clayeux, directeur artistique à la Galerie Maeght, qui a reçu l'œuvre en cadeau de Miró en mars 1949.

"Soirée snob chez la princesse" incarne cette vision, avec ses motifs mystérieux et ses personnages énigmatiques. (Qwant).

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Joan Miro

Equinoxe

1967

Le tableau présente un cercle central (souvent interprété comme le soleil) entouré de formes circulaires plus petites évoquant des planètes. Les couleurs sont vives et dynamiques, créant une impression de mouvement et d’énergie. L’œuvre reflète le style de Miró, mélangeant surréalisme et abstraction, et utilise des symboles issus de son subconscient  (printsxxl.com)

Le titre fait référence à l’équinoxe, moment où jour et nuit sont égaux. L’œuvre suggère l’harmonie et l’équilibre, ainsi que la nature cyclique de la vie  (printsxxl.com)

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Yayoi Kusama - Suite

 

Yayoi Kusama

Fish - Poisson

Depth of the sea, silkscreen; 2 works

Profondeur de la mer, sérigraphie ; 2 œuvres

1988

L'œuvre "Depth Of The Sea" de Yayoi Kusama capture l'essence vibrante et hypnotique des fonds marins, avec des motifs naturels et des couleurs éclatantes, inspirés par les profondeurs aquatiques. (Kalunea).

Elle incarne parfaitement l'univers artistique unique de Yayoi Kusama, où art et nature s’entrelacent. Les détails riches et les motifs captivants font de cette pièce un véritable point focal pour la décoration intérieure. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Brillance des âmes

2014

Série des Miroirs infinis.

L'œuvre "Brillance des âmes" de Yayoi Kusama, exposée à AlUla, fait partie de sa célèbre série des miroirs infinis, où elle explore des environnements immersifs et hallucinés à travers des jeux de miroirs et de lumières.

Cette œuvre illustre parfaitement l'obsession de Yayoi Kusama pour les effets de profondeur et l'infini, créant des espaces qui évoquent à la fois le magique et le galactique. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Snow - Neige

1990

L'œuvre "Snow" de Yayoi Kusama, créée en 1990, est une peinture sur toile de dimensions 15.9 × 22.9 cm, signée, titrée et datée au dos en kanji, accompagnée d'un certificat d'authenticité émis par l'atelier de l'artiste.

Kusama est une figure majeure de l'art contemporain, mêlant les esthétiques et théories de plusieurs mouvements du XXe siècle, notamment le Pop Art et le Minimalisme. Son style "cosmique" punchy a été affiné lors de son séjour à New York dans les années 1960.

Kusama vit et travaille à Tokyo, où elle peint quotidiennement dans son atelier.

Elle a participé à des expositions internationales prestigieuses, comme celles du Museum of Modern Art dans les années 1980 et la Biennale de Venise en 1993. (Qwant).

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Yayoi Kusama

Sitting, with red bob hairstyle, and wearing a yellow and black garment with curved lines and dots which matches the background design.

Assise, avec une coupe au carré rouge, et vêtue d'un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois assorti au motif de fond.

En octobre, une grande rétrospective Yayoi Kusama, à moins de 2h de Paris.

Il faudra vous rendre à Bâle, en Suisse, pour découvrir cette exposition exceptionnelle. Accueillie par la Fondation Beyeler et consacrée à l'artiste japonaise la plus culte de sa génération, cette première rétrospective suisse aura lieu du 12 octobre au 25 janvier 2026. (Ad magazine).

Yayoi Kusama est connue pour ses motifs de pois et ses explorations de l'infini, souvent représentés dans ses œuvres et ses vêtements, comme un vêtement jaune et noir à lignes courbes et à pois

Kusama a marqué l'univers artistique avec ses expositions prestigieuses, comme celles au Musée Guggenheim Bilbao ou à la Tate Modern. Elle a également collaboré avec des marques de luxe comme Louis Vuitton, apposant ses célèbres pois sur des sacs et des collections capsule.

Dès son enfance, Yayoi Kusama dessinait pour échapper aux hallucinations dont elle souffrait. Ce thème de l'infini et des motifs répétitifs est devenu central dans son œuvre, explorant les frontières entre l'homme et son environnement.

Son impact sur le monde de l'art contemporain est indéniable, et son style distinctif continue d'inspirer de nombreuses œuvres et produits dérivés, comme les affiches minimalistes qui capturent son essence artistique (Qwant).

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Camille Pissarro. Suite.

 

Camille Pissarro.

 1830  - 1903

Le village à travers les arbres.

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Pommiers à Pontoise.

Camille Pissarro.

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Vue d'une ferme à Osny.

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René Magritte - Suite

 

René Magritte

L'oiseau de ciel

1966

L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René Magritte créée en 1966, représentant un oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275 exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.

René Magritte, artiste surréaliste belge, a peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre en question la réalité. 

(Tableau galerie création).

La colombe est un symbole récurrent dans l'œuvre de René Magritte, représentant la paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des éléments comme La Victoire de Samothrace. (Magicalevents).

Magritte revient à Bruxelles pour y créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé à Magritte par Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).

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René Magritte

Le jockey perdu 

The lost jockey.

1926

Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).

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René Magritte

The human condition 

La condition humaine  

1935

La Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu depuis une fenêtre. (Wikipedia).

Ceci est un élément important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement.  (The history of art).

"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est "stérile", "vide", "sans contenu", "incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires et les choses les plus sublimes."

René Magritte

(Sublimations be).

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René Magritte

Le regard mental

The mind's gaze.

1946

Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).

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René Magritte

“Les Mémoires d'un saint”.

1960.

C’est assez incroyable de voir comment avec juste quelques éléments, Magritte arrive à recréer tout un monde. (L’art aux quatre vents).

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L'état de grâce.

1959.

Ndlr : Faire du vélo sur des cendres ?

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René Magritte

Le jockey perdu

The Lost Jockey.

Le Jockey Perdu (The Lost Jockey) est une œuvre majeure de René Magritte, créée en 1926, marquant son premier travail considéré comme surrealiste. Inspiré par Max Ernst et Giorgio De Chirico, Magritte y explore des thèmes de décalage et d'incongruité à travers un paysage étrange et une sphère mystérieuse.

"Le jockey perdu" est devenu l'un des sujets les plus iconiques de Magritte. L'œuvre a été conservée dans la collection de William N. Copley, un mécène et ami de l'artiste, avant d'être vendue aux enchères en 1979. Cette pièce illustre parfaitement le style surréaliste de Magritte, marqué par des juxtapositions insolites et une atmosphère onirique. (Qwant).

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René Magritte

The happy donor

Le donateur heureux

1966

L'œuvre "The Happy Donor" (ou "L'Heureux Donateur") de René Magritte, créée en 1966, est une peinture symbolique du mouvement surrealiste représentant une silhouette d'homme remplie d'un paysage crépusculaire avec une maison illuminée et un croissant de lune. (Wikiart).

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René Magritte

1898-1967

“The Castle of the Pyrenees”  - Le Château des Pyrénées.

1959

Oil on canvas – Huile sur toile.

René Magritte a créé "Le Château des Pyrénées" en 1959, une huile sur toile mesurant 200 x 145 cm, actuellement exposée au musée d'Israël à Jérusalem. Cette œuvre emblématique du surréalisme représente un rocher géant suspendu au-dessus d'une mer agitée, avec un château perché dessus, illustrant l'univers onirique et poétique de l'artiste. (Qwant).

·  Contraste entre la lourdeur du rocher et la légèreté du château.

·  Défis à la perception : Magritte joue avec les notions de réalité et d'imagination. (Qwant).

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Le feu.

1943.

Musée René Magritte.

Bruxelles.

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