Alfons Mucha. Suite.

 

1902.

Luna y estrellas.

Lune et étoiles.

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Les quatre Saisons.

1897.

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1898.

Ensueno vespertino.

Rêve du soir.

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Elena Poniatowska - Leonora -

 

Elena Poniatowska

Leonora

Editions Actes Sud

2012 – Traduit par Claude Fell.

 

Leonora Carrington

"Je n'avais pas le temps d'être une muse. Je passais trop de temps à me rebeller."

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Elle est née le 6 avril 1917. (p 434). Sa mère est irlandaise et  a vécu en Irlande jusqu’à ses 17 ans. (p 45).

Leonora Carrington  a des visions depuis l’enfance. (p 41). Elle ressent une telle force qu’il est impossible de la repousser. (p 43). « Je suis un phénomène à part. » (p 49). Toute sa vie, elle sera soutenue par sa maman, Maurie, qui lui achètera la maison de Saint-Martin en Ardèche. (p 140). Maurie lui envoie régulièrement de l’argent. Leonora deviendra mère de deux fils, avec Chiki Weisz, un Hongrois, au Mexique.

En 1948, James Edward, milliardaire, organise la première exposition de ses tableaux à New York. ((p 364).

 

 

L’éducation inégalitaire.

Leonora pense que son père et ses frères mentent quand ils disent qu’une fille ne peut pas faire comme eux. Elle cogne aussi fort qu’eux et dessine mieux qu’eux. (p 19).

En 1932, les sœurs la trouvent « incontrôlable » car elle a trop de tempérament. (p 40).

Son père a une suite permanente au Ritz, à Paros. (p 44).

Elle gâche toutes les chances d’un mariage « noble », rêvé par ses parents qui sont déçus et se sentent trahis par elle. (p 59).

Elle se plaindra durant toute sa vie de son père qui l’a persécutée depuis son enfance. Il déshérite sa fille et répartit l’argent entre ses trois fils.

 

Max Ernst.

Aux côtés de Max Ernst, la bête à sept têtes de l’Apocalypse est une colombe. (p 67). Il a peint « La Fessée ». La Vierge corrige Jésus, enfant. (p 85).

Il est né à Brühl près de Cologne. Il juge criminelle l’attitude des imbéciles qui ont dirigé les armées pendant la première guerre mondiale. Breton et Freud les discréditent en développant leurs travaux sur l’inconscient. (p 69).

Elena  rencontre Max Ernst en 1936, pendant la guerre d’Espagne. Il se fait entretenir. En amour, il est veule et aime les trios.

Gala – Eluard – Ernst.

Leonora – Marie-Berthe Aurenche – Ernst. (p 122).

Après l’arrestation de Max, pendant la seconde guerre mondiale (il a été interné trois fois). La peur dans les yeux de Leonora envahit la pièce et emplit la maison. (p 157).

Quand Leonora retrouve Max à New York, il lui sert de mentor. (p 268).

 

Max Ernst

La Fuite

1940

Max Ernst a peint "La fuite" en 1940, utilisant la technique de décalcomanie pour créer des formes denses et atmosphériques, reflétant son sentiment d'urgence et de fuite devant la guerre. (Qwant).

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Alcoolisme.

A midi, au Portugal,  on boit des cocktails. Les femmes prennent du Porto glacé jusqu’à leur enivrement. On fait la sieste l’après-midi. Le matin, on termine la nuit avec des « nightscaps » dans les lits. (p 248).

Peggy Guggenheim est jalouse de la beauté de Leonora. « Servez-moi un whisky double. Laissez-moi la bouteille. » (p 255).

A Mexico, Renato l’emmène à des fêtes chez Frida Kahlo. Les serveurs remplissent les verres de tequila dès qu’ils sont vides. (p 300). Certains sont ivres et cherchent leur maman. Lors d’une seconde fête, tout le monde tourne autour des pichets d’eau-de-vie. (p 301).

Les frères de Leonora boivent l’héritage du père, mort en 1946.

A San Cristobal, l’eau-de-vie que l’on vend aux paysans mexicains est meurtrière. (p 439).

 

Maladie mentale.

Leonora est internée à Santander, après l’arrestation de Max. Elle écrira plus tard, son expérience à Santander, dans « En bas » (100 pages). Elle est aidée par Jeanne, la femme du docteur Pierre Mabille,  pour cela,. (p 333). Son père veut la faire interner en Afrique du Sud, et pendant le transfert, Leonora s’échappe. Ses symptômes sont envahissants. Elle regarde sans cesse derrière elle. Elle fume comme un pompier. Elle se frotte les mains. Elle perd la boule. Elle change de voix et de rythme. Elle a des pertes de mémoire. Son comportement est excentrique. (p 271).

Renato Lucas, un Mexicain,  lui sauve la vie après sa fuite de l’hôpital psychiatrique et l’emmène à New York.

Elle prend une douche toute habillée et se plante devant Bunuel, en pleine party (= fête). (p 272).

« Ce qui compte le plus, c’est que tes idées ne te détruisent pas » dit Remediosà Leonora. (p 316).

Elle porte des chaussures qui réduisent les distances. ( !). (p 317).

 

Les sorcières.

Le Lancashire était un pays de sorcières. Douze femmes ont été pendues à Pendle Hill, au dix-septième siècle. (p 31).

 

La nature.

Le frêne est le plus grand et le plus beau des arbres de la planète. Il plonge ses racines dans la mer, ses branches soutiennent le ciel et les fées l’habitent. (p 14).

Le vert d’Irlande flamboie comme s’il y avait une lumière sous la terre. (p 47).

Pourquoi les humains entretiennent-ils les vignes ? Voici une légende possible :

A Saint-Martin-d’Ardèche au Moyen-Age,, l’âne Bourriquet a dévoré une partie de la vigne. L’année suivante, la vendange fut meilleure. Depuis, on taille les vignes. (p 140).

 

Venise.

La lagune d’eau de mer est sur le point de mourir. La putréfaction, les détritus  s’accumulent dans son sang épais. Moribonde, elle est dégénérescente. Les eaux stagnantes apportent la mort par empoisonnement. (p 51).

Valerie Thornton

Venise

The Bridge – Le Pont

1954

Valerie Thornton a créé l'œuvre "The Bridge" (Le Pont), une peinture à l'huile rare parmi ses travaux, connue pour son atmosphère et son intérêt architectural. (Worwick ac uk).

Valerie Thornton est une artiste britannique connue pour ses gravures, mais elle a également réalisé des peintures à l'huile comme "The Bridge" (1954), une œuvre rare qui met en valeur son intérêt pour l'architecture et les figures humaines. (Art uk).

Valerie Thornton, née le 13 avril 1931 à Londres, était une peintre et graveuse britannique connue pour ses gravures inspirées de l'architecture des églises médiévales, notamment de la période romane. Elle a étudié à la Byam Shaw School of Drawing and Painting et au Regent Street Polytechnic, puis a travaillé à Atelier 17 à Paris en 1954. (Annex galleries).

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Robert Brindley

British

1949

Sparkling Morning Light, Grand Canal, Venice.

Robert Brindley

Britannique

1949

Lumière scintillante du matin, Grand Canal, Venise.

Robert Brindley est un artiste britannique connu pour ses peintures du Grand Canal de Venise, notamment ses aquarelles et ses impressions limitées comme "Morning Light, Grand Canal, Venice".

Brindley s'inspire de la vue depuis le pont de l'Accademia, notamment de l'église Santa Maria della Salute.

• Brindley utilise des aquarelles et des peintures à l'huile pour représenter Venise.
• Il travaille souvent sur place, puis affine ses œuvres en atelier. (Qwant).

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Dora Maar.

Elle est rudoyée par Picasso. Elle attire la pitié quand elle entre dans un café. « Regarde dans quel état l’a laissée Picasso ». (p 95).

 

Peggy Guggenheim va protéger Max Ernst. (p 99). Quand ils rejoindront le Portugal, à Lisbonne, après avoir été aidés par Varian Fry, à la Villa d’Air-Bel à Marseille,  ils seront en couple. A New York, Peggy est la pourvoyeuse et Leonora est l’inspiratrice de Max Ernst. (p 268).

 

Vivien Leigh.

Elle vient la visiter à Mexico. Elle frappe à la porte, attend et prend le thé dans la cuisine. (p 431).

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Discrédit

Raconter tout et son contraire

"Comment se discréditer? En racontant tout et son contraire".

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Portugal.

Plus 0,3% d'excédent de PIB.

10 25.

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Leonora Carrington :

Labyrinth, 1991 by Leonora Carrington, UK-born Mexican artist, surrealist painter, and novelist.

Labyrinthe, 1991, de Leonora Carrington, artiste mexicaine née au Royaume-Uni, peintre surréaliste et romancière.

Painting of a spiral green hedged maze with odd figures and creatures appearing to stand or walk around inside.

Peinture représentant un labyrinthe en spirale entouré de haies vertes, avec d'étranges figures et créatures semblant se tenir debout ou se promener à l'intérieur.

'I didn’t have time to be anyone’s muse... I was too busy rebelling...".

« Je n’avais pas le temps d’être la muse de qui que ce soit… J’étais trop occupée à me rebeller… ».

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Leonora Carrington

La fille du Minotaure

1953.

·  Titre original : And Then We Saw the Daughter of the Minotaur (1953)  (websites.umass.edu)

·  Figures : deux enfants entourés de créatures hybrides (hyènes, chevaux, etc.)  (beauxarts.com)

·  Symboles : boules de cristal (divination), végétation (vignes), ciel étoilé et nuages flottants, créant un mélange de réel et de rêve  (websites.umass.edu)

·  Thèmes :

• Hybrides et bestiaires mythologiques, question de l’anthropocentrisme  (fabula.org)
• Rituels communautaires entre humains et animaux  (fabula.org)
• Influence de la mythologie grecque et de la littérature fantastique (Lewis Carroll)   (beauxarts.com)

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Leonora Carrington

Soeurs de la lune, Lucienne

1932

Sisters of the moon.

L'Humanité

• Cette aquarelle fait partie de la série Sisters of the Moon, créée par Carrington entre 1932‑1933, alors qu’elle était adolescente à Florence. La série raconte des histoires de magiciennes, de princesses et de leurs animaux familiers (chiens, chevaux, bestiaire fantastique). Elle s’inspire de contes de fées, de la littérature fantastique et du folklore européen, notamment irlandais, et intègre des éléments mythologiques et ésotériques  (francefineart.com)

Exposition au Musée du Luxembourg

• La série, y compris Sisters of the Moon, Lucienne, est exposée dans la grande rétrospective consacrée à Carrington au Musée du Luxembourg, Paris, du 18 février au 19 juillet 2026. L’exposition présente 126 œuvres, dont cette aquarelle, et offre un aperçu de l’évolution de son univers surréaliste, de ses premiers bestiaires à ses dernières toiles alchimiques  (francefineart.com)

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Viol collectif de Leonora Carrington en Espagne.

Leonora Carrington (1917‑2011), artiste surréaliste britannique, a fui la France occupée pour s’établir en Espagne en 1940. Là‑là, elle a été victime d’un viol collectif perpétré par des soldats franquistes. Cet acte brutal l’a conduite à une grave dépression, suivie d’un internement psychiatrique dans un sanatorium à Santander  (museeduluxembourg.fr)

• Date et lieu : 1940, Madrid ; internement à Santander  (museeduluxembourg.fr)
• Nature de l’agression : viol collectif par des soldats franquistes  (olgablog.com)
• Conséquences : dépression profonde, internement forcé, traitements inhumains (électrochocs)  (fomo-vox.com)

Cette expérience traumatisante a marqué la vie et l’œuvre de Carrington, qu’elle évoque plus tard dans son récit autobiographique « En Bas »  (olgablog.com)

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Paul Klee. Suite.

 

Prince.

Ndlr : la tête est ambiguë. Potence ?

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Paul Klee

The Idea of Firs 

L'idée des sapins

1917.

Paul Klee a créé une œuvre intitulée "L'idée des sapins" en 1917, illustrant son style influencé par l'expressionnisme, le cubisme et le surréalisme, et qui peut inspirer des activités artistiques autour de la représentation de sapins dans son univers. (Artheroes).

Paul Klee (1879-1940) est un artiste et dessinateur allemand d'origine suisse. Il est considéré comme l'un des fondateurs de l'art abstrait. (Ideesanoug).

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Paul Klee

One Who Understands.

Celui qui comprend.

"Celui qui comprend" de Paul Klee, peint en 1934, représente une tête humaine abstraite composée de plans géométriques en blanc, gris et noir, symbolisant la compréhension et la connexion. L'œuvre a été créée peu après que Klee ait été déclaré "dégénéré" par les nazis en 1933, ce qui influence son contexte historique et artistique.

"Celui qui comprend", peint en 1934, est une œuvre captivante de Paul Klee qui se trouve ici même au Metropolitan Museum of Art. 

(App fta art).

Le cercle carré de la tête abstraite dans la peinture de Klee est fait des mêmes lignes qui divisent l'image comme une vitre fissurée. Klee a enseigné au Bauhaus, d'abord à Weimar puis à Dessau. (Flickr).

Né en 1879 à Münchenbuchsee, en Suisse, Paul Klee était un peintre et un graphiste réputé pour son style distinctif et individualiste. (Etsy).

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Gunta Stölzl

Fabric Design

1928

Textile artist.

Bauhaus Weaving Workshop

Painted rectangular design with repeated geometric patterns in multicolours on cream.

Gunta Stölzl

Conception textile

1928

Artiste textile.

Bauhaus Tissage Atelier.

Motif rectangulaire peint avec des motifs géométriques multicolores répétés sur fond crème.

Gunta Stölzl (née le 5 mars 1897 à Munich et morte le 22 avril 1983 à Zurich) est une tisserande et designer de textiles allemande. 

En 1928, Gunta Stölzl, artiste textile du Bauhaus, a innové dans le tissage en créant des œuvres avec des motifs rectangulaires et géométriques, intégrant techniques modernes et expérimentations avec des matériaux pour allier esthétique et fonctionnalité dans ses textiles. (Wikipedia).

Elles ont fait de l’atelier textile l’un des plus productifs et rentables de l’école, notamment à partir de 1931, sous la responsabilité de la « Jungmeister » Gunta Stölzl. (Lesfilssenmelent).

En 1931, G. Stölzl quitte le Bauhaus à la suite d’une intrigue au sein de l’atelier de tissage. En douze ans, elle en aura construit l’un des ateliers les plus importants. (Awarae women artist).

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Ab ovo

1917

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Paul Klee

City of Churches

Ville d'églises.

La peinture "City of Churches" a été créée par Paul Klee en 1929.

L'œuvre "City of the Churches" (1918) de Paul Klee est un exemple fascinant de la façon dont l'art peut combiner les aspects de la réalité avec une vision poétique et onirique.

(Kuadros).

œuvre fascinante qui plonge le spectateur dans un univers onirique et coloré. (Master Apollon).

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Paul Klee

Late Evening Looking Out of the Woods

Tard dans la soirée, regardant hors des bois.

1937

L'œuvre "Late Evening Looking Out of the Woods" de Paul Klee, créée en 1937, est un dessin à l'huile sur papier représentant une scène de forêt au crépuscule, avec des tons bleus et bruns pour évoquer une atmosphère paisible et contemplative.

L'illustration « Tard dans la soirée, regardant hors des bois » de Paul Klee capture la douceur d'une soirée. L'harmonie des tons bleu azur et bleu crée un effet apaisant.

(Photo circle).

Paul Klee était fasciné par l'effet de la lumière du soir sur notre perception et notre imagination, et il a créé cette oeuvre d'art en utilisant uniquement deux couleurs aux tons similaires. (Etsy).

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Paul Klee

Untitled (Still life)

Sans titre - Nature morte.

1940

L'œuvre "Untitled (Still Life)" de Paul Klee, datée de 1940, est une huile sur toile mesurant 100 x 80,5 cm, représentant une nature morte avec des objets réalistes et mythiques sur un fond noir. (Copie de maître).

Cette œuvre sur fond noir représente une « nature morte » où des objets d’aspects réalistes et mythiques sont clairement départagés dans l’espace. (Fam1500 uqam).

Paul Klee est un peintre de nationalité allemande né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee et mort le 29 juin 1940 à Locarno. C'est un des artistes majeurs de la première moitié du XXᵉ siècle. (Catawiki).

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Karl-Heinz Adler,

Serielle Lineaturen

Séries linéaires

(Tafel 1), (Table 1)

Graphite on fiberboard,

Graphite sur panneau de fibres

1989

Albertinum, Dresden.

Karl-Heinz Adler a créé les Serielle Lineaturen dans les années 1967-1968, une série d'œuvres géométriques et linéaires, dont certaines, comme Serielle Lineatur über Kreis, utilisent du graphite sur panneau de fibres. Ces œuvres explorent la linéarité du médium et la géométrie stricte. (Museum Ritter de).

Konkrete Kunst in der DDR. Seit Ende der 50er Jahre: Serielle Collagen und Lineaturen, Folienschichtungen, Farbfeldmalerei

L'art concret en RDA. Depuis la fin des années 1950 : Collages et linéations en série, superposition de feuilles, peinture sur champ de couleur. (.barthel-tetzner.de)

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Paul Klee

Clouds over Bor

Nuages ​​au-dessus de Bor.

1940.

Paul Klee a créé "Clouds Over Bor" en 1940, une œuvre expressionniste en aquarelle mesurant 44 x 46 cm, actuellement conservée dans la Felix Klee Collection à Bern, Suisse. (Redkalion).

Une de ses pièces remarquables, "Clouds sur Bor", créé en 1940, illustre sa maîtrise en évoquant des expériences émotionnelles à travers l'art. (Artsdot).

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Paul Klee

« Une ligne, c'est un point qui est parti en promenade ».

Paul Klee a défini une ligne comme un point qui est parti en promenade, illustrant ainsi la dynamique et la liberté de la ligne dans l'art.

De tous temps, par la marche, l’écriture, le dessin et le tissage, les êtres ont tracé des lignes.

(Un neuf trois soleils).

Dès 1908, la ligne fait partie de sa règle de vie, ’nulla dies sine ligna’. Pas un jour sans travailler la ligne, sans penser à la ligne, sans se référer à la ligne, telle une ligne de vie sur un bateau à laquelle s’attache le marin en manœuvre pour garder la vie sauve. La ligne comme règle, mais aussi comme contrainte …
La ligne est dynamique et donne son tempo à la toile, en lien avec le jeu des couleurs, “les couleurs, je voudrais les appeler des qualités”, dit-il. La ligne contient l’affect et permet le retour à l’élémentaire." (Galerie Bamberger).

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Paul Klee

Petit paysage

1919

« Petit paysage » de Paul Klee, réalisé en 1919, est une œuvre emblématique de l'art moderne, mêlant abstraction, couleurs vibrantes et formes géométriques pour évoquer un paysage imaginaire et introspectif. (Master Apollon).

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Paul Klee

Le Niesen

1915

Paul Klee a peint Der Niesen en 1915, représentant la montagne suisse sous le titre "Egyptian Night", une œuvre volée en 1976 et retrouvée en 2001.

Le Niesen est dépeint comme une sublimation, une transcendance, émergée des contingences. Klee utilise la silhouette de la montagne pour explorer des concepts artistiques et théoriques. Cette œuvre marque le début d'une série de représentations du Niesen, dont la plus notable est Ad Parnassum (1932).

Le Niesen, comme la montagne Sainte-Victoire pour Cézanne, a servi de sujet de réflexion et d'expérimentation pour de nombreux artistes suisses, dont Cuno Amiet et Ferdinand Hodler.

En 1915, Klee vit à Munich avec sa femme et son fils. La Première Guerre mondiale éclate, et il sait qu'il sera bientôt mobilisé. Cette période est marquée par une intense activité créative, influencée par ses souvenirs de voyages et ses réflexions sur la forme et le design. (Qwant).

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Paul Klee - 

Fire at Full Moon

Feu à la Pleine Lune

1933

"Le feu à la pleine lune" est l'une des œuvres systématiques de Klee. L'effet de la forme, de la surface et de la couleur est ici le sujet de sa doctrine du design développée au Bauhaus. (Arsmundi).

L'effet de la forme, de la surface et de la couleur devient le contenu. (Kunst plaza).

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Paul Klee

In the Style of Kairouan.

Dans le style de Kairouan

1914

Paul Klee a créé "In the Style of Kairouan" en 1914, une peinture à l'aquarelle considérée comme la première œuvre purement abstraite de l'artiste, inspirée par sa visite en Tunisie.

Paul Klee a créé l'œuvre "Dans le style de Kairouan" en 1914, lors de son voyage en Tunisie avec August Macke et Louis Moilliet.

Klee a été profondément inspiré par sa visite en Tunisie, notamment par la qualité de la lumière.

Après ce voyage, il a affirmé : « Couleur et moi sommes unis », marquant un tournant vers l'utilisation de la couleur dans son œuvre.

Contrairement à ses œuvres précédentes, cette aquarelle ne représente pas une étude de la nature mais une exploration pure des couleurs et des formes.

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Paul Klee

Croissance

1921.

Paul Klee a été influencé par le Bauhaus, où il a enseigné de 1921 à 1931. Son œuvre se caractérise par une grande diversité de supports et une exploration des structures internes de la nature, qu'il transcrit dans un langage visuel propre

Centre Pompidou : L'œuvre est conservée dans ce musée parisien.

D'autres œuvres de Klee sont conservées à la Fondation Paul-Klee à Berne, en Suisse. (Qwant).

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Paul Klee

Flowers in stone.

Des fleurs dans la pierre.

L'œuvre "Flowers in Stone" a été peinte par Paul Klee en 1939, durant sa période de maturité artistique. Elle est exposée à la Galerie Rosengart à Lucerne, en Suisse.

Klee y représente des fleurs et des pierres dans un paysage surréaliste, utilisant des formes géométriques et des couleurs vibrantes pour créer une harmonie visuelle.

L'œuvre reflète sa quête constante de nouvelles formes d'expression artistique.

L'artiste utilisait souvent l'aquarelle, ce qui influence la douceur des formes et la fluidité des couleurs.

Les fleurs, symboles de douceur, contrastent avec la rigidité des pierres, illustrant la dualité entre le vivant et l'inanimé. (Qwant).

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Chapeau, femme et petite table.

1932.

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Paul Klee

Avec parapluie.

1939

L'œuvre "Avec parapluie" (1939) de Paul Klee est une aquarelle sur papier appartenant à l'expressionnisme et faisant partie de la collection du Kunstmuseum Basel.

Paul Klee a réalisé d'autres œuvres liées aux parapluies, comme "Mésaventure d'un parapluie" (1940), conservée à la Fondation Beyeler à Bâle. (Qwant).

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Blühendes.

1934.

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Paul Klee

Madeleine avant sa conversion

1938 ?

Titre	Magdalena avant la conversion (souvent traduit Madeleine avant sa conversion)
Sujet	Marie Madeleine, disciple de Jésus, dans un état contemplatif avant sa conversion au christianisme
Style	Expressionnisme, mélange de cubisme et de surréalisme
Technique	Peinture à l’« œufs blanchis » (méthode originale de Klee)

(Qwant).

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Paul Klee

La folle du village

1920.

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Dômes rouges et blancs.

1914.

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Paul Klee

Fantôme d'un génie

1922

Ecosse.

L’œuvre est une illustration figurative de style surréaliste et expressionniste, typique de la période de Klee où il explorait des formes abstraites et des jeux de lumière. Elle fait partie de la collection permanente de la galerie nationale d’Écosse et est accessible en ligne via le projet Google Art Project et le dépôt Wikimedia Commons (fr.wikipedia.org)

« Fantôme d'un génie » est conservé à la Scottish National Gallery of Modern Art, à Édimbourg  (latribunedelart.com)

 

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Paul Klee

Blanc polyphoniquement traité

1930

L’œuvre est une composition abstraite réalisée à l’aquarelle et à la plume. Elle présente un fond blanc, d’où le nom Blanc polyphoniquement traité. Le titre en allemand, Polyphon gefasstes Weiss, indique qu’il s’agit d’une « poliphonie » visuelle, c’est‑à‑dire une superposition d’éléments qui créent une texture sonore visuelle. La peinture est montée sur un support de carton, ce qui lui confère une certaine légèreté et un aspect « framed » (encadré) malgré l’absence d’un cadre traditionnel.

“Plume et aquarelle sur papier sur carton.”  (commons.wikimedia.org)

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Paul Klee

Signes en jaune

1937

Signes en jaune est une œuvre abstraite caractérisée par l’usage audacieux du jaune, couleur associée à la lumière et à l’énergie. Elle illustre la maîtrise de Klee de la couleur et de la composition géométrique, typique de son style de la fin des années 1930  (galeriemontblanc.com)

L’œuvre est conservée dans la collection permanente de la Fondation Beyeler et n’est pas exposée en permanence. (Qwant).

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Paul Klee

Goldfish wife - Femelle poisson rouge

1921

Philadelphie

Lieu : Philadelphia Museum of Art, 2600 Benjamin Franklin Parkway, Philadelphie, Pennsylvanie, États‑Unis  (philamuseum.org)

Paul Klee a réalisé en 1921 une œuvre intitulée « Poisson rouge femelle » (en allemand Goldfisch‑Weib).

Cette peinture représente une femelle de poisson rouge dans un style caractéristique de Klee, mêlant formes simples et couleurs vives. Elle fait partie de la série de ses œuvres de la première moitié du XXᵉ siècle, où il explorait la couleur et la forme à travers des motifs marins. (Qwant).

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Paul Klee

Dans le miroir magique

1934.

L’œuvre a été réalisée peu après que Klee ait été déclaré « artiste dégénéré » par le parti nazi en 1933, entraînant la perte de sa position en Allemagne et son exil forcé en Suisse. Elle reflète la désillusion et l’anxiété de l’artiste face à ces bouleversements  (artic.edu)

Description visuelle

• Une ligne rouge sinueuse serpente du haut vers le bas, délimitant les traits d’un visage.
• Les sourcils sont serrés, le nez et la bouche s’opposent, évoquant la tension.
• Les yeux en forme de larme et les joues roses contrastent, symbolisant la détresse et la joie.
• Le cœur noir isolé au centre représente le centre créatif de l’artiste, suggérant le pall de la période  (artic.edu)

Signification

Klee a appelé cette technique « prendre une ligne pour se promener ». L’œuvre illustre cette approche, montrant comment une simple ligne peut évoluer en plusieurs visages, chacun reflétant un état émotionnel différent. Le tableau est ainsi une métaphore de la réflexion et de la transformation intérieure de l’artiste  (artic.edu)

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