Edvard Munch - Suite.

 

Edvard Munch

Autoportrait

"Autoportrait avec la main sous la joue"

1911.

L'autoportrait d'Edvard Munch de 1911, intitulé "Self-portrait with your hand under the cheek", illustre son style expressionniste, mettant en avant l'introspection et la complexité émotionnelle, avec une composition simple mais chargée d'une profonde charge émotionnelle et une connexion intime avec le spectateur. (Kuadros).

La liste des Autoportraits peints du peintre norvégien Edvard Munch est établie selon le catalogue raisonné de Gerd Woll, publié en 2008. (Wikipedia).

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Edvard Munch

Self-portrait – Autoportrait

Edvard Munch a réalisé 43 autoportraits au cours de six décennies, illustrant son évolution artistique et son état intérieur à chaque époque :

• Self‑Portrait with Hand under Cheek (1911) – un portrait expressionniste où Munch se regarde avec la main placée sous la joue, évoquant introspection et mélancolie. Le tableau est conservé au Musée Munch à Oslo  (artchive.com)
• Self‑Portrait Between the Clock and the Bed (1940) – un portrait sombre d’un homme vieillissant, symbolisant le passage du temps et la mortalité. Il a été peint peu avant la mort de l’artiste en 1944  (edvardmunch.org)
• Self‑Portrait with Cigarette (1895) – un portrait frontal, éclairé de bas en haut, mettant en avant le visage et la main du peintre, avec une atmosphère mystérieuse créée par la cigarette  (edvardmunch.org)

L'autoportrait de 1886 de Edvard Munch est une œuvre expressionniste où l'artiste, âgé de 22 ans, se représente avec une expression contemplative et introspective, sur un fond sombre et indistinct. (Qwant).

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Edvard Munch

1863–1944

He was a Norwegian painter.  Peintre norvégien.

« Under the stars

Sous les étoiles »

1900 – 1905.

Edvard Munch (1863–1944) était un peintre et graveur norvégien, célèbre pour ses œuvres émotionnellement intenses explorant des thèmes comme l'amour, la mort et l'anxiété humaine. Son tableau emblématique, Le Cri (1893), est l'une des images les plus reconnues de l'art occidental. (All things nordic).

"Sous les étoiles" est une peinture réalisée entre 1900 et 1910 par Edvard Munch, conservée au Musée Munch. L'œuvre représente deux personnages, probablement une mère et son enfant, enlacés. (App fta art).

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Edvard Munch

In the Garden – Dans le jardin.

1902

Edvard Munch a peint "In the Garden" en 1902, une œuvre sur toile de 75 x 82 cm représentant un jardin, actuellement dans une collection privée. Une autre version sous forme de gravure est conservée à l'Art Institute of Chicago. (Pub hist).

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Edvard Munch

New Snow in the Avenue.

Nouvelle neige dans l’avenue

1906

Nysnø i alleen (en norvégien)

Cette peinture fait partie des œuvres tardives de Munch et illustre un paysage hivernal sous une nouvelle chute de neige. L'œuvre est caractéristique de l'expressionnisme, avec des couleurs sombres et une atmosphère mélancolique.

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Edvard Munch

New snow

Nouvelle neige.

Le tableau "New Snow" (Nouvelle Neige) a été peint par Edvard Munch en 1900. Cette œuvre, emblématique de l'expressionnisme et du symbolisme, capture un paysage hivernal avec des arbres couverts de neige, évoquant calme, pureté et mélancolie.

Le tableau est conservé au Musée Munch à Oslo. (Qwant).

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Edvard Munch

Night in St. Cloud, Nuit à Saint-Cloud

1890

Night in Saint-Cloud est une œuvre emblématique d'Edvard Munch, créée entre 1890 et 1892, durant son séjour à Saint-Cloud, une banlieue parisienne. Inspirée par le post-impressionnisme, cette peinture reflète l'expressionnisme caractéristique de Munch, capturant une atmosphère mélancolique et solitaire.

Un homme en haut-de-forme assis dans une chambre sombre, regardant par la fenêtre la Seine la nuit.

Munch a vécu en France entre 1889 et 1891 grâce à une bourse d'État norvégienne. (Qwant).

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Edvard Munch

Le jour d'après

Alcoolisme.

Le Jour d’après est l’une des premières œuvres majeures de Edvard Munch (1880‑1944). Elle fait partie d’une série autobiographique où l’artiste aborde la maladie, la mort et l’alcoolisme, thèmes qu’il traite avec une facture brutale et un agressif traitement de la matière  (connaissancedesarts.com)

Contexte artistique

• Origine : Après son voyage à Paris, Munch s’inspire de la peinture de Manet et adopte un style naturaliste dépourvu de minuties sentimentales. Il cherche à « boire son sujet jusqu’à la dernière goutte d’amertume », ce qui se reflète dans la présence d’une émotion brute dans Le Jour d’après  (connaissancedesarts.com)
• Le tableau est explicitement lié à l’alcoolisme. Il fait partie d’une série où Munch traite de la dépendance à l’alcool comme thème central, illustrant la vie rongée par l’alcool  (musee-virtuel-vin.fr)
• L’inspiration de Le Jour d’après provient d’une buveuse de champagne (Hans Heyerdahl), qui aurait influencé la représentation de la dépendance dans le tableau. Le titre lui-même, Le Jour d’après, évoque la suite d’une nuit de consommation excessive et la consequence de l’ivresse  (musee-virtuel-vin.fr)

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Edvard Munch

"The Seine" – La Seine

1890

Composition : Le peintre impose des lignes parallèles strictes aux berges et à la surface de l’eau, divisant la scène en bandes horizontales de couleur. Seuls quelques éléments (bateau, feuilles, ombre d’un tronc) rompent cette rigueur  (artsandculture.google.com)

Technique : L’accent est mis sur la surface de l’eau, accentuée par des traits courts et pâles (vert clair) sur le ciel et des ombres bleues douces, rappelant les approches impressionnistes de Monet et Sisley. Le pointillisme, caractéristique du néo‑impressionnisme, est également perceptible, créant une surface picturale lisse et homogène  (artsandculture.google.com)

Couleurs : Bien qu’il n’utilise pas systématiquement les couleurs complémentaires, Munch démontre une connaissance des théories chromatiques de l’époque, comme en témoigne l’usage de lignes d’ombre (bleu foncé, vert) et de lumière (jaune) sur le tronc d’arbre, ainsi que l’interaction de couleurs complémentaires sur la surface de l’eau (artsandculture.google.com)

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Edvard Munch

La Seine à Saint-Cloud

1890

• Lieu de conservation : Musée Munch  (wikiart.org)

Cette œuvre a été réalisée alors que Munch vivait à Saint‑Cloud, une banlieue parisienne, où il a été inspiré par le paysage fluvial de la Seine. Elle illustre son intérêt pour les effets de lumière et de couleur propres à l’impressionnisme, tout en préfigurant son passage vers l’expressionnisme. (Qwant)

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Edvard Munch

Norwegian, 1863–1944 - Norvégien, 1863–1944

"Woman with Poppies"- « Femme aux coquelicots »

1919

Oil on Canvas

100.5 × 75.5 cm

Munch Museum, Oslo, Norway. - Musée Munch, Oslo, Norvège.

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Edvard Munch

Le baiser

1897

Edvard Munch – Le Baiser (1897)

Œuvre : Le Baiser est une huile sur toile réalisée en 1897 par l’artiste norvégien Edvard Munch  (fr.wikipedia.org)

Dimensions : 99 × 81 cm (100 × 81,5 cm selon certaines sources)  (connaissancedesarts.com)

Série : elle appartient à la série La Frise de la vie, qui illustre les différentes étapes d’une relation entre un homme et une femme

Localisation : l’œuvre est conservée au Musée Munch à Oslo, Norvège  (fr.wikipedia.org)

Description de l’œuvre

Le tableau représente un couple dans une quasi‑obscurité, éclairé d’un léger rayon de lumière provenant d’une fenêtre couverte par un rideau. Les visages des deux personnages se fondent, créant une seule forme sans traits distincts, symbolisant l’unité et l’intimité du baiser  (wikiart.org)

Cette représentation est caractéristique du thème du baiser que Munch a exploré depuis 1888‑1889, mettant en contraste l’intérieur figé et l’extérieur animé  (cineclubdecaen.com)

Réception et interprétations

• Le Musée d’art moderne de New York souligne que l’ambiance sombre reflète l’ambivalence de Munch vis-à-vis de l’idylle  (reddit.com)

L’historien de l’art Reinhold Heller considère la fusion des visages comme « pratiquement impossible » à séparer, illustrant l’unité mais aussi la perte d’individualité

• Des critiques littéraires, comme Stanisław Przybyszewski et August Strindberg, ont exprimé des réserves quant à la fusion des visages, la décrivant comme une forme d’extase ou de fusion grotesque (wikiart.org)

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Melancholia.

1894.

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Edvard Munch

La forêt magique

1919

• Inventaire : MM.M.00874  (zone47.com)

• Collection : Musée Munch, Oslo, Norvège  (zone47.com) 

Cette œuvre fait partie de la série de paysages forestiers de Munch, réalisée à la fin de la première moitié du XXᵉ siècle. Elle est conservée dans la collection permanente du Musée Munch, où elle est exposée sous le numéro d’inventaire indiqué ci‑dessus.

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Edvard Munch

The Sun

Le soleil

1. L’œuvre The Sun (1911) d’Edvard Munch

• The Sun est une peinture réalisée par Edvard Munch en 1911. Elle représente un soleil écrasant, presque écrasant, dominant une scène urbaine ou naturelle, symbolisant à la fois la puissance de la nature et une forme d’angoisse ou de fascination pour l’énergie vitale. Cette œuvre est souvent interprétée comme une métaphore de la lumière, de la chaleur, mais aussi de l’oppression ou de l’éblouissement face à la modernité ou à la nature elle-même.

2. Expositions récentes ou à venir mentionnant The Sun

• Aucune exposition spécifique dédiée à The Sun n’est annoncée pour 2026 dans les résultats disponibles. Cependant, plusieurs expositions en 2026 mettent en avant l’œuvre de Munch, notamment :
• MUNCH (Oslo) propose un programme riche en 2026, incluant des rétrospectives et des explorations de son héritage artistique. Par exemple :
• Edvard Munch and the Chocolate Factory (du 22 mai au 11 octobre 2026) : cette exposition présente des frises murales réalisées par Munch pour la chocolaterie Freia, ainsi que des œuvres liées au mouvement ouvrier et à l’émancipation des femmes.
• Munch’s drawings : une expérience interactive utilisant l’intelligence artificielle pour relier les dessins de Munch à des archives, permettant une exploration ludique de son univers.
• Hamburger Kunsthalle (Allemagne) : une exposition double intitulée Malfluss = Lebensfluss (du 26 février au 31 août 2026) mettra en dialogue Maria Lassnig et Edvard Munch, explorant leur usage de la couleur et de l’émotion. The Sun pourrait y être évoqué dans ce contexte.

3. Où voir The Sun aujourd’hui ?

• L’œuvre The Sun (1911) fait partie de la collection permanente du MUNCH à Oslo (Norvège), où elle est exposée régulièrement.
• Adresse : Edvard Munchs plass 1, 0194 Oslo, Norvège.
• Site officiel : www.munch.no (pour vérifier les expositions en cours).

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Mary Cassatt - Suite

 

Mary Cassatt

Dans l'Omnibus

1891.

In the Omnibus is part of a group of ten color prints that she included in her first independent exhibition, held in 1891. (The Metropolitan museum of art).

« In the Omnibus » fait partie d'un groupe de dix tirages couleur qu'elle a inclus dans sa première 

exposition indépendante, organisée en 1891.

Quel est le sujet de Mary Cassatt ? Femmes et enfants . Mary Cassatt est surtout connue pour ses tendres scènes de femmes avec de jeunes enfants. Elle a commencé à explorer ce sujet à la fin des années 1880, en gravure et en peinture. Certaines des femmes représentées dans ces œuvres étaient des mères, mais beaucoup étaient des gardiennes rémunérées qui servaient de modèles à l'artiste. (Colby museum).

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Mary Cassatt

La lettre

1890 – 1891.

"La Lettre" de Mary Cassatt (1890-1891) est une estampe en aquatinte, pointe sèche et vernis mou, illustrant une activité quotidienne avec une composition influencée par l’estampe japonaise, notamment celle d’Utamaro, caractérisée par une partie supérieure claire et un petit format, actuellement conservée à la National Gallery.

L’œuvre a été réalisée entre 1890 et 1891, ce qui correspond par ailleurs à l’époque où Cassatt se prend d’admiration pour l’estampe japonaise d’Utamaro. (Culturez vous).

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Mary Cassatt

Portrait of Lydia Cassatt

1880

Mary Cassatt a peint deux portraits de sa sœur Lydia en 1880 : "Lydia Crocheting in the Garden at Marly" et "Autumn, Portrait of Lydia Cassatt", tous deux reflétant son état de santé fragile.

Ce portrait montre Lydia assise sur un banc dans un parc arboré en automne. Elle porte des vêtements colorés et son expression reflète sa maladie.

Ce tableau a été peint alors que la santé de Lydia se dégradait. Il est considéré comme un hommage à sa sœur.

Ce tableau est conservé au Petit Palais à Paris. (Qwant).

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Mary Cassatt

Cup of Tea 

Tasse de thé

Lieu de conservation : Metropolitan Museum of Art, New York

Sujet : scène domestique montrant une femme tenant une tasse de thé, illustrant un rituel social de la classe moyenne supérieure

Style : impressionniste, utilisation de couleurs contrastées et complémentaires. (Qwant).

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Mary Cassatt

Autoportrait

Self-Portrait

1878.

Musée du MET à New York.

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Mary Cassatt

Woman with a Pearl Necklace in a Loge.

Femme avec un collier de perles dans une loge.

1879

Lieu : Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États‑Unis – acquis en 1978 par testament de Charlotte Dorrance Wright  (en.wikipedia.org)

Description de l’œuvre

Le tableau représente une jeune femme, probablement sa sœur Lydia, assise sur une grande chaise rouge dans les balcons de l’Opéra de Paris. Elle regarde un miroir qui reflète la scène de la loge, donnant l’impression d’être au cœur de la salle de spectacle  (en.wikipedia.org)

• Éclairage : Cassatt prête une attention particulière aux effets de l’éclairage artificiel sur les tons chair, influence directe de son ami Edgar Degas  (en.wikipedia.org)
• Composition : Le décor est rendu de façon gestuelle et libre, avec des figures de spectateurs esquissées en coups de pinceau rapides, typiques de l’impressionnisme  (en.wikipedia.org)
• Détails vestimentaires : La femme porte une robe rose, un éventail, un collier de perles et des gants, reflétant les codes de la haute société parisienne  (fr.wikipedia.org)
• Ambiance : L’œuvre capture l’enthousiasme de la vie nocturne parisienne, un thème cher aux impressionnistes, et illustre la fascination de Cassatt pour les scènes de théâtre  (cineclubdecaen.com)

Cassatt a exposé cette peinture lors de la quatrième exposition impressionniste de 1879, où elle a reçu beaucoup d’éloges  (philamuseum.org)

Elle faisait partie d’une série de scènes de théâtre qu’elle a réalisées à la fin des années 1870, montrant son intérêt pour la vie nocturne et l’influence de Degas (cineclubdecaen.com)

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Mary Cassatt

Elsie Cassatt Holding a Big Dog

1880

Mary Cassatt

Elsie Cassatt tenant un gros chien

1880

L’œuvre représente une jeune fille, Elsie Cassatt, tenant un gros chien. Le rendu pastel confère une douceur à la scène, typique de la sensibilité de Cassatt pour les moments intimes de la vie domestique. L’artiste, active dans le mouvement impressionniste, privilégiait les scènes familiales et les interactions entre femmes et enfants, offrant ainsi une perspective subtile sur les rôles sociaux de son époque . (Qwant).

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Mary Cassatt :

The Banjo Lesson, 1893 by Impressionist painter Mary Cassatt

La leçon de banjo, 1893, par la peintre impressionniste Mary Cassatt

Collections :

• Brooklyn Museum of Art, New York, USA (catalogue Bridgeman Images) (meisterdrucke.fr)

• National Gallery of Art, Washington D.C. (nga.gov)

• Philadelphia Museum of Art (philamuseum.org)

Contexte artistique
L’œuvre illustre un moment de vie quotidienne, typique de l’approche de Cassatt qui se concentrait sur les scènes familiales et les relations humaines. Elle a été réalisée peu avant l’exposition mondiale de 1893 à Chicago, où Cassatt avait également conçu un mur mural pour le pavillon des femmes (artmuseumgr.org)

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Mary Cassatt 

Le bain d’enfant

1893:

US painter Mary Cassatt was one of the first Western painters to portray real mother-child intimacy as opposed to formal family portraits, reflecting social changes.

The Child's Bath, 1893

La peintre américaine Mary Cassatt fut l'une des premières artistes occidentales à représenter l'intimité authentique entre une mère et son enfant, en rupture avec les portraits de famille traditionnels, reflétant ainsi les mutations sociales.

Le bain de l'enfant (1893) – Mary Cassatt

Titre : Le bain de l'enfant (également appelé La toilette de l'enfant)
Artiste : Mary Cassatt (1844‑1926)
Date : 1893
Support : huile sur toile
Dimensions : 100 × 66 cm (100,3 × 66,1 cm selon la numérotation du musée)  

Lieu actuel : Art Institute of Chicago (inventaire No. 1910.2)  (flickr.com)

Contexte artistique

Mary Cassatt était une peintre américaine proche des Impressionnistes, mais elle a développé une approche très personnelle du thème de la maternité et de l’enfance. En 1893, elle a produit Le bain de l'enfant, une œuvre qui illustre cette fascination pour les moments intimes du foyer.

La composition s’inspire fortement des estampes japonaises qu’elle a découvertes à Paris en 1890. Elle adopte leur plan aplati et l’absence d’ombres, ainsi que la perspective plongeante qui place le spectateur au-dessus de la scène, comme s’il observait le bain depuis le dessus de la bassine. Cette technique crée un sentiment de proximité tout en préservant l’intimité de la scène  (museumtv.art)

Description de la scène

• Mère : vêtue d’une robe à rayures, elle tient la petite fille dans ses bras, transmettant protection et tendresse.
• Enfant : la petite fille, nue, est assise dans une bassine d’eau chaude. Le reflet de son visage dans l’eau suggère une prise de conscience de soi, un thème que Cassatt a voulu souligner  (museumtv.art)

• Ambiance : le contraste entre la blancheur des jambes de l’enfant et les rayures de la robe de la mère renforce la fragilité de l’enfant.
• Éléments décoratifs : motifs décoratifs et plan aplati évoquent les estampes japonaises, ajoutant une dimension esthétique supplémentaire à la scène quotidienne  (flickr.com)

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Mary Cassatt

Poppies in a Field

Coquelicots dans un champ

1888

US Impressionist painter

Painting featuring a child kneeling in a field full of red poppies and long green grasses with two adults standing separately in the field in the background

Tableau représentant un enfant agenouillé dans un champ de coquelicots rouges et de hautes herbes vertes, avec deux adultes debout, séparés, dans le même champ, en arrière-plan.

·                                 L’œuvre représente une scène champêtre avec un enfant parmi des coquelicots et des bleuets, baigné d’une lumière douce et estivale.

·                               Elle est caractéristique du style impressionniste de Cassatt, avec des touches de couleur vives et une atmosphère sereine (x.com) (instagram.com)

·                               Mary Cassatt, peintre américaine, est la seule artiste américaine invitée à exposer avec les impressionnistes français en tant que pair à part entière  (instagram.com)

Localisation et conservation

·                               Le tableau est conservé au Philadelphia Museum of Art (États-Unis)  (fr.pinterest.com)

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Mary Cassatt

The Boating Party

Les canotiers

1894

US painter

Painting looking at a woman in white holding a small child in a small boat while a man in dark clothes rows with his backbtovthe viewer, on a lake

Peinture montrant une femme en blanc tenant un petit enfant dans un petit bateau tandis qu’un homme en vêtements sombres promène son regard sur un lac

·                                 Commande et exposition : The Boating Party est exposée pour la première fois en 1894 à la Société nationale des beaux-arts à Paris, puis à la Galeries Durand-Ruel en 1895. Elle est ensuite achetée par Paul Durand-Ruel, marchand d’art et soutien des impressionnistes, qui la revendra plus tard à John Gellatly, un collectionneur américain. La toile entre finalement dans les collections de la National Gallery of Art en 1929, grâce à un legs de Gellatly.

Où voir l’œuvre aujourd’hui ?

·                                 National Gallery of Art Adresse : Constitution Ave. NW, Washington, D.C., États-Unis. Site officiel : www.nga.gov (recherchez The Boating Party dans les collections permanentes). (Qwant)

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