Camille Pissarro. Suite.

 

Camille Pissarro.

 1830  - 1903

Le village à travers les arbres.

-------- 

Pommiers à Pontoise.

Camille Pissarro.

--------

 

René Magritte - Suite

 

René Magritte

L'oiseau de ciel

1966

L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René Magritte créée en 1966, représentant un oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275 exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.

René Magritte, artiste surréaliste belge, a peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre en question la réalité. 

(Tableau galerie création).

La colombe est un symbole récurrent dans l'œuvre de René Magritte, représentant la paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des éléments comme La Victoire de Samothrace. (Magicalevents).

Magritte revient à Bruxelles pour y créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé à Magritte par Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).

 ----------------

René Magritte

Le jockey perdu 

The lost jockey.

1926

Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).

------------------

René Magritte

The human condition 

La condition humaine  

1935

La Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu depuis une fenêtre. (Wikipedia).

Ceci est un élément important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement.  (The history of art).

"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est "stérile", "vide", "sans contenu", "incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires et les choses les plus sublimes."

René Magritte

(Sublimations be).

 -------------------

René Magritte

Le regard mental

The mind's gaze.

1946

Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).

-------------------

11 personnes ont lu cet article.

Henri de Toulouse-Lautrec - Suite

 

Henri de Toulouse-Lautrec

The Marble Polisher.

Le polisseur de marbre.

Le Polisseur de Marbre est une œuvre de Henri de Toulouse-Lautrec réalisée entre 1882 et 1887 pendant sa formation à l'atelier de Fernand Cormon à Paris, où il a étudié l'anatomie humaine et les techniques impressionnistes. (Chequadro).

"Le polisseur de marbre" par Henri de Toulouse-Lautrec est une peinture qui illustre la vie quotidienne des travailleurs avec une approche presque documentaire. (Art majeur).

L'œuvre intitulée « The Marble Polisher » (Le polisseur de marbre) est une peinture réalisée par entre 1880 et 1890. Elle est actuellement conservée au Princeton University Art Museum. (App fta art).

-------------

François Boucher - Suite

 

François Boucher - Apollon, femmes et Putti

François Boucher a peint « Apollon révélant sa divinité à Issé » (1750), représentant le dieu Apollon et la bergère Issé, avec une scénographie pastorale héroïque liée au théâtre et à l’opéra; le tableau est signé « f. Boucher 1750 ». (Collection Louvres).

Avec Apollon révélant sa divinité à la bergère Issé, François Boucher, relaie donc Ovide, mais s’octroie la licence d’aller un cran plus loin dans le déroulement du récit. (Fresnault images).

En 1750, François Boucher est le peintre officiel de la cour, il peint “Apollon Révélant Sa Divinité A La Bergère Issé”, son œuvre multiple. (Museum TV).

François Boucher décline son art autour des femmes et du thème féminin, multipliant les représentations de corps et d’expressions féminines, et fournissant des cartons, modèles ou motifs pour la tapisserie, la porcelaine et la toile de Jouy, contribuant à l’“art de vivre” du XVIIIe siècle. (Femme femme femme).

François Boucher, comme les autres artistes de l’exposition, était le peintre de la femme, de l’amour, de la galanterie (déploiement des sens mêlés à la tendresse), du libertinage et du désir. (Didier Saillier).

François Boucher François Boucher (1703 - 1770) est un peintre du XVIIIe siècle, représentatif du style rococo. (Wikipedia).

Cette étude de putti, thème iconographique très repandu chez François Boucher, est préparatoire au célèbre tableau du Lever du Soleil, acquis en paire avec le Coucher du Soleil par la marquise de Pompadour. (Christies).

Parmi le vaste répertoire thématique de l'œuvre de Boucher figurent ses toiles de putti, ou angelots dodus, comme dans L'Amour moissonneur ou Les Chérubins moissonneurs. (Proantic).

--------------

Hieronymus Bosch - Suite

 

Hieronymus Bosch

La voie mystérieuse vers le Paradis

1504

En 1504, Hieronymus Bosch illustre une vision dualiste du paradis, distinguant le paradis terrestre, accessible aux âmes pures, et le paradis céleste, plus éloigné et divin, reflétant sa fascination pour l'au-delà et la quête de lumière divine.

En 1504, le prince Philippe le Beau, fils de l'empereur Maximilien, lui demande « un grant tableau […] oudoist estre le jugement de dieu assavoir paradis et enfer.

(Herodote).

Visions de l'au-delà est le titre forgé d'un cycle de quatre panneaux peints à l'huile par Jérôme Bosch au début du XVIe siècle. (Wikipedia).

Tant est grande la fascination de Bosch pour l’enfer, que l’on ne peut qu’être surpris de l’idéalisation ayant marqué sa représentation du paradis. (Revue acropolis).

-----------------

Hieronymus Bosch

“Devils and angels fight over soul of a dying miser. Which way will he go in these last moments on earth?”

Diables et anges se disputent l'âme d'un avare mourant. Quel chemin choisira-t-il dans ses derniers instants sur terre ?

Le tableau suggère que l'avare hésite entre suivre le diable et sa bourse ou l'ange et le crucifix, symbolisant un choix entre la tentation matérielle et la voie spirituelle au moment de sa mort. (Devoir de philosophie).

Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. (Wikipedia).

Bosch nous montre un homme qui, à l'heure de sa mort, persiste dans son avarice. L'ange à sa droite tente d'attirer son attention vers le crucifix, situé en travers de la fenêtre, illuminé d'une lumière. (Lycée Kleber).

--------------

Cabaret artistique

L'Enfer

Montmartre

L'Enfer est un célèbre cabaret de Montmartre, fondé en novembre 1892 par Antonin Alexander, dit « Antonin ». Le cabaret, en proie à de sérieuses difficultés financières, est racheté par l'enseigne Monoprix en 1950 qui souhaite agrandir sa surface. (Wikipedia).

À Paris, le quartier Montmartre a connu une période complètement folle, entre la fin du XIXe siècle et le milieu du XXe siècle. 53 du boulevard de Clichy. (Immobolis).

Boulevard de Clichy, le diable de la façade sculptée de différentes figures du cabaret "L'Enfer", et à sa gauche la façade du cabaret "Le Ciel" au deux panneaux peints d'anges. (Paris musées collections).

------------------

Kees van Dongen. Suite.

 

Le peignoir rose.

1905.

--------

Kees van Dongen

Femme au chapeau vert.

Kees van Dongen a peint "Femme au chapeau vert" en 1913, une œuvre emblématique illustrant son jeu de lumière et d'ombre et son regard unique sur la figure féminine, vendue 4,338 millions de dollars chez Sotheby’s. (Gostevs).

Kees van Dongen, de son nom de naissance Cornelis Théodorus Marie van Dongen, est un peintre néerlandais naturalisé français, né le 26 janvier 1877. (Wikiart).

------------------

16 personnes ont lu cet article.

Tsuguharu Léonard Foujita - Suite

 

Foujita

Autoportrait

1929.

Foujita a peint un autoportrait en 1929, mais le contexte indique qu'il s'agit plutôt d'une œuvre de 1927, représentant Foufou avec ses caractéristiques frange, moustache et lunettes rondes, symbolisant son style et sa personnalité.

Foujita a peint de nombreux autoportraits au chat, cet animal étant comme son double. Il se représente assis à une table basse alors qu’il s’apprête à dessiner.

(mba Lyon).

Pour marquer sa différence de Japonais, il se forge un personnage excentrique, avec frange et grosses lunettes rondes, qui entrera dans la légende. (Centre Pompidou).

---------------

Léonard Tsuguharu Foujita

Chat couturier

Head of a grey tabby cat peeking up over a tabletop with sewing items scattered about (pincushion, thimble, spools of thread, measuring tape).

Tête d'un chat tigré gris qui se dresse au-dessus d'une table avec des articles de couture éparpillés (coussin à épingles, dé à coudre, bobines de fil, ruban à mesurer).

Léonard Tsuguharu Foujita était un artiste polyvalent, connu principalement pour ses peintures, mais il a également exploré d'autres domaines artistiques, dont la mode en tant que styliste. (Fondation Foujita).

Léonard-Tsuguharu Foujita a peint "Chat couturier" en 1927, une œuvre signée et authentifiée par Sylvie Buisson, représentant un chat de gouttière avec la grâce et le mystère caractéristiques de ses félins.

Léonard Tsuguharu Foujita (1886-1968), artiste français d’origine japonaise né à Tokyo, a été très inspiré par les chats.

(Artetglam).

Animal plutôt maléfique au Japon, le chat symbolise la rébellion de l’artiste. (Centre Pompidou).

------------------

13 personnes ont lu cet article.

 

Gabriele Münter - Artiste

 

Gabriele Münter

Artiste

Vue uniquement comme l'amoureuse de Kandinsky.

Gabriele Münter est souvent perçue comme l'amoureuse de Kandinsky, avec qui elle a partagé une relation de quatorze ans, mais elle était également une artiste indépendante majeure, cofondatrice du mouvement Der Blaue Reiter. (Audeladestoiles).

Et aujourd’hui, c’est grâce à toute cette sauvegarde qu’on peut voir de très belles expositions de Gabriele Münter, mais aussi de Kandinsky, de Franz Marc, et même de Paul Klee. (Beaux-Arts).

Éclipsée par l’aura de Vassily Kandinsky, qui fut son mentor et son amant, Gabriele Münter (1877-1962) fait partie des pionnières de l’art moderne. (Arte).

Gabriele Münter s’imposa comme une des figures majeures de l’expressionnisme allemand, aux côtés de Kandinsky qui fut son compagnon. (Connaissance des arts).

Cet été, le musée d’Art moderne de Paris lui consacre sa première rétrospective française, une occasion de (re)découvrir celle qui n’a longtemps été connue que comme la compagne de Kandinsky. (Paris musées).

-------------

Petit déjeuner des oiseaux.

1934.

---------

1935

1921

Autoportraits.

Musée d'art moderne de Paris.

----------

12 personnes ont lu cet article.

Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française

 

Marie Bracquemond

1840-1916

French Impressionist painter who struggled against attempts to suppress her work, most notably from her own husband, the painter Félix Bracquemond.

Peintre impressionniste française qui a lutté contre les tentatives de suppression de son œuvre, 

notamment de la part de son propre mari, le peintre Félix Bracquemond.

Marie Bracquemond était une peintre impressionniste française qui a dû lutter contre les tentatives de suppression de son œuvre, notamment en raison des défis liés à sa reconnaissance en tant que femme dans un milieu dominé par les hommes.

Marie Bracquemond, née Marie Anne Caroline Quivoron le 1er décembre 1840 à Argenton-en-Landunvez et morte le 17 janvier 1916 à Sèvres, est une peintre, graveuse et céramiste française.

(Wikipedia).

En 1879, 1880 et 1886, Marie Bracquemond participe aux expositions impressionnistes, mais son époux goûte peu les évolutions de sa peinture. (Beaux-Arts).

Elle est considérée par le critique d'art Gustave Geffroy, comme une des trois « grandes dames » de l'impressionnisme avec Berthe Morisot et Mary Cassatt. (Wikiart).

Elle a commencé des cours de peinture à l'adolescence. (Artwizard).

-----------------

11 personnes ont lu cet article.

Lee Krasner (1908-1984) est une artiste américaine essentielle de l’Expressionnisme Abstrait

 

Invisibilité des femmes :

Lee Krasner was labelled as "wife of Jackson Pollock” at a major London art gallery, while in another room Jackson Pollock didn’t seem to require to be named as anyone’s husband.

Lee Krasner était étiquetée comme « épouse de Jackson Pollock » dans une grande galerie d'art de 

Londres, tandis que dans une autre pièce, Jackson Pollock ne semblait pas avoir besoin d'être nommé 

mari de qui que ce soit.

Lee Krasner était étiquetée comme « épouse de Jackson Pollock ».

1908–1984

Lee Krasner a longtemps été considérée comme « épouse de Jackson Pollock », mais depuis les années 1980, sa place dans l’histoire de l’art abstrait américain a été largement revalorisée, soulignant son rôle en tant que pionnière et artiste à part entière.

En 1941, elle a rencontré Jackson Pollock (1912-1956) et a bientôt commencé une relation tumultueuse. Ils se sont mariés en 1945 et se sont séparés peu de temps avant la mort de Pollock.

(Gallerix).

L’ombre de Jackson Pollock plane toujours sur ces tableaux, certains critiques d’art y distinguant l’influence de son défunt époux. (Vanity Fair).

Longtemps peu reconnue comme artiste, parce que femme et épouse de Jackson Pollock, Lee Krasner est maintenant considérée comme une figure clé au sein de l' abstraction. (Wikipedia).

En 1955, toujours par le truchement du collage, Lee Krasner se lance dans la plus « matisséenne ». (Universalis).

Lee Krasner (1908-1984) est une artiste américaine essentielle de l’Expressionnisme Abstrait, reconnue pour sa vision innovante, sa palette audacieuse et son rôle majeur dans la scène artistique, malgré une longue période d’ombre derrière son époux Jackson Pollock. Elle a développé un langage pictural personnel alliant rigueur formelle et explosion émotionnelle. (Art4you gallery).

Pendant les deux années suivantes, Pollock vit dans la pauvreté, d’abord avec Charles et, à l’automne 1934, avec son frère Sanford., Il partagera un appartement à Greenwich Village. (Chadwilken).

En 1938, Jackson Pollock subit une dépression nerveuse qui le mena en soin psychiatrique. (Journal de Montréal).

 ----------------

Femmes artistes

Hommes qui dénigrent

Mépris et mauvaise foi

Otto Rank à Anaïs Nin.

Otto Rank utilise la mauvaise foi et le mépris pour dénigrer la création féminine, affirmant que les femmes manquent de « puissance créatrice » et que leurs œuvres relèvent de influences extérieures, une attitude problématique qui reflète le sexisme historique envers les femmes artistes.

Lorsqu’un homme guérit de sa névrose, il devient artiste », déclarait Otto Rank (1884-1939) à Anaïs Nin, dont il était le psychanalyste.

« Lorsqu’une femme guérit de sa névrose, elle devient femme. Lorsqu’un homme guérit de sa névrose, il devient artiste », déclarait Otto Rank (1884-1939) à Anaïs Nin.

Cynthia Fleury

L'Humanité

En 1926, Rank s'installe à Paris, devenant l'analyste d'Henry Miller et d'Anaïs Nin, avec qui il a une courte liaison. Il voyage en Amérique, où il rencontre un certain succès. (Babelio).

Otto Rank - Après avoir été un autodidacte souffreteux et désespéré, puis le collaborateur le plus proche de Freud, le voici qui hante les boîtes de jazz avec ses deux amis, Anaïs Nin et Henry Miller. (Le Monde).

Les femmes artistes qui dénoncent les stéréotypes et les inégalités font face à des réactions de mépris et de mauvaise foi qui reflètent une domination masculine persistante dans les décideurs, critiques et circuits artistiques, rendant l’entrée et la reconnaissance plus difficiles pour elles. (Blog artsper).

09 25

-------------------

11 personnes ont lu cet article.

Gwen John - Artiste galloise

 

Gwen John

Artiste galloise

1902

Autoportrait

Vue comme ayant partagé sa vie avec son frère et l'amour de Rodin.

L'autoportrait de 1902 de Gwen John reflète probablement son introspection et son équilibre entre sa relation avec son frère Augustus John et son amour pour Rodin, témoignant de la complexité de sa vie affective et artistique. (Get daily art).

Active en France de 1904 à 1939, sa peinture est essentiellement celle de portraits de femmes anonymes peints dans des camaïeux de tons sourds. (Wikipedia).

In the autumn of 1903, Gwen went to France again, living in Bordeaux and in Toulouse. In 1904, in Paris, he began to pose as a model for Auguste Rodin, as a result of which love relationships. (Arthive).

À l'automne 1903, Gwen retourne en France, vivant à Bordeaux et à Toulouse. En 1904, à Paris, elle 

commence à poser comme modèle pour Auguste Rodin, ce qui entraîne des relations amoureuses.

-----------------

10 personnes ont lu cet article.

Pablo Picasso - Suite.

 

Pablo Picasso

Two acrobats (Harlequin and his companion)

Les deux saltimbanques

Arlequin et sa compagne

1901.

Les Deux Saltimbanques d'après Picasso, réalisé en 1901, représente l'Arlequin et sa compagne lors de sa période du Tableau de la Rue, mais la lithographie de 1960 évoque une réinterprétation de cette œuvre, tandis que l'original de 1901 est une peinture à l'huile conservée au Pushkin Museum.

Les Deux Saltimbanques de Picasso, peint en 1901 durant sa période bleue, représente un arlequin et sa compagne dans une ambiance sombre et mélancolique, utilisant principalement des tons bleus et violets pour évoquer la vulnérabilité et la condition humaine, symbolisant l'importance de l'art face à la souffrance.  

(Masterwork fineartgallery)

------------

Pablo Picasso

The Kitchen - La cuisine

November 1948 – Paris.

"La Cuisine" de Pablo Picasso, réalisée en novembre 1948 à Paris, est une œuvre monumentale, monochrome et presque abstraite, inspirée d'une cuisine blanche au rue des Grands-Augustins, avec des éléments comme des oiseaux et des assiettes colorées évoquant la scène quotidienne. (Guggenheim).

Picasso painted The Kitchen in November 1948, on the thirty-year anniversary of the death of the poet Guillaume Apollinaire, his dear friend. (Moma).

Picasso peint La Cuisine en novembre 1948, à l'occasion du trentenaire de la mort du poète Guillaume 

Apollinaire, son cher ami.

Ces questionnements plastiques mènent ici Picasso presque à l'abstraction, si ce n'étaient hibou, tourterelles et plantes, de la main, dit-on, de Françoise Gilot. (MuseePicassoParis).

--------------

Pablo Picasso

L'Hétaïre (Courtisane au collier)

1901

Le tableau "L'hétaïre" de Pablo Picasso (1901), appartenant à la période bleue, a été vandalisé en juin 2024 par un militant écologiste au Musée des beaux-arts de Montréal, mais aucun dommage sérieux n'a été constaté grâce à un verre protecteur, et l'œuvre a été rapidement restaurée et remise en exposition. (Wikiart).

Magnifique copie du tableau original conservé à la Pinacothèque Agnelli réalisé par  Picasso en 1901  lors de son deuxième voyage à Paris. (Catawiki).

L'hétaire était dans l'Antiquité grecque une courtesane de bonne éducation, souvent célèbre, qui proposait sa compagnie et ses services sexuels de manière suivie. Le terme désigne aussi, par extension, une femme exerçant la vénalité en tant que courtisane ou prostituée. (Universalis).

-------------------

Pablo Picasso

Woman in a shaw

Femme dans un châle

Pablo Picasso – FEMME ASSISE (FEMME AU CHÂLE), œuvre huile sur toile datant de 1909, mesurant 80,5 x 65 cm et associée à la Fondation Beyeler. (Fondation Beyeler).

Dans Femme au châle polonais (Kessel no95), nous retrouvons la position frontale de la femme assise, le regard baissé, songeur, dans une composition à la vue plongeante d’une relative hardiesse. (Centre Pompidou).

------------------

Pablo Picasso

Bust of Woman with Yellow Ribbon (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline).

Buste de femme au ruban jaune (Jacqueline) est une œuvre de Pablo Picasso réalisée en 1962, appartenant à ses années tardives et relevant des styles cubisme et surréalisme. (Flickr).

Colette became an integral part of Fin's extended family and was welcomed by Picasso and his wife Jacqueline into their home, Notre-Dame-de-Vie, outside Mougins and into their closely knit circle. (Christies).

Colette est devenue partie intégrante de la famille élargie de Fin et a été accueillie par Picasso et sa femme Jacqueline dans leur maison, Notre-Dame-de-Vie, à l'extérieur de Mougins et dans leur cercle très uni.

------------------

Pablo Picasso

Portrait de Jacqueline accoudée

1959.

Femme accoudée est une linogravure originale de Pablo Picasso réalisée en 1959, représentant Jacqueline, son épouse. Cette œuvre, éditée par la Galerie Louise Leiris en 1960, est remarquable pour ses lignes pures et monumentales, mettant en valeur les courbes du corps et des détails comme les mains, les épaules et la chevelure. Elle mesure 75 x 61,8 cm et est signée par l'artiste. (Christies).

Femme accoudée, Jacqueline, est exceptionnelle par l’assurance, la précision et la pureté de ses lignes. Jacqueline est ici toute en courbes et monumentale. (Galerie Institut).

--------------------

Pablo Picasso

The chess

Le jeu d'échecs.

Pablo Picasso a créé "The Chess" en 1911, une œuvre emblématique du mouvement Analytical Cubism, représentant une nature morte avec des formes géométriques et une palette de couleurs terreuses. (Artchive).

The Chess est une œuvre séminale dans le canon cubiste, qui montre l'approche révolutionnaire de Picasso en matière de représentation.  (Wahooart).

Le jeu d'échecs dans la peinture est un thème qui a été largement utilisé au cours des siècles. Les artistes ont représenté aussi bien les partenaires devant le jeu d'échecs que les éléments du jeu. (Wikipedia).

Picasso and the Chess Player is the story of how Picasso and Duchamp came to define the epochal debate between modern and conceptual art-a drama that features a who's who of twentieth-century. (Jstor).

Picasso et le joueur d'échecs raconte comment Picasso et Duchamp en sont venus à définir le débat historique entre l'art moderne et l'art conceptuel - un drame qui met en vedette un who's who du XXe siècle.

----------------

Le baiser.

Pablo Picasso.
 ---------

14 personnes ont lu cet article.