Aux USA et en France : "T'as les moyens. T'auras tout. T'as pas les moyens? T'auras rien." "Tu veux mourir de mort violente? Tu te fais contrôler par la police." Le sexe n'est pas un "travail". Soutien aux Palestinien-nes , aux Libanais-es, aux Iranien-nes. En 1832, Jeanne DEROIN disait : "Plutôt le célibat, que l'esclavage (NDLR : du mariage)". En 2024, 1 adulte français-e sur 3 est célibataire. 648 595 vues. Google attaque mon blog en supprimant des articles. Je vais sur Qwant maintenant.
Victor Vasarely
Vega
1957
Collection particulière
L'œuvre Vega a été créée par Victor Vasarely en 1957, marquant une étape importante dans son exploration de l'Op Art avec des illusions optiques et des compositions géométriques.
L'œuvre fait partie des recherches de Vasarely sur la déformation de la ligne et l'unité plastique, avant qu'il ne se tourne vers l'utilisation du trait.
L'œuvre "VEGA (2)" fait partie de la collection de Nannette et Herbert Rothschild. (Qwant).
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Josefa Sanromán Castillo
1829-1889
Intérieur d'atelier d'une artiste, Autoportrait
Vers 1849
Josefa Sanromán Castillo (1829-1889) was a Mexican painter who made a name for herself at a time when women were not allowed in the Art Academy. This is her occupational self-portrait, Interior de Estudio de una artista, ca. 1849.
Josefa Sanromán Castillo (1829-1889) était une peintre mexicaine qui s'est illustrée à une époque où les femmes n'étaient pas admises à l'Académie des Beaux-Arts. Voici son autoportrait au travail, Intérieur d'atelier d'une artiste, vers 1849.
Cette œuvre, peinte à l'huile sur toile, est un témoignage rare de la pratique artistique féminine à cette époque. Le titre même de l'œuvre souligne la volonté de Sanromán de se présenter comme une artiste professionnelle, et non comme une simple "amateur". À une époque où les femmes artistes étaient souvent reléguées au rang de "señoritas pintoras", Sanromán a cherché à redéfinir la féminité à travers son art, défiant les normes sociales et idéologiques. (Qwant).
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Catherine Millet
Jour de souffrance
Editions Flammarion – 2008
Elle a un style alambiqué et elle reformule ses explications compliquées. Ses phrases sont « tape-à-l’oeil ». Elle aime s’écouter écrire.
Au début, le récit est séduisant. Elle explique qu’une touche de vert rehausse et fait vibrer du rouge juxtaposé à du violet (p 9).
Les peintres à l’ancienne reculent de quelques pas pour apprécier les rapports de proportion et les effets de contraste (p 13). Un tableau qui cache une anamorphose émerveillera avec son objet cohérent ( ? Ndlr : qu’est-ce que ça veut dire ?) (p 14).
Ce qui émerveille, dans les œuvres originelles, est leur perfection et leur qualité expressive (Ndlr : qu’est-ce qu’elle appelle œuvre originelle ?) (p 110).
Puis elle raconte sa vie amoureuse, ses soupçons, ses fantasmes et ses relations avec son amant. Ses descriptions sexuelles sont froides. Elle est observatrice et rêveuse en même temps. (p 236).
P 29 : Dans son premier couple, tout était permis. Il n’y avait aucun interdit, ni aucune limite. Ca lui permet de vivre ses rêves. Mais, lui, jaloux, ne va pas le supporter. La violence va s’installer, sans y mettre de mots. Elle acceptera tout (p 36).
Elle se juge comme une nomade sexuelle (p 57). Elle vit ses multiples relations comme des amitiés sexuelles (Ndlr : il y a une contradiction, non ?) (p 72).
Son second ami Jacques, à Athènes, accepte une pratique sexuelle avec la fille d’un ami, une très jeune fille, donc une mineure. Il l’écrit, elle le lit, mais il nie. (p 94). Apparemment, ce qui la dérange est son infidélité, pas la pédophilie. Le goût pour les jeunes filles est médiocre à ses yeux. Ndlr : non, c’est un crime.
Elle adopte les fantasmes de Jacques. Ils appauvrissent les siens, à son grand regret. (p 104. Ndlr : à condition qu’elle oublie ou efface complètement les siens. Est-ce possible ?)
Elle s’offre à des hommes de hasard. Ndlr : la pratique est plutôt dangereuse. Elle ne sait pas sur qui elle tombe. « J’ai promené mon corps avec insouciance et parfois négligence ».
Elle s’ennuie avec son amant, avec le temps. Et nous aussi. (p 175).
Ses ami-es savent qu’il la trompe. Quand elle l’apprend, elle est ridiculisée. (p 177). Elle ressent la volupté des sanglots. Ndlr : encore une qui aime pleurer. (p 198).
Elle décrit ses orgasmes : spasme (p 102), onde profonde qui m’emporte (p 103), reddition de tout mon corps (p 170), onde de plaisir (p 183).
Elle aime les tangos déchirants de Tita Merello, Ada Falcon, Azucena Maizani. (p 118).
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Jeune, tout lui réussit mais elle n’a pas d’objectif. (p 223).
Adolescente, elle a fugué une fois. (p 218). Sa mère s’est suicidée. Dépressive, elle s’est défenestrée. (p 180). Catherine Millet a peur de la folie. L’art est son antidote. (p 192). En vacances, elle a de plus en plus de crises. Elle n’a plus de vie sociale et des discussions longues avec Jacques provoquent son imagination et ses angoisses. Il écrit sur ses relations sexuelles et la lecture provoque à Catherine Millet des crises. Elle le tapait, au point de le faire tomber par terre. (p 201).
Son frère qui avait trois ans de moins qu’elle, meurt accidentellement. (p 220).
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Collage
"Mon Corps. Mon choix. Je te crois."
Le Havre
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Joan Miró
“Gardener Smoking in the Moonlight
Jardinier fumant au clair de lune. »
1939
L'œuvre "Le Jardinier fumant au clair de lune" de Joan Miró illustre son style unique mêlant surréalisme et abstraction, caractéristique de son langage visuel distinctif. (Masterful artists).
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Joan Miro
Personnages dans la nuit.
Personnages dans la nuit est une œuvre de Joan Miró qui évoque à la fois son attitude surrealiste des années 1930 et la qualité totémique de ses travaux des années 1960-1970. Cette sculpture, marquée par son motif d'étoile, illustre la période où Miró a placé la sculpture au cœur de sa pratique artistique. (Christies).
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Yayoi Kusama
Fish - Poisson
Depth of the sea, silkscreen; 2 works
Profondeur de la mer, sérigraphie ; 2 œuvres
1988
L'œuvre "Depth Of The Sea" de Yayoi Kusama capture l'essence vibrante et hypnotique des fonds marins, avec des motifs naturels et des couleurs éclatantes, inspirés par les profondeurs aquatiques. (Kalunea).
Elle incarne parfaitement l'univers artistique unique de Yayoi Kusama, où art et nature s’entrelacent. Les détails riches et les motifs captivants font de cette pièce un véritable point focal pour la décoration intérieure. (Qwant).
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Yayoi Kusama
Brillance des âmes
2014
Série des Miroirs infinis.
L'œuvre "Brillance des âmes" de Yayoi Kusama, exposée à AlUla, fait partie de sa célèbre série des miroirs infinis, où elle explore des environnements immersifs et hallucinés à travers des jeux de miroirs et de lumières.
Cette œuvre illustre parfaitement l'obsession de Yayoi Kusama pour les effets de profondeur et l'infini, créant des espaces qui évoquent à la fois le magique et le galactique. (Qwant).
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Yayoi Kusama
Snow - Neige
1990
L'œuvre "Snow" de Yayoi Kusama, créée en 1990, est une peinture sur toile de dimensions 15.9 × 22.9 cm, signée, titrée et datée au dos en kanji, accompagnée d'un certificat d'authenticité émis par l'atelier de l'artiste.
Kusama est une figure majeure de l'art contemporain, mêlant les esthétiques et théories de plusieurs mouvements du XXe siècle, notamment le Pop Art et le Minimalisme. Son style "cosmique" punchy a été affiné lors de son séjour à New York dans les années 1960.
Kusama vit et travaille à Tokyo, où elle peint quotidiennement dans son atelier.
Elle a participé à des expositions internationales prestigieuses, comme celles du Museum of Modern Art dans les années 1980 et la Biennale de Venise en 1993. (Qwant).
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1830 - 1903
Le village à travers les arbres.
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Pommiers à Pontoise.
Camille Pissarro.
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Vue d'une ferme à Osny.
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11 personnes ont lu cet article.
1966
L'Oiseau de Ciel est une œuvre de René
Magritte créée en 1966, représentant un
oiseau dont les plumes sont remplacées par des nuages, fusionnant ainsi
l'animal avec son environnement. Cette lithographie, tirée à 275
exemplaires, est un exemple emblématique de l'approche surréaliste de
Magritte, invitant à une réflexion sur la perception de la réalité.
René Magritte, artiste surréaliste belge, a
peint de nombreux tableaux qui cherchent à explorer l'inconscient et à remettre
en question la réalité.
(Tableau galerie création).
La colombe est un symbole récurrent
dans l'œuvre de René Magritte, représentant la
paix et la liberté dans un univers surréaliste, influencé par des
éléments comme La Victoire de Samothrace.
(Magicalevents).
Magritte revient à Bruxelles pour y
créer avec son frère Paul une agence publicitaire, L'oiseau de ciel à été commandé
à Magritte par
Sabena la compagnie aérienne national de Belgique. (Etudier).
René Magritte
The lost jockey.
1926
Le Jockey Perdu (1926) est considéré par René Magritte comme sa première œuvre surréaliste, inspirée par les collages de Max Ernst et les peintures de Giorgio de Chirico. Cette œuvre, exécutée en collage, représente un jockey sur un cheval traversant un paysage énigmatique avec des éléments surréalistes comme des bilboquets et des sculptures ressemblant à des pièces d'échecs. (Mattes on art).
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René
Magritte
The
human condition
La
condition humaine
1935
La
Condition Humaine de René Magritte en 1935 est une série de tableaux explorant le thème
d'un tableau dans le tableau, disposé devant une fenêtre et représentant un
paysage peint dans une continuité linéaire avec un paysage identique aperçu
depuis une fenêtre. (Wikipedia).
Ceci est un élément
important dans l'œuvre de Magritte; il oblige le spectateur à venir à une
nouvelle compréhension de ce qu'ils regardent. Après tout, l'image elle-même
est pas réelle. La scène en dehors de la fenêtre est la même œuvre d'art comme
la peinture sur chevalet dans le tableau, ce qui signifie qu'il n'y a pas de
scène réelle au-delà du chevalet pour être précis ou autrement. (The
history of art).
"Le mystère, lui, ne peut qu'être évoqué, il est
"stérile", "vide", "sans contenu",
"incapable de rien changer en bien ou en mal". Il est misérablement
et ridiculement réduit à être le principe absolu et nécessaire pour que le réel
puisse exister, pour que puissent se manifester les choses les plus dérisoires
et les choses les plus sublimes."
René Magritte
(Sublimations be).
René Magritte
Le regard mental
The mind's gaze.
1946
Le Regard mental est une huile sur toile de René Magritte réalisée en 1946, mesurant 54 x 65 cm et appartenant à une collection privée. Cette œuvre fait partie des nombreuses créations de Magritte explorant les thèmes de la perception et de la réalité. (Spectacle sélection).
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René Magritte
“Les Mémoires d'un saint”.
1960.
C’est assez incroyable de voir comment avec juste quelques éléments, Magritte arrive à recréer tout un monde. (L’art aux quatre vents).
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1959.
Ndlr : Faire du vélo sur des cendres ?
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René Magritte
Le jockey perdu
The Lost Jockey.
Le Jockey Perdu (The Lost Jockey) est une œuvre majeure de René Magritte, créée en 1926, marquant son premier travail considéré comme surrealiste. Inspiré par Max Ernst et Giorgio De Chirico, Magritte y explore des thèmes de décalage et d'incongruité à travers un paysage étrange et une sphère mystérieuse.
"Le jockey perdu" est devenu l'un des sujets les plus iconiques de Magritte. L'œuvre a été conservée dans la collection de William N. Copley, un mécène et ami de l'artiste, avant d'être vendue aux enchères en 1979. Cette pièce illustre parfaitement le style surréaliste de Magritte, marqué par des juxtapositions insolites et une atmosphère onirique. (Qwant).
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René Magritte
The happy donor
Le donateur heureux
1966
L'œuvre "The Happy Donor" (ou "L'Heureux Donateur") de René Magritte, créée en 1966, est une peinture symbolique du mouvement surrealiste représentant une silhouette d'homme remplie d'un paysage crépusculaire avec une maison illuminée et un croissant de lune. (Wikiart).
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Henri de Toulouse-Lautrec
The Marble Polisher.
Le polisseur de marbre.
Le Polisseur de Marbre est une œuvre de Henri de Toulouse-Lautrec réalisée entre 1882 et 1887 pendant sa formation à l'atelier de Fernand Cormon à Paris, où il a étudié l'anatomie humaine et les techniques impressionnistes. (Chequadro).
"Le polisseur de marbre" par Henri de Toulouse-Lautrec est une peinture qui illustre la vie quotidienne des travailleurs avec une approche presque documentaire. (Art majeur).
L'œuvre intitulée « The Marble Polisher » (Le polisseur de marbre) est une peinture réalisée par entre 1880 et 1890. Elle est actuellement conservée au Princeton University Art Museum. (App fta art).
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François
Boucher - Apollon, femmes et Putti
François Boucher a peint « Apollon révélant
sa divinité à Issé » (1750), représentant le dieu Apollon et la bergère Issé,
avec une scénographie pastorale héroïque liée au théâtre et à l’opéra; le
tableau est signé « f. Boucher 1750 ». (Collection Louvres).
Avec Apollon révélant sa divinité à la
bergère Issé, François Boucher, relaie donc Ovide, mais s’octroie la licence d’aller un
cran plus loin dans le déroulement du récit. (Fresnault images).
En 1750, François Boucher est le peintre officiel de
la cour, il peint “Apollon Révélant Sa Divinité A La Bergère Issé”, son œuvre multiple.
(Museum TV).
François Boucher décline son art autour
des femmes et du thème féminin, multipliant les
représentations de corps et d’expressions féminines, et fournissant des cartons,
modèles ou motifs pour la tapisserie, la porcelaine
et la toile de Jouy, contribuant à l’“art de vivre” du XVIIIe siècle.
(Femme femme femme).
François Boucher, comme les autres artistes de
l’exposition, était le peintre de la femme, de l’amour, de la galanterie
(déploiement des sens mêlés à la tendresse), du libertinage et du désir.
(Didier Saillier).
François Boucher François Boucher (1703 - 1770) est un
peintre du XVIIIe siècle, représentatif du style rococo. (Wikipedia).
Cette étude de putti, thème iconographique très
repandu chez François Boucher,
est préparatoire au célèbre tableau du Lever du Soleil, acquis en paire avec le
Coucher du Soleil par la marquise de Pompadour. (Christies).
Parmi le vaste répertoire
thématique de l'œuvre de Boucher figurent ses toiles de putti, ou angelots dodus, comme dans
L'Amour moissonneur ou Les Chérubins moissonneurs. (Proantic).
Hieronymus Bosch
La voie mystérieuse vers le Paradis
1504
En 1504, Hieronymus Bosch illustre une vision dualiste du paradis, distinguant le paradis terrestre, accessible aux âmes pures, et le paradis céleste, plus éloigné et divin, reflétant sa fascination pour l'au-delà et la quête de lumière divine.
En 1504, le prince Philippe le Beau, fils de l'empereur Maximilien, lui demande « un grant tableau […] oudoist estre le jugement de dieu assavoir paradis et enfer.
(Herodote).
Visions de l'au-delà est le titre forgé d'un cycle de quatre panneaux peints à l'huile par Jérôme Bosch au début du XVIe siècle. (Wikipedia).
Tant est grande la fascination de Bosch pour l’enfer, que l’on ne peut qu’être surpris de l’idéalisation ayant marqué sa représentation du paradis. (Revue acropolis).
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Hieronymus Bosch
“Devils and angels fight over soul of a dying miser. Which way will he go in these last moments on earth?”
Diables et anges se disputent l'âme d'un avare mourant. Quel chemin choisira-t-il dans ses derniers instants sur terre ?
Le tableau suggère que l'avare hésite entre suivre le diable et sa bourse ou l'ange et le crucifix, symbolisant un choix entre la tentation matérielle et la voie spirituelle au moment de sa mort. (Devoir de philosophie).
Le tableau montre l'influence des manuels populaires du XVe siècle sur l'art de mourir (Ars moriendi), destinés à aider les chrétiens à choisir entre le Christ sur les plaisirs coupables. (Wikipedia).
Bosch nous montre un homme qui, à l'heure de sa mort, persiste dans son avarice. L'ange à sa droite tente d'attirer son attention vers le crucifix, situé en travers de la fenêtre, illuminé d'une lumière. (Lycée Kleber).
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Cabaret artistique
L'Enfer
Montmartre
L'Enfer est un célèbre cabaret
de Montmartre, fondé en novembre 1892 par Antonin Alexander, dit « Antonin ».
Le cabaret, en proie à de sérieuses difficultés financières, est racheté par
l'enseigne Monoprix en 1950 qui souhaite agrandir sa surface. (Wikipedia).
À Paris, le quartier Montmartre a connu une période
complètement folle, entre la fin du XIXe siècle et le milieu du XXe siècle. 53
du boulevard de Clichy. (Immobolis).
Boulevard de Clichy, le diable
de la façade sculptée de différentes figures du cabaret "L'Enfer", et à sa gauche la façade
du cabaret "Le
Ciel" au deux panneaux peints d'anges. (Paris musées collections).
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Le peignoir rose.
1905.
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Kees van Dongen
Femme au chapeau vert.
Kees van Dongen a peint "Femme
au chapeau vert" en 1913, une œuvre
emblématique illustrant son jeu de lumière et d'ombre et
son regard unique sur la figure féminine, vendue 4,338
millions de dollars chez Sotheby’s. (Gostevs).
Kees van Dongen, de son nom de naissance Cornelis
Théodorus Marie van Dongen,
est un peintre néerlandais naturalisé français, né le 26 janvier 1877.
(Wikiart).
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1875 - 1947
Berges de la Seine à la Frette.
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Albert Marquet
1875-1947
“The Port of Fécamp”
1906
Oil on canvas.
Albert Marquet, né en 1875 et décédé en 1947, est un peintre français associé au mouvement fauve. Son œuvre "The Port of Fécamp" (1906) est une huile sur toile représentant le port de Fécamp, une ville normande. (Qwant).
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Albert Marquet
1875-1947
“The Pont Saint-Michel in Paris, The Quai des Augustins”
1908
Oil on canvas.
Albert Marquet a peint "The Pont Saint-Michel in Paris, The Quai des Augustins" en 1908, une œuvre représentant le Pont Saint-Michel et le Quai des Augustins à Paris. (Pinterest).
Marquet a réalisé plusieurs autres peintures représentant le Pont Saint-Michel, notamment :
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